Neoclasicismo o arte neoclásico
ejemplos de esa arquitectura son el Panteón (1790),
la iglesia de la Madelaine o
Templo de la Magdalena en París, de Vignon;
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el Arco de Triunfo de París, ambas obras comenzadas en 1806, o
la columna Vendome (1810).
La plaza estaba rodeada de grandes edificios públicos y en su centro había una estatua del rey, por ello fue llamada “Plaza Luis el Grande”. Durante la Revolución Francesa se le cambió el nombre al lugar y fue derribada la estatua ecuestre del rey, posteriormente se levantaría en su lugar una columna en recuerdo de las victorias militares de Napoleón, imitando las columnas de los emperadores romanos, que todavía sigue en su sitio.
Esta gran obra pública nos sirve como recordatorio de que las monarquías anteriores al siglo XVIII no se preocupaban del bienestar de sus súbditos. El gobierno francés gastó una cantidad enorme de dinero en la construcción de este monumento, mientras morían cientos de miles de franceses debido a las hambrunas y el clima en los años inmediatamente anteriores y posteriores, sin apenas recibir ayuda de las autoridades.
Capitolio
de Estados Unidos terminó sus primeras obras en 1800.
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_17.jpg)
1922 Monumento a Lincoln
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2.
La arquitectura: Juan de Villanueva
(1739-1811)
la Casita de Arriba o Casita del Infante (terminada en 1773) y
1773 Casita de arriba o Casita del infante en El Escorial
la Casita de Abajo o la Casita del Príncipe
(terminada en 1775).
Además en 1784 realizó la Casita
del Príncipe en el Palacio del Pardo,
En ese momento realiza su principal obra: el Museo del Prado.
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Real Observatorio de Madrid
el cementerio del Norte, terminado en 1809.
1809 Cementerio del Norte
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3.
La escultura: Antonio Canova
(1757-1822)
La tumba de Clemente XIII (1792), en la cual se aprecia aún
sus inicios barrocos.
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Esculturas de tema mitológico como Eros y Psique (terminada en 1793) o
Las tres Gracias, de la cual
hay dos versiones (1814 y 1817).
Retratos de Napoleón, al cual magnificó y trató como si se tratara de un dios griego o de Alejandro Magno, al representarlo semidesnudo, por ejemplo en Napoleón como Marte (1806).
También realizó un retrato de Paulina Bonaparte
(1808),
Retratos de otros personajes entre
los que destaca el de George Washington, terminado en 1820.
4.
La pintura: David (1748-1825)
El juramento de los Horacios (1784)
1787 La muerte de Sócrates
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La muerte de Marat (1793)
La coronación de Napoleón, terminada en 1807
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retrato de Madame
Récamier (1800)
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5.
Francisco de Goya (1746-1828)
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El quitasol (1777),
“El pelele” (1791-1792) es un cartón para tapiz de Francisco de Goya.
Los cartones para tapices eran cuadros que servían como plantillas o modelos para tejer tapices.
Goya comenzó en 1775, a los 29 años, a pintar cartones para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, una de las manufacturas reales establecidas en España en el siglo XVIII. “El pelele” fue el último cartón para tapiz que pintó Goya.
El cuadro muestra a cuatro majas manteando un pelele, símbolo del sexo masculino, y riéndose. Representaría así a las mujeres como burladoras de los hombres, y simboliza el dominio implícito de la mujer sobre el hombre.
El cuadro pertenece a la etapa artística del Rococó por el uso de colores con tonos pastel y por el tema, que está sacado de lo cotidiano y vinculado a los placeres de la vida, como son el juego y la diversión.
Las medidas del cuadro son 2’67 metros de largo por 1’60 metros de ancho.
La vendimia (1787),
La pradera de San Isidro (1788),
La gallina ciega (1789) o
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El cacharrero (1799), donde empieza a separarse en calidad de sus primeros trabajos.
Cristo en la cruz
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Retrato de Floridablanca (1783) o
Rey Carlos III cazador (1786),
Los duques de Osuna y sus hijos (1788),
Retrato de Jovellanos (1798).
Los Caprichos (1799), grabados al aguafuerte
en los que se critican la sociedad española del momento llena de supersticiones
y se satiriza sobre la tiranía de los poderosos, la censura, la ignorancia, el
poder de la Inquisición y la marginación de la mujer. Un buen ejemplo de ellos
es El sueño de la razón produce monstruos.
La condesa de Chinchón (1800),
El retrato de la condesa de Chinchón lo pintó Goya en 1800 a la edad de 54 años. En ese momento Goya ya trabajaba como pintor de corte y no sólo retrataba a la familia real sino a muchos nobles y ministros. La condesa de Chinchón era la esposa de Godoy, el ministro más importante de Carlos IV, y en el cuadro aparece embarazada. Mediante el uso de la luz en el cuadro Goya ilumina el vientre del personaje para resaltar su embarazo.
La condesa aparece con la boca cerrada en una sonrisa tímida, acaso porque le faltaban varios dientes; sin embargo estaba muy orgullosa de sus brazos, que enseña en la mayoría de sus retratos. Lleva un gran anillo con una efigie de su marido.
Este cuadro pertenece al estilo Neoclásico pues resalta la importancia de la maternidad como un deber, y muestra a la condesa como una mujer consciente y responsable ante el papel que desempeña en la sociedad. Las medidas del cuadro son 2’16 metros de alto por 1’44 metros de ancho.
La duquesa de Alba (a la que pintó en varias ocasiones) o
La maja desnuda (1800) y
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La maja vestida (1808)
Manuel Godoy (1801), el primer ministro, y a
La familia de Carlos IV (1800)
Los desastres de la guerra (1815)
J(El duque de Wellington 1812,
Palafox 1814),
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La carga de los mamelucos en la Puerta del Sol o El Dos de Mayo de 1808 en Madrid y
Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío o El Tres de Mayo en Madrid, ambos pintados en 1814.
El coloso, posterior a 1814,
Fernando VII, en una obra posterior a 1815,
La tauromaquia (1816), en la que el artista se refugia en una temática alegre y popular.
Pinturas negras (1819-1823),
El aquelarre o El gran cabrón
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Duelo a garrotazos,
Saturno devorando a su hijo (en la que se trata su miedo a la vejez) o
La romería de San Isidro.
Los Disparates, acabada en 1824,
La lechera de Burdeos (1827)
1827 La lechera de Burdeos
Filmografía:
Caballero sin espada (1939)
Una habitación con vistas (1985)
libros de
emblemas emblemática
http://en.wikipedia.org/wiki/Emblem_b
[1] El Neoclásico continuó siendo un arte asociado a los
edificios políticos durante el siglo XIX y principios del XX: Palacio del
Congreso de los Diputados (1850) en Madrid, Monumento a Lincoln (1922) en
Washington, Monumento a Jefferson (1943) en Washington.
[2] En España se creó la Real Academia de Bellas Artes de
San Fernando.
[3] El Grand Tour
o viaje de formación a Italia es una costumbre que empezó en el siglo XVII y se
popularizó en el XVIII. Si en el XVII sólo viajaban a Italia para conocer de
primera mano las obras maestras una minoría de artistas, en el siglo XVIII se
hizo común ese recorrido, no sólo para los artistas, sino para todos los
jóvenes europeos de familias ricas que podían permitirse costear ese viaje de
varios meses por Italia, que suponía para ellos el paso a la edad adulta.
[4] José Luzán y Martínez (1710-1785)
fue un pintor barroco español, y el más destacado de la pintura aragonesa del siglo xviii, excepción hecha de quienes fueron
sus discípulos los pintores Francisco Bayeu o Francisco de Goya.
[5]
Los cartones para tapices eran cuadros que servían de
modelo a tapices tejidos en las manufacturas reales.
El arte del siglo XIX.
1.
Romanticismo y
Realismo.
- La libertad guiando al pueblo. En esta obra se representa la revolución liberal francesa de 1830, viéndose de forma clara la influencia de Goya. Por lo demás vemos las características citadas de importancia del color, del claroscuro, de profundidad y de movimiento.
La libertad guiando al pueblo de Eugène Delacroix (1830)
"La Libertad guiando al pueblo", cuadro de 1830 pintado por Delacroix. El enlace explicando el cuadro viene a continuación.
- La matanza de Quíos (1824),
En el caso de Géricault, su obra más
conocida es La Balsa de la medusa (1819),
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Un buen ejemplo de esta temática es Cruz y catedral en las montañas.
El caminante
sobre un mar de nubes (1818).
Turner
Snow Storm: Hannibal and his Army Crossing the Alps, 1812
El último viaje del Temerario, 1839
Lluvia, vapor y velocidad, de Turner (1775-1851); 1844
(El testamento de Isabel la Católica (1864) de Rosales),
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El fusilamiento del general Torrijos (1888) realizado por Gisbert o
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escenas folclóricas españolas llenas de bandoleros, toreros o mujeres con mantillas.
https://www.carmenthyssenmalaga.org/obras-destacadas
Ejecución de los comuneros de Castilla (1860)
Ejecución de los comuneros de Castilla, 1860
- Millet (1814-1875).
