3. El Románico:
escultura y pintura.
El arte románico es el primer estilo
europeo del arte cristiano medieval. Se desarrolla en Europa occidental, en la
zona ocupada por el Imperio Romano de Occidente, aunque habrá diferencias
regionales. Surge a finales del siglo X y se desarrolla hasta finales del XII.
Coincide con la consolidación de los
reinos cristianos europeos que se organizan bajo el régimen feudal.
El terror al año mil hace que aumente la
religiosidad y las manifestaciones de fe colectivas por el temor al fin del
mundo. Se construyen infinidad de edificios religiosos para expiar los pecados
y agradecer a Dios su bondad.
Se generalizan las peregrinaciones,
promovidas por la orden de Cluny, a las ciudades santas de Jerusalén, Roma y
Santiago de Compostela, para visitar las reliquias conservadas en ellas. Las
rutas se convertirán en importantes vías de intercambio, no solo económico sino
también artístico y cultural.
Las órdenes religiosas, así como las
monarquías y la nobleza, serán los promotores de la mayoría de las obras
artísticas.
A lo largo de los siglos XI y XII la
pintura románica se integra con la arquitectura y la escultura para convertir a
los templos en microcosmos en los que quedasen reflejadas las verdades que los
fieles deben saber.
La pintura, al igual que la escultura,
tiene función decorativa y didáctica, enseñar a los fieles los dogmas
cristianos y la vida de Cristo. Los templos se convierten en «Biblia en piedra»
o «Biblia de los pobres».
Escultura románica
En el arte prerrománico se realizaron
obras de pequeño tamaño en bronce y marfil sobre todo.
En el Románico, durante los siglos XI y
XII, la escultura monumental vuelve a tener importancia.
Debido a su unión con la arquitectura, se
decorarán profusamente las portadas de las iglesias, los capiteles, cornisas,
claustros, etc.
• Los temas vienen determinados por el
terror al año 1000. El Apocalipsis será una referencia constante:
a) En el tímpano suelen figurar los
siguientes temas: el Pantocrátor, Cristo en majestad bendiciendo con una mano y
con la otra sujetando el libro de la revelación, dentro de la mandorla mística
y rodeado de los Tetramorfos o símbolos de los evangelistas. Además pueden
aparecer ángeles llevando los símbolos de la Pasión. En las arquivoltas se
muestran ángeles o los veinticuatro ancianos del Apocalipsis, que suelen ir en
paralelo al marco de las molduras. Las jambas tienen adosadas esculturas de profetas o apóstoles. En el
parteluz suele ir la imagen de un profeta o apóstol.
b) En los capiteles se representan temas
vegetales y animalísticos, o diversas escenas del Antiguo y Nuevo Testamento.
c) Otros temas son el Cordero apocalíptico
o el Crismón.
• La escultura románica debe transmitir un
mensaje, por eso será simbólica y antinaturalista. Se adapta al marco arquitectónico, por lo
que a veces se deforman las figuras y se pierde la proporción y la belleza.
• Las figuras serán rígidas y hieráticas,
planas y sin volumen. Las cabezas suelen ser de mayor tamaño. En los rostros
sobresalen los ojos. La anatomía se oculta bajo los ropajes, con pliegues
excesivamente geometrizados.
• La mayoría de las portadas estuvieron
policromadas; estos colores tendrían un papel importante dentro del simbolismo
del Románico.
•
A medida que avanza el tiempo, hacia el siglo XII, la escultura se vuelve más
naturalista, gana independencia respecto al marco arquitectónico, mejora el
tratamiento de los pliegues y el estudio anatómico.
La
escultura exenta o de bulto redondo es en madera policromada y en ocasiones de
marfil y sus temas principales son los crucificados y la Virgen con el Niño.
•
Los Cristos, llamados Maiestas
Domini, se caracterizan por su rigidez y simetría en su disposición
compositiva; suelen ser de cuatro clavos, con los ojos abiertos, en actitud
serena, sin muestras de dolor. Cristo ha triunfado sobre la muerte sin
sufrimiento.
•
La Virgen sentada sobre un trono y sobre ella el Niño Jesús presenta a la
Virgen en posición frontal con el Niño. La Virgen solo es trono de Dios, no hay
comunicación entre la madre y el hijo.
En
este tema habrá también una evolución estilística hasta llegar al naturalismo
gótico donde se miran con ternura y mantienen comunicación (Cristo se
manifiesta en su naturaleza humana y no divina).
Obras
del siglo XI:
-
Una de las primeras obras es el Dintel de San Genís les Fonts en el
Rosellón, similar al de San Andrés de Sureda (Francia). Aparece Cristo en
majestad con el libro de la revelación en la mano, inscrito en una mandorla
sujetada por dos ángeles. A su alrededor, los apóstoles.