Las espigadoras[1] (1857) o
El Ángelus (1859).
El ángelus, de Millet; 1859
- Courbet.
Un entierro de Ornans (1850),
El entierro de Ornans, de Courbet; 1850
El taller del pintor (1855),
El
origen del mundo (1866)
1845 portrait de baudelaire
1846 casseurs de pierres
1848 berlioz
1849 homme a la ceinture de cuir
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1849 apres-diner a ornans
1850 entierro en ornans
1850 Homme a la pipe
1851 demoiselles d evillage
1853 lutteurs
1853 La hilandera dormida
1853 baigneusers
1854 cribleuses de bleu
1854 rencontre
1855 atelier
1855 roche de dix heures, Rocas a las 10
1858 hallali
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2.
Arquitectura del
siglo XIX.
2.1.
Los Historicismos.
En Inglaterra, buenos ejemplos de esta arquitectura es el Palacio de Westminster (1865),
Parlamento de Londres, de Barry y Pugin;
Pabellón Real de Brighton (1823),
1823 Pabellón Real en Brighton
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la Ópera Garnier (1874) en
París
(Las Ventas (1829)
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En Sevilla 1929 Exposición Iberoamericana en estilo neomudéja
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2.2. Edificios de
hierro y cristal.
Palacio de Cristal (Crystal Palace) de Paxton construido en 1851 en el Hyde Park de Londres para la Primera Exposición Universal.
bibliotecas como la de Santa Genoveva de París o
el Palacio de Cristal del Retiro en Madrid (1887) para la Exposición de las islas Filipinas,
1887 Palacio de cristal del Retiro, construido para Exposición de las Islas Filipinas
El siguiente paso fue la Exposición de París de 1889 (Centenario de la Revolución Francesa) en la que se construyó la Torre Eiffel
Torre Eiffel de París;
y la Galería de las
Máquinas
1889 Galería de las máquinas postal
la Escuela de Chicago, tras el incendio de 1871, en la que destaca Luis Sullivan,
El Auditorium de Chicago,
Auditorium de Chicago, de Sullivan y Adler;
Almacenes Carson (1889), en los que desaparece el historicismo.
1899 Almacenes Carson o Sullivan Center entrada
1899 Almacenes Carson o Sullivan Center foto antigua
2.2. El Modernismo.
Victor Horta
la casa Tassel de Bruselas,
1893 Casa Tassel de Víctor Horta
1893 Casa Tassel Bruselas
la sede del PSOB
1899 Casa del Pueblo del Partido Obrero Belga
1905 El gran bazar de Víctor Horta
Antonio Gaudí
El Capricho
el Palacio Episcopal de Astorga o
1892 Casa Botines en León de Gaudí
1906 Casa Batlló de Gaudí por detrás
1906 Casa Batlló de Gaudí
El Parque Güell
3.
El Impresionismo.
Es un movimiento
artístico que se desarrolló en el último cuarto del siglo XIX en torno a la
ciudad de París, centro del arte mundial
entre 1871 y 1945, y que se caracterizó por la falta de respeto de un grupo
de artistas a las normas establecidas por las Academias. De hecho dejan de
realizarse temáticas oficiales, que pasan a ser retratadas por la naciente fotografía, mientras que el pintor
impresionista realiza una temática
muy variada y libre, surgiendo paisajes, acontecimientos sociales y callejeros,
escenas cotidianas, imágenes de la industria o del ferrocarril, etc.
Su objetivo
principal era el de captar la sensación
visual del instante, cosa que
en siglos anteriores ya habían estudiado pintores como Velázquez, Rembrandt o
Leonardo da Vinci. Las características o la técnica de los impresionistas se basa en los siguientes aspectos:
-
El
pintor realiza su obra al aire libre, abandonando el taller.
-
El
pintor trata de captar la luz y su incidencia sobre los objetos a lo largo del
día y de las estaciones del año.
-
La
pincelada suelta, ya usada anteriormente, se generaliza.
-
El
pintor usa los colores primarios sin mezclarlos en la paleta. Debe ser el ojo
humano el que los mezcle al verlos en la obra.
-
Las
sombras dejan de ser oscuras, sino que se colorean, por lo que desaparece el
intenso claroscuro (por la aparición de la luz eléctrica).
Los principales
artistas impresionistas son los siguientes:
Manet. Fue el primer artista que rompió claramente
con los cánones académicos provocando escándalo con la obra Le déjeneur sur
l’herbe (El almuerzo campestre) tanto en la temática como en la ejecución y en
la pincelada suelta. El mismo efecto tuvo su Olympia, imagen muy erótica que
escandalizó al tratarse de un desnudo tan realista, a diferencia de los temas
mitológicos.
Claude Monet. Es sin duda el impresionista por
excelencia, realizando una pintura al aire libre que cumple con todas las
características anteriormente expuestas. Realizó multitud de paisajes, marinas
y escenas fluviales. Algunas de sus obras más significativas son: Impresión: sol naciente (de hecho esta
obra es la que da nombre a la escuela y fue pintada en el puerto francés de Le
Havre y destaca por el estudio lumínico y la pincelada suelta), las cuatro
versiones de
Renoir. Es un artista que mantiene un fuerte peso
de la tradición junto a las conquistas técnicas de los impresionistas. Usó
fuertes tonalidades de colores cálidos como el rojo y el amarillo, a la vez que
fue un estudioso de la luz y su incidencia sobre los ambientes. Una buena
muestra es Le Moulin de
Degas. Fue un pintor que también combina la línea
de su formación académica con la pincelada suelta y los colores sin sombras
típicamente impresionistas. Pintó la figura humana y su capacidad de
contorsión, por lo que el movimiento y lo inestable aparecen en sus obras.
Existen multitud de obras suyas en las que aparecen bailarinas (como La clase de danza), así como carreras de caballos,
por lo que fue un buen cronista del mundo burgués parisino del momento. Además
realizó excelentes estudios sobre el desnudo femenino en los que vemos enfoques
muy originales del cuerpo que nos
demuestran las influencias del trabajo fotográfico del momento. A nivel técnico
usó la técnica de pintura al pastel sobre papel.
Rodin. El impresionismo fue un movimiento
fundamentalmente pictórico, pero apareció también en otras artes y, entre
ellas, también en la escultura. Su obra y su técnica también fueron rechazadas
por
Algunas obras suyas son: El pensador (obra realizada en bronce con influencia de Miguel
Ángel y que se centra en la reflexión sobre la vida), Los burgueses de Calais (obra de bronce que transmite el tormento de un grupo de personas que se
entregaron al rey de Inglaterra en el siglo XIV para salvar la vida de los
habitantes de su ciudad), El Beso
(obra de mármol, muy aceptada incluso en su época en la que destaca la belleza,
el movimiento y la multiplicación de planos a la hora de ser vista) o Las puertas del infierno.
El puntillismo
o divisionismo. En los años 80 del siglo XIX la pincelada suelta
desaparece momentáneamente de los cuadros y vemos la aparición de obras en las
que vemos pequeños puntos de colores puros sobre las obras. Sus maestros
principales fueron Seurat y Signac
y sus temáticas y preocupaciones sobre la luz y el paisaje los mantienen dentro
del movimiento impresionista. Un ejemplo
de Seurat es Tarde
de domingo en la isla de la Grande Jatte.
4.
El
postimpresionismo.
No se trata de un
movimiento artístico, sino de un conjunto de pintores posteriores al movimiento
impresionista que mantienen lo adquirido por ellos, lo revisan y avanzan
incorporando cada uno de ellos visiones muy personales en las que destaca la
vuelta al dibujo y la preocupación por captar la expresividad de las cosas y
las personas.
Toulouse-Lautrec. Era descendiente de un noble,
padecía graves problemas de salud relacionados con el desarrollo de sus huesos
y se refugió en el alcohol, la noche parisina y los cabarets. Allí tomaba
apuntes y dibujos de las bailarinas y retrataba escenas nerviosas e inacabadas
con una gran vivacidad. En ellas la línea y la estampa japonesa del momento
tuvieron gran influencia en sus obras, convirtiéndose en el cartelista del París bohemio –gitano-
del momento.
Influencia de las
estampas japonesas. Grabados. La ola. Xilografías. Bonzo
Cézanne. Fue un pintor de la ciudad francesa de
Aix-en-Provence que basó su pintura en las impresiones visuales propias del
impresionista y el posterior análisis cerebral de ellas, por lo que las formas
son estudiadas y analizadas, dando lugar a pinturas con formas geométricas
(prismas, esferas, cilindros o conos). Por eso se le considera un pintor
precubista y maestro indiscutible de las vanguardias del siglo XX. Algunas
obras suyas son: Los jugadores de naipes,
La mujer de la cafetera, Naturalezas muertas o La montaña de Santa Victoria. En todas ellas las grandes pinceladas
y las formas voluminosas son notas características del artista.
Gauguin. Comenzó su aprendizaje de la mano de los
impresionistas, dejando su cómoda vida y a su familia para instalarse
pobremente en París y, posteriormente, en la región francesa de Bretaña. Su vida y su obra se podrían
dividir en las siguientes etapas:
Primera etapa. En
Bretaña convivió con los campesinos caracterizándose su obra por la importancia
de la línea negra usada como contorno de las figuras, mientras que el interior
se colorea con tonos planos, sin perspectivas ni sombreados y con colores
libres, por lo que vemos la influencia de la estampa japonesa, de las vidrieras
góticas y de la pintura románica. Esto nos demuestra que el pintor abandona el
ojo y la observación de la naturaleza para centrarse en el alma y los estados
de ánimo, ya que éstos le sugieren tonos que no tienen nada que ver con lo
representado. La visión después del
sermón es una obra de este periodo bretón que no fue comprendida en el
momento, ya que usa esos colores libres. Similar es su obra El Cristo amarillo.
Segunda etapa. Convivió
con Van Gogh durante poco tiempo en Arlès.
Destaca Les Alyscamps que representa un paisaje de la ciudad y en el que
refleja los tonos cálidos del sur de Francia.
Tercera etapa.
Gauguin se trasladó a Tahití, donde
mantuvo el uso de los colores libres, precedente claro del fauvismo o del
expresionismo de las vanguardias del siglo XX, y desarrolla una pintura plana,
que nos demuestra una gran admiración por estos pueblos desconocidos que se
denominó primitivismo. Algunos ejemplos son de sus pinturas tahitianas son
Arearea, Los senos con flores rojas o ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos?
¿Adónde vamos?
Vincent Van Gogh. Era representante de una galería de
arte en Holanda hasta que sufrió un desengaño amoroso que le llevó al paro y a
una trágica existencia. Se refugió en una religión convirtiéndose en
predicador, pero dado su estricto carácter fue rechazado, comenzando a expresar
sus ideas a través de la pintura. En las primeras obras se refleja la temática
social como en Los comedores de patatas, en los que vemos
la triste existencia de la clase social más pobre con unos tonos negros y
grises que reflejan esa miseria y tristeza.
Posteriormente se
traslada a París, allí aprende la técnica impresionista, por lo que se aclara
su paleta y los temas son más alegres. Poco después viaja a Arlès, en Provenza, y queda fascinado
por la luz y los colores cálidos del sur de Francia. Allí sus obras son muy
coloridas y serpenteantes, transmitiendo en ellas su fuego interior, su sensibilidad
y su cambiante estado mental especialmente atormentado.
Características
técnicas de Van Gogh
En todas estas
obras vemos una línea negra fuerte y firme, influencia de la estampa japonesa,
junto con los colores puros típicos del momento y el predominio de pinceladas
muy gruesas, por lo que existen puntos en común con los pintores del momento.
Algunas de sus
obras son sus Autorretratos,
Hospicio
Iglesia de la Madeleine
Iglesia de la Sainte Geneviève
Arco de la Estrella
Columnata de la Plaza Vendôme
Museo Británico
Puerta de Branderburgo
Puerta de Alcalá
Museo del Prado
La Lonja
Fábrica de Tabacos
Iglesia de San Miguel
Paulina Bonaparte
El juramento de los Horacios
Juramento del Jeu de Paume
La Consagración de Napoleón
Ánimas de Purgatorio
*FRANCISCO DE GOYA
La vendimia
Las cuatro estaciones
La gallina ciega
La época de Carlos IV
La maja vestida
La maja desnuda
La carga de los mamelucos
Los fusilamientos de la Moncloa
Los desastres de la guerra
Pinturas negras
La lechera
2.El movimiento romántico
Vajero junto a un mar de niebla(1818)
La matanza de Quiós(1824)
La balsa de la madusa(1819)
La condesa de Vilches
Lluvia,vapor y velocidad(1844)
La vicaría(1867-1870)
3.El Realismo
El Angelus(1859)
Un entierro de Ornans
El testamento de Isabel la Católica(1864)
La siesta
El taller de pintura(1855)
La catedral de Chartres
El puente de Mantes(1868-1870)
Linde del bosque de Fontainebleau
Vagón de tercera(1865)
6.El arte en el cambio de siglo:el Impresionismo
El almuerzo campestre
Catedral de Ruán
Bailarinas
Moulin Rouge
Regoyos Beruete Zuloaga
Paseo a orillas del mar
Sol naciente La noche estrellada
Niños en la playa
Los jugadores de cartas
El beso
El pensador
Los burgueses de Calais
La catedra
La mano de DIos y Balzac
7.El Modernismo
-La Casa Batlló
-La Casa Milá
-El Palacio Güell
- La cripta de la Colonia Güell
- Park Güell
-Colegio de Santa Teresa
-La Sagrada Familia
- El Palacio Episcopal de Astorga
- El Capricho de Gaudí
-Palau de la Música
*El punto 4 y 5 lo tenía que hacer Raquel Gómez Luque pero no ha aportado su parte.
Realizado por:
Yolanda Doña Guerrero
Marta Delgado Palma
Rafael Carlos Domínguez Rodríguez
Alberto Góngora Romero
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https://en.wikipedia.org/wiki/Benjamin_West
ROMANTICISMO
http://www.youtube.com/watch?v=5ZHvr_twtIo cinco minutos de duración
https://www.youtube.com/watch?v=OUCegOSM6Ck Música y pintura románticas combinadas, siete
minutos de duración
¿Quién es el autor de este cuadro y cómo se titula? ¿Cuándo se pintó?
NOVELA Gótica el prisionero de Otranto, el vampiro de Polidori, dracula de bram stoker, nosferatu, estilo gótico, fotografia y cine, primeras pelicuas
Delacroix (1798-1863)
https://en.wikipedia.org/wiki/Battle_of_Hanau
https://en.wikipedia.org/wiki/Vernet
John constable pintor romantico
https://en.wikipedia.org/wiki/The_Third-Class_Carriage
https://it.wikipedia.org/wiki/Le_stiratrici
https://ca.wikipedia.org/wiki/La_nena_obrera
https://es.wikipedia.org/wiki/La_carga
https://pulitzercenter.org/lesson-plan-grouping/1619-project-curriculum
https://www.nytimes.com/interactive/2019/08/14/magazine/1619-america-slavery.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Rosa_Bonheur
https://es.wikipedia.org/wiki/Artemisia_Gentileschi
Pintura realista española del siglo XIX
https://www.museodelprado.es/actualidad/multimedia/arte-incomodo-crisalida-de-pedro-saenz-saenz-1897/6f4f4660-8d91-1151-f3f5-6dd3fdc90b28
https://www.elespanol.com/cultura/arte/20180519/prohibido-denunciar-violacion-nina-mejor-desnudarlas/308469153_0.html
https://www.codigonuevo.com/feminismo/obras-arte-flipan-violaciones
https://fr.wikipedia.org/wiki/%C3%89douard_Detaille
https://en.wikipedia.org/wiki/%C3%89douard_Detaille
LA PINTURA REALISTA EN RUSIA
pintura nacionalista romántica
Pintores:
* Jacques-Louis David
* Antonio Rafael Mengs
* Salvador Maella
* Los hermanos Francisco y Ramón Bayeu
* Francisco de Goya
Escultores:
* Antonio Canova
ROMANTICISMO.
Pintores:
* Eugéne Delacroix
* Théodore Géricault
* Caspar David Fiedrich
* Joseph W. Turner
* Valeriano Becquer
* Pérez Villaamil
* Mariano Fortuny
* Federico Madrazo
Escritores:
* Byron Espronceda
* Víctor Hugo
Músicos:
* Verdi
* Wagner
REALISMO.
Pintores:
* Jean-FranÇois Millet
* Gustave Coubert
* Honoré Daumier
* Eduardo Rosales
* Joaquin Sorolla
* Ingnacio Zuluaga
* Joaquin Vayreda
* Carlos de Haes
* Ramón Martí-Alsina
* Camille Corot
* Théodore Rosseau
ESCULTURA Y ARQUITECTURA DEL SIGLO XIX.
Escultores:
* FranÇois Rude
* Jean Baptiste Carpeaux
* Constantin Meunier
* Mariano Benlliure
Arquitectura:
* Gustave Eiffel
EL IMPRESIONISMO.