-En
el tímpano de la catedral de Jaca se representa el Crismón, símbolo de
Cristo, sujeto por dos leones, uno de los cuales cobija bajo sus patas a un
infiel que expulsa el pecado por la boca en forma de serpiente, mientras que
otro pisotea lo que parece un animal fantástico, símbolo también del pecado.
-
San Isidoro de León. En la Puerta del Cordero aparece el tema del
Agnus Dei, el cordero dentro de un
medallón sostenido por ángeles. Debajo, el sacrificio de Isaac. El
amontonamiento de las figuras ofrece rasgos de arcaísmo bizantino. En la Puerta
del Perdón, el tema es el Descendimiento. Las figuras presentan escaso
relieve y menor tamaño.
-
Fachada de las Platerías de la Catedral de Santiago de Compostela, 1103.
Presenta una falta de ordenación y diferencias estilísticas como consecuencia
de posteriores reformas. En ella trabajaron diferentes maestros, aunque se cree
que los tímpanos son obra del maestro Esteban. Presenta una doble puerta cuyos
tímpanos muestran la imagen divina y humana de Cristo, y así en el de la
izquierda se representan las tentaciones del Señor, que aparece rodeado de
figuras como la de la adúltera con la cabeza de su amante. Muestra una gran
capacidad narrativa e influencia francesa.
-
Claustro de Santo Domingo de Silos, 1085-1100. Lo más importante son los
capiteles y los relieves dispuestos a pares en las esquinas. Los temas de los
capiteles son variados: escenas bíblicas (veinticuatro ancianos del
Apocalipsis, Anunciación, Visitación...); animales reales o fantásticos
(ciervos, águilas, leones, grifos, arpías...); elementos vegetales.
Trabajan
dos maestros. Del primero son seis relieves: La Ascensión, Pentecostés, El
sepulcro, El descendimiento, Los discípulos de Emaús y La duda de Santo Tomás.
Del segundo maestro serían: La Anunciación, Coronación de la Virgen y El árbol
de Jessé. La diferencia está en el mayor volumen y realismo de las figuras del
segundo maestro.
En
todos ellos los personajes se adaptan al marco, presentan isocefalia y
jerarquía (mayor tamaño de Cristo que los apóstoles).
Obras
del siglo XII:
-
Portada del Monasterio de Ripoll. La decoración se distribuye en varios
registros. Aparecen estatuas-columnas (San Pedro y San Pablo) en las jambas,
todo coronado por un Cristo en majestad con los ancianos del Apocalipsis. Tiene
siete arquivoltas decoradas con temas sagrados, vegetales y animales.
-
Portada de Santa María la Real de Sangüesa, Navarra. Presenta influencia
francesa en el alargamiento de las figuras, de ahí que se piense que sea obra
de un borgoñón llamado Leodegarius. En las arquivoltas aparece decoración
figurada paralela al marco. En el tímpano se representa el Juicio Final y en la
parte baja a los apóstoles.
Románico de transición. A fines del siglo XII
encontramos una serie de obras de difícil encuadre que se sitúan entre el
Románico y el Gótico:
-Cámara Santa de la Catedral de Oviedo,
1170-80. Se trata de un apostolado adosado a los fustes de las columnas del
recinto en el que se evidencia un claro alargamiento de las figuras, y aunque
se miran entre sí, siguen embebidas en la columna.
-Pórtico de la Gloria, Catedral de Santiago de
Compostela, 1188. Es el conjunto más importante de la escultura románica
española de fines del siglo XII. Es obra del maestro Mateo.
El pórtico está compuesto de tres arcadas. El tímpano
central (las otras dos no tienen) se apea en un parteluz decorado en su parte
baja con el tema del Árbol de Jessé (genealogía de Cristo), apareciendo también
la estatua sedente del apóstol Santiago. Dicho tímpano presenta el tema del
Salvador acompañado por ángeles portadores de incienso y de los instrumentos de
la Pasión, así como el Tetramorfos.
La obra puede ser considerada como el punto culminante
del Románico, dejando vislumbrar la estética gótica: la representación
anatómica es bastante correcta y naturalista, de canon más estilizado; los
pliegues son más voluminosos y las líneas más suaves; los rostros sonríen y
dialogan; la figura se independiza del marco arquitectónico; los personajes se
individualizan.
Escultura exenta en España. Se conservan obras como la
Majestad Batlló; Crucifijo de Don Fernando y Doña Sancha,
de marfil; Virgen de
Montserrat, etc.
La pintura románica
Son pocos los restos de pintura que nos quedan a pesar
de que casi todos los templos estaban pintados.
·
Los temas son los mismos que en las portadas
arquitectónicas. El Pantocrátor o la Virgen ocupan el ábside, el lugar más
importante. En un nivel inferior se sitúan la Virgen o los apóstoles. En las
paredes del templo se pintan las escenas evangélicas y en el muro de los pies,
el Juicio Final.
·
La frontalidad y el hieratismo son rasgos típicos,
inspirándose en la iconografía bizantina y en los beatos mozárabes. Isocefalia
y jerarquía en la disposición de las figuras.