Pintores:
* Éduard Manet
* Claude Monet
* Camille Pissarro
* Alfred Sisley
* Auguste Renoir
* Edgar Regas
- POSTIMPRESIONISTAS:
* Henry Toulouse-Lautrec
* Vincent Van Gogh
* Paul Cézanne
* Joaquin Sorolla
MODERNISMO.
Arquitectura:
* Antonio Gaudi
* Domènech i Montaner
https://en.wikipedia.org/wiki/Elizabeth_Thompson
https://en.wikipedia.org/wiki/The_Roll_Call
https://en.wikipedia.org/wiki/28th_Regiment_at_Quatre_Bras_(painting)
https://en.wikipedia.org/wiki/Remnants_of_an_Army
https://en.wikipedia.org/wiki/The_Defence_of_Rorke%27s_Drift
https://en.wikipedia.org/wiki/Scotland_Forever!
Lawrence Alma-Tadema (1836-1912)
https://en.wikipedia.org/wiki/Lawrence_Alma-Tadema
https://be.wikipedia.org/wiki/%D0%9B%D0%BE%D1%9E%D1%80%D1%8D%D0%BD%D1%81_%D0%90%D0%BB%D1%8C%D0%BC%D0%B0-%D0%A2%D0%B0%D0%B4%D1%8D%D0%BC%D0%B0
https://fr.wikipedia.org/wiki/Lawrence_Alma-Tadema
https://nl.wikipedia.org/wiki/Lourens_Alma_Tadema
https://www.xlsemanal.com/conocer/arte/20170810/pintor-hollywood-lawrence-alma-tadema.html
John Collier (1850-1934) Prerrafaelismo
PINTORES POLACOS
https://en.wikipedia.org/wiki/Wojciech_Kossak
https://en.wikipedia.org/wiki/Rac%C5%82awice_Panorama
https://pl.wikipedia.org/wiki/J%C3%B3zef_Pi%C5%82sudski_na_Kasztance
https://en.wikipedia.org/wiki/Lw%C3%B3w_Eaglets
https://en.wikipedia.org/wiki/Polish%E2%80%93Ukrainian_War
https://en.wikipedia.org/wiki/Morgenthau_Report
https://en.wikipedia.org/wiki/Jewish_Bolshevism
https://en.wikipedia.org/wiki/Polish%E2%80%93Czechoslovak_War
https://en.wikipedia.org/wiki/Zofia_Kossak-Szczucka
https://en.wikipedia.org/wiki/Jan_Skrzetuski#/media/File:Przeprawa_Skrzetuskiego.jpg
https://en.wikipedia.org/wiki/Jan_Skrzetuski
https://en.wikipedia.org/wiki/Barbara_Jeziorkowska#/media/File:Basia_i_Azja.jpg
El hetman Żółkiewski con sus húsares alados (1936), óleo de Wojciech Kossak Panorama Berezyna
Olszynka Grochowska
Wyjazd na polowanie w Gödöllö
Krwawa niedziela w Petersburgu 22 stycznia 1905 r.
Marriage of Poland with the Sea, Portrait of Edward Krasiński, Fantasy on the theme of Polish driving, Guarding the Polish sea, Portrait of Cardinal Hlond, Portrait of General Kazimierz Sosnkowski.
Kossak's Piłsudski on Horseback, 1928
Portrait of Zofia Jachimecka, Equestrian Portrait of Tadeusz Chutkowski, Stefan Skrzyński, Tatar Jasyr, Kirasjer and girlfriend and Farys
https://es.wikipedia.org/wiki/Rebeli%C3%B3n_de_Jmelnitski
https://es.wikipedia.org/wiki/Jan_Matejko
https://es.wikipedia.org/wiki/Monumento_a_Bohd%C3%A1n_Jmelnitski
palacio de invierno estilo artistico
los cosacos pdf tolstoi el prisionero dle caucaso o audiolibro pelicula o libro
fury spencer tracy lynching
Templo de la Sagrada Familia en Barcelona, de Gaudí.
Pintura XIX
La balsa de la Medusa, de Gericault; 1819
El carro de heno, de Constable; 1821
La libertad guiando al pueblo, de Delacroix, 1830
El baño turco, de Ingres; 1862
1889 Auditorium de Chicago
1889 Torre Eiffel
Manet (1832-1883)
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Monet (1840-1926)
https://en.wikipedia.org/wiki/Japonisme
la influencia de la fotografía y el grabado japonés en el desarrollo del Impresionismo, con referencias a obras concretas.
https://en.wikipedia.org/wiki/Reaper_(Van_Gogh_series)
En 1854 Japón firmó acuerdos comerciales con Estados Unidos y Europa que produjeron la llegada a Occidente de objetos de arte y artesanía de aquel país. Además en 1862 se celebró en Londres la I Exposición de Arte y Diseño Japonés, que ya empezaba a ponerse de moda en Gran Bretaña y fuera de ella. Cinco años después, en 1867, Japón participó en la Exposición Universal de París y en los años siguientes el arte llegado del país del sol naciente continuó despertando gran interés.
https://es.wikipedia.org/wiki/Katsushika_Hokusai
https://es.wikipedia.org/wiki/Ukiyo-e
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El beso, 1881-1883
Puntillismo
Una tarde de domingo en la Grande Jatte, de Seurat;
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Gaudí
1882 Sagrada Familia
fachada de la casa Batlló
Casa Milá
Parque Güell
Racionalismo
Lluis Sert
Dispensario antituberculoso
Casa Bloc
urbanización de El Viso
Pablo Gargallo
La gran bailarina
El gran profeta
Julio González
Mujer peinándose
El hombre cactus II
Impresionismo
Joaquín Sorolla
Niños en el mar
Y aún dicen que el pescado es caro
Fauvismo
Francisco Iturrino Tablao flamenco
Juan de Echevarría
Expresionismo
José Gutiérrez Solana
El entierro de la sardina
Cubismo
Pablo Picasso
Ciencia y caridad
La vida
La Celestina
Arlequín sentado
Las señoritas de Avignon
Fábrica en la horta del Ebro
Los tres músicos o Músicos con máscara
Juan Gris
Salvador Dalí
Cisnes que se reflejan como elefantes
San Antonio las tentaciones de
relojes fundidos
fechas autores y obras
Joan Miró
El carnaval del arlequín
https://es.wikipedia.org/wiki/Retrato_de_Madame_X
https://profesorjuliodapenalosada.blogspot.com/2022/03/historia-del-arte-bloque-4-el-siglo-xix.html
https://profesorjuliodapenalosada.blogspot.com/2022/03/historia-del-arte-bloque-4-el-siglo-xix.html
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https://profesorjuliodapenalosada.blogspot.com/2017/11/realismo.html
https://profesorjuliodapenalosada.blogspot.com/2019/05/la-revolucion-industrial-en-el-arte.html
https://profesorjuliodapenalosada.blogspot.com/2020/06/arte-espanol-del-siglo-xix.html
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https://profesorjuliodapenalosada.blogspot.com/2020/08/jean-baptiste-edouard-detaille-5.html
https://www.vozpopuli.com/opinion/cancelando-a-dostoievski.html
Impresión, sol naciente y la serie sobre la Catedral de Ruán, de Monet;
Jugadores de cartas y Manzanas y naranjas, de Cézanne;
La noche estrellada y El segador, de Van Gogh;
Rodin: y Los burgueses de Calais.
Tema 12 – Arte
Neoclásico
1.
Características generales del
Neoclasicismo. Las academias.
El Neoclasicismo es un estilo
artístico que nació a mediados del siglo XVIII y que se caracteriza por volver
la mirada hacia las civilizaciones del pasado, es decir sobre las antiguas Roma
y Grecia, aunque sobre todo sobre esta última.
En ese momento es cuando aparecen y
se excavan las ruinas de Pompeya y Herculano, a partir de 1738 durante el
reinado del futuro Carlos III en Nápoles, y seguidamente otros excavadores llegarán
a Grecia y Próximo Oriente.
Al mismo tiempo nació la Historia
del Arte de la mano de Winckelmann
(1717-1768), al publicar el primer libro de análisis sobre el arte antiguo, la Historia del Arte de
la Antigüedad (1764). En este libro y en otros se exalta
la perfección del arte griego, por lo que se comienzan a realizar edificios y
esculturas con poca creatividad y gran frialdad al copiarse en exceso lo
antiguo.
Por otra parte, desde el punto de
vista político, la caída del Antiguo Régimen en 1789 con la Revolución Francesa provocó que el Barroco se identificara con el pasado,
mientras que el nuevo estilo lo hizo con los tiempos nuevos de la Revolución y
el Imperio napoleónico. Por esta razón, el nuevo estilo tuvo una pronta
difusión por Francia; ejemplos de esa arquitectura son el Panteón
(1790), la iglesia de la Madelaine o el Arco de Triunfo de París,
ambas obras comenzadas en 1806, o la columna Vendome (1810). Desde allí el
Neoclasicismo se extendió hacia toda Europa y hacia EEUU[1],
país que surgió en este contexto revolucionario, pues el edifico del Capitolio
de Estados Unidos terminó sus primeras obras en 1800.
Finalmente, también se produjo el
nacimiento de las academias. Eran instituciones dedicadas al arte y protegidas
por el Estado que pretendían educar a los artistas de una forma muy meticulosa[2].
La formación duraba tres años y se enseñaban las diferentes técnicas que debían
conocer. Además en ellas se convocaban concursos y se otorgaban becas para
viajar a Italia[3].
En definitiva, las academias supusieron el fin del aprendizaje en los talleres
de los artistas.
2.
La arquitectura: Juan de Villanueva
(1739-1811)
Con la llegada de los Borbones y,
sobre todo, con la aparición de las academias, la arquitectura española
abandonó la tradición barroca, volcándose hacia el nuevo estilo que fue
promocionado especialmente por el rey Carlos III.
Villanueva
fue el más grande de los arquitectos neoclásicos españoles. Se formó en la
Academia y, posteriormente, en Italia, donde tuvo las influencias de Palladio (1508-1580)
y de las excavaciones de Pompeya. A su vuelta a España se estableció en El
Escorial donde realizó la Casita de Arriba o Casita del Infante
(terminada en 1773) y la Casita de Abajo o la Casita del Príncipe
(terminada en 1775).
Además en 1784 realizó la Casita
del Príncipe en el Palacio del Pardo, en la que vemos una arquitectura
austera en la que se combina piedra y ladrillo y elementos de influencia
griega.
Tras
estas obras, Villanueva fijó su residencia en Madrid, donde dirigió la Academia
y se convirtió en Maestro de Obras del Ayuntamiento de Madrid en el reinado de
Carlos III.
En ese momento realiza su principal
obra: el Museo del Prado. Las obras comenzaron en 1786. El edificio fue
proyectado como Museo de Historia Natural (Palacio de las Ciencias) y sólo tras
la invasión francesa se convirtió en pinacoteca. Destaca el pórtico principal
dórico sobre el que vemos un relieve dentro de un gran rectángulo. La sobriedad
del edificio es absoluta y representa las ideas ilustradas del momento volcadas
en la razón y no en el exceso decorativo que había supuesto el Barroco. Otras
obras de Villanueva son el Real Observatorio
de Madrid (comenzado 1790) en el que destaca su templete circular que
recuerda a Palladio o el cementerio del Norte, terminado en 1809.
3.
La escultura: Antonio Canova
(1757-1822)
Este artista veneciano comenzó
formándose en el Barroco hasta que, de la mano de Winckelmann, se introduce en el nuevo estilo, por esta
razón viaja a Roma y toma como modelo las esculturas griegas allí conservadas.
Su obra demuestra esa fascinación por lo antiguo, de forma que usó el mármol
blanco, realizó temáticas mitológicas y la serenidad y el equilibrio son notas
generales de sus creaciones.
Algunas obras suyas son:
La tumba de Clemente XIII (1792), en la cual se aprecia aún
sus inicios barrocos.
Esculturas de tema mitológico como Eros y Psique (terminada
en 1793) o Las tres Gracias, de la cual
hay dos versiones (1814 y 1817). En estos temas vemos bastante frialdad,
al igual que ocurrió con la escultura neoclásica en general, debido a que se
capta sólo la belleza externa, pero en ningún momento se profundiza en el alma.
Retratos de Napoleón, al cual magnificó y trató como si se tratara de un dios
griego o de Alejandro Magno, al representarlo semidesnudo, por ejemplo en Napoleón
como Marte (1806). También realizó un retrato de Paulina Bonaparte
(1808), hermana del emperador, como si fuera la diosa Venus.
Retratos de otros personajes entre
los que destaca el de George Washington, terminado en 1820.
4.
La pintura: David (1748-1825)
Se trata de un pintor comprometido
con la Revolución Francesa y fue el pintor más destacado del Neoclásico en
Francia.
El Neoclasicismo tuvo el
inconveniente de no contar con modelos de la Antigüedad para la pintura, al
conservarse pocas obras y no ser muy conocidas entonces, de forma que David se
inspiró sobre todo en los relieves; eso es la causa de que en esa pintura no se
diera importancia al color y a la profundidad de campo.
El juramento de los Horacios (1784) es una obra en la cual vemos
un tema patriótico y heroico de la antigua Roma llevado a la Francia
prerrevolucionaria en la cual el pueblo se prepara para la lucha contra la
monarquía. Por lo demás, es una pintura muy escultórica, con primacía del
dibujo y fuertes claroscuros.
Tras esta obra, David siguió
comprometido con los hechos de la Revolución, realizando La muerte de Marat
(1793) y, posteriormente, fue el pintor del Imperio napoleónico con obras como La
coronación de Napoleón, terminada en 1807, obra de gran tamaño en la que se
exalta la figura del emperador que corona a su esposa, mientras que el papa
asiste sentado y pasivo a la ceremonia. Por último el retrato de Madame
Récamier (1800) nos enseña la nueva estética y moda del momento con un
diván estilo Imperio y un atuendo propio de la Grecia clásica.
5.
Francisco de Goya (1746-1828)
Francisco de Goya fue
pintor de la corte durante los reinados de Carlos IV, José I Bonaparte y
Fernando VII. Goya fue el artista español más importante de su tiempo, pero su
trabajo es difícil de clasificar debido a que creó su propio estilo personal.
La diversidad del
trabajo de Goya y su evolución dependieron de varios factores, como su carrera
profesional como pintor de la corte y sus experiencias durante la Guerra de
Independencia (1808-1812).
Las pinturas de Goya
pueden ser agrupadas en tres periodos, con notables diferencias en los temas
representados y en las técnicas usadas: la etapa en la corte real española; la
Guerra de Independencia; y la retirada de la vida pública más su exilio en
Francia.
Nació en Fuendetodos (Zaragoza) en
1746 y se formó bajo las enseñanzas del pintor José Luzán[4].
Fue rechazado en varios concursos de la Academia por lo que no pudo obtener ninguna beca de
estudios para ir a Italia, teniendo que viajar a Italia con sus propios
recursos en 1769.
Su cuñado, y pintor de la corte
desde 1767, Francisco Bayeu, es el responsable de su traslado a Madrid en 1771
donde Goya comenzó a trabajar como cartonista[5]
para tapices en la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. En ellos reflejó
escenas costumbristas y amables que estaban dentro del gusto neoclásico del
momento, algunos ejemplos son El
quitasol (1777), La vendimia (1787), La
pradera de San Isidro (1788), La gallina ciega (1789) o El cacharrero
(1799), donde empieza a separarse en calidad de sus primeros trabajos.
Estos éxitos le llevaron a pintar a
palacio y a ingresar en 1780 en la Academia que antes le rechazó, para lo cual
realizó un Cristo en la cruz inspirado en el de Velázquez, en el que
vemos una factura anatómica y técnica impecables, aunque poca devoción
religiosa.
La fama le llegó con los retratos
que realizó de los miembros de la élite española (rey, nobles, ilustrados): Retrato
de Floridablanca (1783) o Rey Carlos III cazador (1786), Los
duques de Osuna y sus hijos (1788), Retrato de Jovellanos (1798).
Las características de
la obra de Goya durante su trabajo para la corte real fueron las siguientes:
El uso de colores
pastel, como los rosas y los azules, y un sentido de profundidad.
Una especial
atención a los detalles de la ropa y las telas.
La
representación de fiestas populares, como los milagros de San Antonio.
La
representación de las características psicológicas de la gente.
La crítica
de las costumbres españolas.
Primera crisis creativa: En 1789, el
nuevo rey Carlos IV le nombró pintor de cámara y su faceta como pintor de la corte
y de la alta sociedad continuó. Sin embargo, esta carrera se vio alterada en
1793 al enfermar el pintor y quedarse sordo, cambiando su carácter hacia una
mayor amargura. Así surgen Los Caprichos (1799), grabados al aguafuerte
en los que se critican la sociedad española del momento llena de supersticiones
y se satiriza sobre la tiranía de los poderosos, la censura, la ignorancia, el
poder de la Inquisición y la marginación de la mujer. Un buen ejemplo de ellos
es El sueño de la razón produce monstruos.
A la vez que realiza esas obras,
Goya mantuvo su labor de retratista. Ejemplos son los retratos de mujeres como La
condesa de Chinchón (1800), La duquesa de Alba (a la que pintó en varias
ocasiones) o La maja desnuda (1800) y La maja vestida (1808),
en las que vemos que la tradición clásica de la Venus se ha visto sustituida
por una española que posa abiertamente. En estas pinturas la influencia de La
Venus del espejo (1651) de Velázquez fue evidente y se ha especulado que
fue la duquesa de Alba en la que se inspiró el pintor o Pepita Tudó, la amante
y luego esposa de Manuel Godoy (en 1829), aunque el rostro no marca ningún
parecido a ninguna mujer conocida del momento.