·
La técnica: pintura al fresco y temple para las
pinturas murales, y temple solo cuando se pinta sobre tabla.
·
La pintura románica es muy estilizada y plana. El
dibujo es muy importante, las figuras se realizan con una línea gruesa de trazo
ancho de color generalmente negro, que delimita las formas y contribuye a
acentuar la sensación de planitud.
·
El color es intenso pero poco variado. No hay
gradaciones tonales (a lo sumo dos tonos del mismo color). En la escuela
catalana abundan los azules y los verdes, mientras en las castellanas hay
colores más cálidos y tonos terrosos.
·
No existe la presencia de la luz para construir las
formas y sugerir la profundidad. El hecho de que los espacios carezcan de
referencias lumínicas concretas refuerza la sensación de atemporalidad y alude,
en consecuencia, a la eternidad.
·
No hay paisajes, se busca la abstracción, la sensación
de irrealidad y no se pretende representar ningún lugar concreto. Es muy
frecuente encontrar fondos de bandas policromas inspiradas en las ilustraciones
de los manuscritos del siglo X o bien fondos neutros, como mucho, algún
elemento vegetal esquemático.
En España hay dos focos principales, el catalán y el
castellano:
·
Pintura románica catalana.
-Las primeras obras de final del siglo XI son las de San
Quirce de Pedret. Su temática es apocalíptica.
-La obra más importante es San Clemente de Tahull,
una pequeña iglesia en el valle de Bohí, realizada en el primer cuarto del
siglo XII. Posiblemente contemporánea de Santa María, situada en el mismo
lugar.
En el ábside de San Clemente, el Pantocrátor bendice
con una mano y con la otra sujeta un libro donde podemos leer «Ego sum lux mundi» (Yo soy la luz del
mundo), y a sus pies, el Tetramorfos. Debajo, alrededor de la Virgen, los
apóstoles.
En el ábside de Santa María, la Virgen es trono de
Dios rodeada por un halo de divinidad, la mandorla, al tiempo que está siendo
adorada por los Reyes Magos. El fondo se construye a base de bandas polícromas.
• La pintura románica en Castilla y León tiene elementos
diferentes a la catalana. Prefiere los tonos cálidos y amplía la variedad
temática, que se enriquece con la mayor capacidad narrativa, incluso en algún
caso se intentará el movimiento. Hay alusiones al paisaje, a través de la
inclusión de árboles muy esquemáticos y pobres edificios.
- San Baudelio de Berlanga, en Soria, tiene pinturas
del siglo X y otras del Románico. Los temas no son religiosos sino escenas de
caza: cacería de liebres, del ciervo, un soldado o montero, un elefante que
carga sobre su lomo un edificio. Podrían tener sentido religioso: Cristo como
cazador de almas, o en el caso del elefante puede que simbolice a Cristo que
acarrea sobre sus hombros todo el peso de la Iglesia.
- El Panteón de San Isidoro de León es la obra más
completa y mejor conservada de la pintura románica. La gama cromática es
bastante pobre: rojo, amarillo, gris, ocre; así como negro para los contornos y
blanco para el fondo.
No sabemos por qué la mayoría de los temas tienen que ver
con la Natividad. Se cree que Fernando I murió por esas fechas y por ello se
eligió esa temática.
Es una pintura naturalista, fresca, espontánea, con un claro
gusto por lo popular y más cercana, sin el aspecto sobrecogedor de la pintura catalana.
- En el Museo del Prado se conservan las pinturas de la Veracruz
de Maderuelo, Segovia, instaladas en forma de capilla y respetando el orden
original. Es una obra vigorosa de colores brillantes y bastante
antinaturalista, como muestra la escena del pecado original y la expulsión del
Paraíso, en la que los cuerpos desnudos de Adán y Eva se resuelven
esquemáticamente.
Adán se lleva la mano a la garganta en
señal de que ha comido de la fruta prohibida que le ha ofrecido Eva. Se inspira
en las escenas de la vida cotidiana.
La pintura sobre tabla.
• Se conservan bastantes frontales románicos, que se
empleaban para ser colocados delante de la mesa del altar. En estas obras se
percibe la influencia bizantina, que irrumpe en España con especial fuerza a partir
del año 1200.
• Se usa madera cubierta con varias capas de yeso pintadas
al temple, con ricos y brillantes colores.
• Ejemplos:
- Del siglo XII destaca el frontal de la Seo de Urgell,
en el que aparece Cristo en majestad rodeado de dos grupos de apóstoles que
están siendo presentados por San Pedro y San Pablo, dispuestos piramidalmente.
- El Frontal de Aviá es algo más tardío, y marca la
transición al Gótico por su mayor capacidad narrativa. Representa a la Virgen
entronizada con el Niño, que se gira para mirar a los reyes que están en uno de
los cuatro recuadros que rodean la escena principal. En los otros se
representan la Anunciación, la Natividad y la Presentación.
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