Por último, retrató a Manuel
Godoy (1801), el primer ministro, y a La familia de Carlos IV (1800),
obra en la que el recuerdo de Las Meninas (1565) de Velázquez está
presente con detalles como el autorretrato del pintor, y en la que destaca el estudio psicológico de
los personajes, sobre todo la personalidad dominante de la reina María Luisa de
Parma o la falta de carácter del rey.
Junto a ellos aparecen el resto de la familia como el príncipe Fernando o los
demás infantes.
Segunda crisis creativa: En 1808 se
produce la invasión francesa y los horrores de la guerra
sacudieron la conciencia del artista. De esa observación surgieron la colección
de grabados de Los desastres de la guerra (1815), en la que vemos la
crueldad de la lucha y una temática apasionada e irracional que alterará
definitivamente el estilo de Goya.
Junto con esta colección, vemos
retratos de los principales políticos y militares (El duque de Wellington
1812, Palafox 1814), pues Goya no se movió de Madrid durante la guerra.
Tras la guerra realizó cuadros
monumentales que reflejan momentos destacados de la Guerra de la Independencia,
en parte para librarse de la acusación de afrancesado por no abandonar Madrid, y
que muestran una gran modernidad: La carga de los mamelucos en la Puerta del
Sol o El Dos de Mayo de 1808 en Madrid y Los fusilamientos en la
montaña del Príncipe Pío o El Tres de Mayo en Madrid, ambos pintados
en 1814. En ambas obras vemos a un pintor comprometido con la situación
política de España, destacando el patriotismo de los temas y la denuncia de la
opresión francesa frente a la inocencia del pueblo español. Estas obras son el
inicio de la pintura contemporánea, ya que, desde el punto de vista técnico, se
ha abandonado el estilo Neoclásico al aparecer unas composiciones de gran
dramatismo y una pincelada muy suelta en la que han desaparecido los
convencionalismos de la Academia. En definitiva, estas obras son precursoras de
movimientos como el Romanticismo
por la temática apasionada que presentan y la falta de orden en la composición,
y de corrientes como el Impresionismo, el Expresionismo o el Surrealismo.
Otro ejemplo que sigue esta línea es
El coloso, posterior a 1814, obra que tradicionalmente se ha
atribuido a Goya y que, según las últimas investigaciones, pertenece a un
seguidor suyo. En ella vemos una alegoría de la guerra y de la brutalidad que
sigue las innovaciones que estaba realizando Goya en la pintura, como la
pincelada suelta.
Las características de los grandes
cuadros y de los grabados surgidos
durante la guerra fueron: Los personajes de los
cuadros aparecen en muchas poses diferentes y hay mucha acción. En esas obras se ve una protesta contra la guerra y sus
horribles consecuencias para las personas. Realiza
una crítica del Antiguo Régimen.
Goya tras la Guerra de la
Independencia: La vuelta de Fernando VII
al trono español en 1814 devuelve al artista a su puesto de pintor de cámara,
retratando al nuevo rey Fernando VII, en una obra posterior a 1815, de
forma muy realista, por lo que en ella se muestra la escasa inteligencia del
monarca. Junto a esta actividad, Goya realiza una nueva serie de grabados, La
tauromaquia (1816), en la que el artista se refugia en una temática alegre
y popular.
Más tarde una
enfermedad dejó sordo a Goya y este se retiró en 1819 de la vida pública
a una casa en las afueras de Madrid, es la llamada Quinta del Sordo donde
realiza las Pinturas negras (1819-1823), obras de difícil interpretación
y de un gran expresionismo en las que se representan brujas, viejas y
deformidades, en definitiva todos los males de la tierra que acechaban su
mente. Desde el punto de vista técnico, son pinturas al óleo que se encontraban
sobre los muros de la pared, que posteriormente han sido pasadas a lienzos y en
las que destaca una pincelada muy suelta y gruesa. Algunos ejemplos son El
aquelarre, Duelo a garrotazos, Saturno devorando a su hijo
(en la que se trata su miedo a la vejez) o La romería de San Isidro.
Junto a estas obras se encuentra su
última serie de grabados, son Los Disparates, acabada en 1824, obras que
son claras precursoras del Surrealismo y que reflejan un mundo lleno de
monstruos y seres deformes similares a las Pinturas Negras.
El exilio: Tras el Trienio Liberal
el absolutismo se apoderó de nuevo del país, de forma que Goya, al igual que
muchos intelectuales, cruzó la frontera de Francia. Se estableció en Burdeos
donde de nuevo realizó litografías taurinas y donde realizó La lechera de Burdeos (1827), obra azulada y
sorprendentemente amable que posee una pincelada muy suelta similar a la que
los impresionistas buscarán a finales del siglo XIX.
Las características de
la pintura de Goya tras la guerra de la Independencia fueron el uso de los colores oscuros y de escenas nocturnas, la
pincelada suelta y figuras menos definidas, las reflexiones sobre la vejez y la
muerte, la representación de la vida diaria.
En 1828 el artista murió en su exilio
francés. Su desaparición pasó casi inadvertida en España, ya que su arte iba a
contrapelo con la época. Sin embargo, poco después su obra fue exhaustivamente
estudiada ya que había puesto los cimientos de la pintura de nuestro tiempo.
Filmografía:
Caballero sin espada (1939)
Una habitación con vistas (1985)
libros de
emblemas emblemática
http://en.wikipedia.org/wiki/Emblem_b
[1] El Neoclásico continuó siendo un arte asociado a los
edificios políticos durante el siglo XIX y principios del XX: Palacio del
Congreso de los Diputados (1850) en Madrid, Monumento a Lincoln (1922) en
Washington, Monumento a Jefferson (1943) en Washington.
[2] En España se creó la Real Academia de Bellas Artes de
San Fernando.
[3] El Grand Tour
o viaje de formación a Italia es una costumbre que empezó en el siglo XVII y se
popularizó en el XVIII. Si en el XVII sólo viajaban a Italia para conocer de
primera mano las obras maestras una minoría de artistas, en el siglo XVIII se
hizo común ese recorrido, no sólo para los artistas, sino para todos los
jóvenes europeos de familias ricas que podían permitirse costear ese viaje de
varios meses por Italia, que suponía para ellos el paso a la edad adulta.
[4] José Luzán y Martínez (1710-1785)
fue un pintor barroco español, y el más destacado de la pintura aragonesa del siglo xviii, excepción hecha de quienes fueron
sus discípulos los pintores Francisco Bayeu o Francisco de Goya.
[5]
Los cartones para tapices eran cuadros que servían de
modelo a tapices tejidos en las manufacturas reales.
Tema 13 – El arte del siglo XIX.
1.
Romanticismo y
Realismo.
El Romanticismo fue un movimiento artístico que se
desarrolló tras la derrotas de Napoleón
y que se mantuvo durante la primera mitad del siglo XIX. Es un movimiento que
busca la libertad, lo irracional y lo apasionado que tuvo a Francisco de Goya
como claro precursor. Fue una respuesta a la Primera Revolución Industrial.
Desde el punto de vista pictórico las
características son las siguientes:
· Se recupera la
importancia del paisaje y del color sobre el dibujo.
· A diferencia del
Neoclasicismo las composiciones son muy dinámicas.
· Los temas que
aparecen suelen ser hechos heroicos, evocaciones de un pasado glorioso como la
Edad Media (iglesias, castillos góticos…) o retratan mundos exóticos muy
mitificados (mundo islámico, hindú, oriental…). orientalismo
En Francia los principales pintores fueron Delacroix (1798-1863) y Géricault (1791-1824). Ambos
representan temas contemporáneos muy heroicos y pinturas donde se refleja el
exotismo oriental. Las obras más destacadas de Delacroix son:
- La libertad guiando al pueblo. En esta obra se
representa la revolución liberal francesa de 1830, viéndose de forma clara la
influencia de Goya. Por lo demás vemos las características citadas de
importancia del color, del claroscuro, de profundidad y de movimiento.
- La matanza de Quíos (1824), que representa la
causa por la independencia griega frente a la tiranía del Imperio Turco, o La
toma de Constantinopla, que manifiesta una temática donde se mezcla lo
histórico y el amor por lo exótico.
En el caso de Géricault, su obra más
conocida es La Balsa de la medusa (1819),
en la que vemos un cuadro muy movido y dramático que refleja un naufragio que
ocurrió en aquel momento histórico.
En Alemania el pintor más destacado fue Friedrich. En
él destacan temas como paisajes nocturnos y tempestuosos y un mundo donde se
recrea el pasado gótico del país de una forma muy intensa y exagerada. Un buen
ejemplo de esta temática es Cruz y catedral en las montañas. El caminante
sobre un mar de nubes (1818).
En el Reino Unido destacó Turner, pintor de
carácter muy extravagante que formó parte del grupo de pintores especializados
en representar paisajes. En el caso de
este pintor son imágenes tempestuosas y muy imaginativas en las que la
pincelada es muy suelta, siendo un claro antecedente del impresionismo francés.
Algunos ejemplos son La tempestad y El castillo de Norham.
Por último, en España se retrataron temas históricos
que ensalzaban los temas más gloriosos de la Historia española (El
testamento de Isabel la Católica (1864) de Rosales), escenas heroicas del
momento como El fusilamiento del general Torrijos (1888) realizado por
Gisbert o escenas folclóricas españolas llenas de bandoleros, toreros o mujeres
con mantillas. Ejecución de los comuneros de Castilla (1860)
El Realismo fue el siguiente movimiento artístico, se
desarrolló en las décadas centrales del siglo XIX y supuso el final de la
idealización de épocas pasadas como ocurrió anteriormente con el Neoclasicismo
y la Antigüedad o el Romanticismo y la
Edad Media. En definitiva, se trataba de reproducir el mundo cotidiano sin
ningún tipo de idealización, tanto de la feliz burguesía como de los obreros y
campesinos. Así vemos reflejados los problemas sociales de la
industrialización, los horarios extenuantes de trabajo, las viviendas
insalubres y las condiciones de extrema pobreza.
Los principales artistas son:
- Millet (1814-1875). Reflejó como nadie
la vida humilde y tranquila del campo, recogiendo escenas propias del trabajo
cotidiano, desapareciendo los temas grandilocuentes del Romanticismo. Algunos
ejemplos son Las espigadoras[1] (1857) o El Ángelus (1859).
- Courbet. Representó cuadros sociales ya
que su pensamiento y su vida estuvo muy ligada a las ideas revolucionarias del
momento relacionadas con los obreros. No obstante, colaboró con
Algunas obras son: Un entierro de Ornans (1850), donde vemos una escena
corriente con personajes nada elegantes, o El taller del pintor (1855), donde se retrata a sí
mismo en su estudio rodeado por sus amigos, su musa y el pueblo llano del
momento y sus explotadores. Tras el fracaso de la Comuna de París marchó al
exilio y se centró en temas cotidianos sin temática social y en los paisajes. El
origen del mundo (1866)
2.
Arquitectura del
siglo XIX.
2.1.
Los Historicismos.
A lo largo del
siglo XIX existe una tendencia hacia la recuperación de estilos del pasado, al
igual que había ocurrido en el Neoclasicismo con respecto a
En Inglaterra,
buenos ejemplos de esta arquitectura es el Palacio de Westminster (1865), se
construyó ex profeso para ser sede del Parlamento, realizados en estilo
Neogótico o el Pabellón Real de Brighton (1823), inspirado en el mundo
oriental (neohindú) y con características neoislámicas (lacería, arcos).
En Francia
y Alemania, fue el Neogótico el
estilo que se impuso a la hora de construir iglesias, ya que había sido el
estilo más importante de esos países en el pasado para realizar edificios
religiosos. En cambio, los edificios civiles usaron el Neorrenacimiento y el
Neobarroco. Buen ejemplo de esta combinación es la Ópera Garnier (1874) en
París, claramente ecléctico.
Por último, en España se dieron diferentes estilos historicistas, destacando la
construcción de iglesias en estilo Neogótico y otros edificios en estilo Neomudéjar,
regionalistas (en cada sitio de España se construyen casas tradicionales) o
eclécticos. En ellos se usaron materiales como el ladrillo y la cerámica y
elementos decorativos de la tradición islámica. Muchas plazas de toros (Las
Ventas (1829) de Madrid durante la dictadura de Primo de Rivera),
palacetes, edificios civiles, estaciones de ferrocarril o mercados, responden a
esta línea estética. En Sevilla 1929 Exposición Iberoamericana en estilo
neomudéjar.
2.2. Edificios de
hierro y cristal.
El desarrollo de la industria durante el siglo
XIX provocó un gran desarrollo de la ingeniería y del uso de vigas de hierro.
En muchas ocasiones se empleó el nuevo material para estructuras de estética
historicista, sin embargo, en otros casos se realizarán nuevos edificios en el
nuevo material combinado con cierres de cristal.
En las Exposiciones
Universales que se desarrollaron en ese siglo, se realizaron pabellones en
los que la innovación arquitectónica y los nuevos materiales se usaron como un
alarde de modernidad. Un ejemplo claro es el Palacio de Cristal (Crystal
Palace) de Paxton construido en 1851 en el Hyde Park de Londres para la Primera
Exposición Universal. La amplitud, la luminosidad y la resistencia del edificio
fue un ejemplo a seguir, de forma que muchos edificios como mercados,
estaciones de ferrocarril, bibliotecas como la de Santa Genoveva de París o el
Palacio de Cristal del Retiro en Madrid (1887) para la Exposición de las islas
Filipinas, siguieron el modelo de construcción en hierro y cristal.
El siguiente paso fue la Exposición de París
de 1889 (Centenario de la Revolución Francesa) en la que se construyó la Torre Eiffel y la Galería de las
Máquinas (se desmontó y reutilizó el material).
Mientras tanto en
los EEUU surgían una serie de arquitectos que no tenían el encorsetamiento
estético de los estilos anteriores, ya que en EEUU apenas habían existido.
Surge así la Escuela de Chicago, tras el
incendio de 1871, en la que destaca Luis
Sullivan, creador de los primeros rascacielos tras el incendio de la
ciudad, lo que suponía una alternativa muy funcional al aparecer el ascensor.
Algunos edificios suyos son El Auditorium de Chicago, en el que se mantiene
cierto recuerdo historicista al aparecer decoración de recuerdo renacentista, o
los Almacenes Carson (1889), en los que desaparece el historicismo.
2.2. El Modernismo.
Es una respuesta a
la arquitectura de hierro y cristal, a la Revolución Industrial.
Es
un estilo artístico
que se desarrolló a
finales del siglo XIX y principios del XX y que recibirá
diferentes nombres según el país en el que nos encontremos: Art Nouveau en
Bélgica y Francia, Modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Secesión
Vienesa en Austria y Liberty en Italia. No había conciencia de que en todos los
países se estaba dando a la vez.
El Modernismo
pretende crear formas decorativas que gustasen a la burguesía del momento
(refinada, elegante, vegetal y ondulada), pero sin desechar las nuevas técnicas
que se habían descubierto con el hierro y el cristal. Además el Modernismo se
extendió a todas las partes del edificio, tanto interiores como exteriores. Así
fachadas, escaleras, cristales, habitaciones e incluso las artes aplicadas
(vajillas, mobiliario, etc.), se diseñaron siguiendo el nuevo estilo.
Victor Horta es el pionero en Bélgica y en toda Europa.
Su obra se caracteriza por el empleo de la decoración ondulante, la línea curva
y el uso del hierro como material esencial en las estructuras y en el diseño de
la decoración y de las barandillas del interior del edificio. Algunos ejemplos
suyos son: la casa Tassel de Bruselas, en la que se ocupa de todos sus
elementos incluido el mobiliario, o edificios públicos como la sede del PSOB o
grandes almacenes.
Antonio Gaudí es el gran genio del Modernismo catalán y
español. Fue urbanista, arquitecto y diseñador tanto de interiores como de
objetos cotidianos, muebles, etc. Tuvo una formación historicista basada en
primer lugar en el neomudejarismo, un buen ejemplo de este estilo está en El
Capricho (casa construida en Cantabria en la que vemos ya una fuerte
creatividad y originalidad que se aparta del resto de arquitectos historicistas
del momento), y también realizó edificios con toques neogóticos, como son el
Palacio Episcopal de Astorga o
Seguidamente, vemos
dos obras claramente modernistas y ligadas a la rica burguesía barcelonesa,
grupo social que amó y patrocinó la obra de Gaudí. Ambos edificios se
encuentran en el noble Paseo de Gracia. El primero es
El Parque Güell es una de sus grandes
obras, ya que en ella el artista combina su labor de urbanista con la de
arquitecto. En él combina el uso de materiales tradicionales como la piedra, el
ladrillo y la cerámica con los nuevos del siglo XIX, es decir, con el hierro y
el cristal. En el parque ensayó proyectos como el de ciudad-jardín, que
posteriormente se llevarían a la práctica en otras ciudades, y usó elementos
arquitectónicos novedosos como los arcos parabólicos o las columnas inclinadas.
Finalmente,
proyectó la construcción de
3.
El Impresionismo.
Es un movimiento
artístico que se desarrolló en el último cuarto del siglo XIX en torno a la
ciudad de París, centro del arte mundial
entre 1871 y 1945, y que se caracterizó por la falta de respeto de un grupo
de artistas a las normas establecidas por las Academias. De hecho dejan de
realizarse temáticas oficiales, que pasan a ser retratadas por la naciente fotografía, mientras que el pintor
impresionista realiza una temática
muy variada y libre, surgiendo paisajes, acontecimientos sociales y callejeros,
escenas cotidianas, imágenes de la industria o del ferrocarril, etc.
Su objetivo
principal era el de captar la sensación
visual del instante, cosa que
en siglos anteriores ya habían estudiado pintores como Velázquez, Rembrandt o
Leonardo da Vinci. Las características o la técnica de los impresionistas se basa en los siguientes aspectos:
-
El
pintor realiza su obra al aire libre, abandonando el taller.
-
El
pintor trata de captar la luz y su incidencia sobre los objetos a lo largo del
día y de las estaciones del año.
-
La
pincelada suelta, ya usada anteriormente, se generaliza.
-
El
pintor usa los colores primarios sin mezclarlos en la paleta. Debe ser el ojo
humano el que los mezcle al verlos en la obra.
-
Las
sombras dejan de ser oscuras, sino que se colorean, por lo que desaparece el
intenso claroscuro (por la aparición de la luz eléctrica).
Los principales
artistas impresionistas son los siguientes:
Manet. Fue el primer artista que rompió claramente
con los cánones académicos provocando escándalo con la obra Le déjeneur sur
l’herbe (El almuerzo campestre) tanto en la temática como en la ejecución y en
la pincelada suelta. El mismo efecto tuvo su Olympia, imagen muy erótica que
escandalizó al tratarse de un desnudo tan realista, a diferencia de los temas
mitológicos.
Claude Monet. Es sin duda el impresionista por
excelencia, realizando una pintura al aire libre que cumple con todas las
características anteriormente expuestas. Realizó multitud de paisajes, marinas
y escenas fluviales. Algunas de sus obras más significativas son: Impresión: sol naciente (de hecho esta
obra es la que da nombre a la escuela y fue pintada en el puerto francés de Le
Havre y destaca por el estudio lumínico y la pincelada suelta), las cuatro
versiones de
Renoir. Es un artista que mantiene un fuerte peso
de la tradición junto a las conquistas técnicas de los impresionistas. Usó
fuertes tonalidades de colores cálidos como el rojo y el amarillo, a la vez que
fue un estudioso de la luz y su incidencia sobre los ambientes. Una buena
muestra es Le Moulin de
Degas. Fue un pintor que también combina la línea
de su formación académica con la pincelada suelta y los colores sin sombras
típicamente impresionistas. Pintó la figura humana y su capacidad de
contorsión, por lo que el movimiento y lo inestable aparecen en sus obras.
Existen multitud de obras suyas en las que aparecen bailarinas (como La clase de danza), así como carreras de caballos,
por lo que fue un buen cronista del mundo burgués parisino del momento. Además
realizó excelentes estudios sobre el desnudo femenino en los que vemos enfoques
muy originales del cuerpo que nos
demuestran las influencias del trabajo fotográfico del momento. A nivel técnico
usó la técnica de pintura al pastel sobre papel.
Rodin. El impresionismo fue un movimiento
fundamentalmente pictórico, pero apareció también en otras artes y, entre
ellas, también en la escultura. Su obra y su técnica también fueron rechazadas
por
Algunas obras suyas son: El pensador (obra realizada en bronce con influencia de Miguel
Ángel y que se centra en la reflexión sobre la vida), Los burgueses de Calais (obra de bronce que transmite el tormento de un grupo de personas que se
entregaron al rey de Inglaterra en el siglo XIV para salvar la vida de los
habitantes de su ciudad), El Beso
(obra de mármol, muy aceptada incluso en su época en la que destaca la belleza,
el movimiento y la multiplicación de planos a la hora de ser vista) o Las puertas del infierno.
El puntillismo
o divisionismo. En los años 80 del siglo XIX la pincelada suelta
desaparece momentáneamente de los cuadros y vemos la aparición de obras en las
que vemos pequeños puntos de colores puros sobre las obras. Sus maestros
principales fueron Seurat y Signac
y sus temáticas y preocupaciones sobre la luz y el paisaje los mantienen dentro
del movimiento impresionista. Un ejemplo
de Seurat es Tarde
de domingo en la isla de la Grande Jatte.
4.
El
postimpresionismo.
No se trata de un
movimiento artístico, sino de un conjunto de pintores posteriores al movimiento
impresionista que mantienen lo adquirido por ellos, lo revisan y avanzan
incorporando cada uno de ellos visiones muy personales en las que destaca la
vuelta al dibujo y la preocupación por captar la expresividad de las cosas y
las personas.
Toulouse-Lautrec. Era descendiente de un noble,
padecía graves problemas de salud relacionados con el desarrollo de sus huesos
y se refugió en el alcohol, la noche parisina y los cabarets. Allí tomaba
apuntes y dibujos de las bailarinas y retrataba escenas nerviosas e inacabadas
con una gran vivacidad. En ellas la línea y la estampa japonesa del momento
tuvieron gran influencia en sus obras, convirtiéndose en el cartelista del París bohemio –gitano-
del momento.
Influencia de las
estampas japonesas. Grabados. La ola. Xilografías. Bonzo
Cézanne. Fue un pintor de la ciudad francesa de
Aix-en-Provence que basó su pintura en las impresiones visuales propias del
impresionista y el posterior análisis cerebral de ellas, por lo que las formas
son estudiadas y analizadas, dando lugar a pinturas con formas geométricas
(prismas, esferas, cilindros o conos). Por eso se le considera un pintor
precubista y maestro indiscutible de las vanguardias del siglo XX. Algunas
obras suyas son: Los jugadores de naipes,
La mujer de la cafetera, Naturalezas muertas o La montaña de Santa Victoria. En todas ellas las grandes pinceladas
y las formas voluminosas son notas características del artista.
Gauguin. Comenzó su aprendizaje de la mano de los
impresionistas, dejando su cómoda vida y a su familia para instalarse
pobremente en París y, posteriormente, en la región francesa de Bretaña. Su vida y su obra se podrían
dividir en las siguientes etapas:
Primera etapa. En
Bretaña convivió con los campesinos caracterizándose su obra por la importancia
de la línea negra usada como contorno de las figuras, mientras que el interior
se colorea con tonos planos, sin perspectivas ni sombreados y con colores
libres, por lo que vemos la influencia de la estampa japonesa, de las vidrieras
góticas y de la pintura románica. Esto nos demuestra que el pintor abandona el
ojo y la observación de la naturaleza para centrarse en el alma y los estados
de ánimo, ya que éstos le sugieren tonos que no tienen nada que ver con lo
representado. La visión después del
sermón es una obra de este periodo bretón que no fue comprendida en el
momento, ya que usa esos colores libres. Similar es su obra El Cristo amarillo.
Segunda etapa. Convivió
con Van Gogh durante poco tiempo en Arlès.
Destaca Les Alyscamps que representa un paisaje de la ciudad y en el que
refleja los tonos cálidos del sur de Francia.
Tercera etapa.
Gauguin se trasladó a Tahití, donde
mantuvo el uso de los colores libres, precedente claro del fauvismo o del
expresionismo de las vanguardias del siglo XX, y desarrolla una pintura plana,
que nos demuestra una gran admiración por estos pueblos desconocidos que se
denominó primitivismo. Algunos ejemplos son de sus pinturas tahitianas son
Arearea, Los senos con flores rojas o ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos?
¿Adónde vamos?
Vincent Van Gogh. Era representante de una galería de
arte en Holanda hasta que sufrió un desengaño amoroso que le llevó al paro y a
una trágica existencia. Se refugió en una religión convirtiéndose en
predicador, pero dado su estricto carácter fue rechazado, comenzando a expresar
sus ideas a través de la pintura. En las primeras obras se refleja la temática
social como en Los comedores de patatas, en los que vemos
la triste existencia de la clase social más pobre con unos tonos negros y
grises que reflejan esa miseria y tristeza.
Posteriormente se
traslada a París, allí aprende la técnica impresionista, por lo que se aclara
su paleta y los temas son más alegres. Poco después viaja a Arlès, en Provenza, y queda fascinado
por la luz y los colores cálidos del sur de Francia. Allí sus obras son muy
coloridas y serpenteantes, transmitiendo en ellas su fuego interior, su sensibilidad
y su cambiante estado mental especialmente atormentado.
Características
técnicas de Van Gogh
En todas estas
obras vemos una línea negra fuerte y firme, influencia de la estampa japonesa,
junto con los colores puros típicos del momento y el predominio de pinceladas
muy gruesas, por lo que existen puntos en común con los pintores del momento.
Algunas de sus
obras son sus Autorretratos,
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