¿INNOVÓ O NO APORTÓ NADA? MI VISITA AL MUSEO PICASSO
Nazis contra el arte degenerado
Así Fue la Ciudad Imposible de Hitler | El Proyecto GERMANIA que Nunca se Construyó | Episodio 7
Lista obras de arte
PINTURA
Matisse
1905, Retrato de Madame Matisse o La raya verde por Matisse
1906, La alegría de vivir, de Matisse
1908, La mesa roja
1909, La danza, primera versión
1910, La danza por Matisse
1910, Bodegón sevillano por Matisse
1940, Naturaleza muerta con ostras
Picasso
1896, La primera comunión por Picasso
1897, Ciencia y caridad por Picasso
1899, Retrato de Miguel Utrillo, parroquiano de Els Quatre Gats
1903, El viejo guitarrista ciego
1903 La vida
1904 Celestina
1905, Retrato de la señora Canals
1906, Retrato de Gertrude Stein
1907, Las
señoritas de la calle Avinyó
1910, Retrato
de Ambroise Vollard
1912, Naturaleza
muerta con silla de rejilla de caña
1921, Los tres músicos
1922, Dos mujeres corriendo por la playa (La carrera)
1937, Guernica
1942, Cráneo de buey
1946, La alegría de vivir
1959, Tauromaquia
1911, La
ciudad se levanta,
de Umberto Boccioni
Expresionismo
1893, El
grito, de Munch
Franz Marc
1911, El caballo azul
1912 El tigre
1913, Destino de los animales
Kirchner
1913 Zirkusreiterin
1913, Escenas de calle en Berlín de Kirchner
Vasili Kandinski
1910, Primera acuarela abstracta de Kandinski
https://www.viena.es/es/la-primera-acuarela-abstracta/
1911, Lírica
1912, El arco negro de Kandinski ¿?
1923, Cuadro con forma de flecha
1929, Sobre blanco II, de Kandinski
1915, Cuadrado
negro, de Malevich
1930, Composición
II, de Mondrian
1919, L.H.O.O.Q.,
de Duchamp
El
elefante de las Célebes, de Max Ernst, 1921
https://hdelartebach.wordpress.com/2017/04/19/el-elefante-de-las-celebes/
El rinoceronte, obra renacentista de Durero, año 1515. Dibujo de un rinoceronte indio a partir de un boceto de un autor indígena.
1936, La
llave de los campos, de Magritte
Miró (1893-1983)
1925, El
carnaval de Arlequín por Miró
1949, Mujeres y pájaros a la luz de la luna, de Miró
Dalí (1904-1989)
1925, Muchacha en la ventana
1929, El gran masturbador
1929, El juego lúgubre de Dalí
1931, La persistencia de la memoria de Dalí
https://es.wikipedia.org/wiki/La_persistencia_de_la_memoria
1934-1935, Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista
1936, Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil)
1946, Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar
1946, La tentación de San Antonio de Dalí
1951, Cristo de San Juan de la Cruz
1956, Escultura de El rinoceronte vestido con puntillas en Puerto Banús, Marbella, de Salvador Dalí
1959, El sueño de Cristóbal Colón
Jackson Pollock
1952, Number 11 (Blue Poles), Jackson Pollock
ESCULTURA
1933, El
profeta, de Gargallo
1913, Formas
únicas de continuidad en el espacio, de Boccioni
Duchamp
1913 rueda de bicicleta Duchamp
1917, Fuente,
de Duchamp
1937, Mujer
peinándose ante un espejo, de Julio González
1913, Mademoiselle o señorita Pogany I, de Brancusi
1910, Pájaro en el espacio de Brancusi
1939, Langosta,
nasa y cola de pez, de Calder
Henry Moore (1898-1986)
1950, Grupo familiar
1951, Figura
reclinada, de Henry Moore.
Archipenko (1987-1964)
1914, El gondolero
1915, Mujer peinándose
1912, Mujer caminando por Archipenko
ARQUITECTURA
1926, Edificio
de la Bauhaus en Dessau (Alemania), de Gropius
https://es.wikiarquitectura.com/edificio/edificio-de-la-bauhaus-en-dessau/
1929, Pabellón de Alemania en Barcelona, de Mies van der Rohe
1931, Villa
Savoye en Poissy (Francia), de Le Corbusier
Unidad de habitación en Marsella
1894, Casa Winslow por Frank Lloyd Wright
1939, Residencia Kaufmann o Casa de la cascada (en Estados Unidos), de Frank Lloyd Wright
https://es.wikiarquitectura.com/edificio/casa-de-la-cascada/
1959, Museo Guggenheim en Nueva York por Frank Lloyd Wright
https://www.wuolah.com/apuntes-historia-del-arte/apuntes/bachillerato-de-humanidades-y-ciencias-sociales/pevau-andalucia/1
IMÁGENES PENDIENTES DE INTRODUCIR
Leni Riefenstahl (1902-2003)
Joseph Goebbels (1897-1945)
Arte degenerado (julio de 1937)
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_degenerado
Albert Speer (1905-1981)
La arquitectura diseñada por Speer en la serie El hombre en el castillo
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EXPRESIONISMO
DADAÍSMO
Tema 14. La ruptura de la tradición: El arte en la primera mitad del siglo XX
1. Escultura: innovaciones en materiales y técnicas.
2. La arquitectura del movimiento moderno. Racionalismo: Le Corbusier. Organicismo: Frank Lloyd Wright.
3. La pintura. Las vanguardias históricas: Fauvismo, Cubismo, Expresionismo alemán, Dadaísmo y Surrealismo.
1. La escultura: innovaciones en materiales y técnicas La escultura del siglo XX supuso una ruptura absoluta con respecto a la tradición. Se abandonaron definitivamente las normas impuestas por las academias, cosa que ya había hecho Rodin, y los escultores se volvieron completamente individualistas. Además, fue abandonado el naturalismo1 y la figuración2 para emprender nuevos caminos hacia la abstracción, por lo que la investigación de los artistas, en nuevos materiales y formas, se convirtió en una constante3.
En concreto, a lo largo del siglo se han trabajado e inventado nuevas formas de expresión trabajándose sobre los siguientes conceptos:
a) El hueco: Muchos artistas del siglo han buscado y explorado el interior de las esculturas, dando lugar a obras huecas. Algunos autores de esta tendencia son:
- Pablo Gargallo. Autor español que realizó obras figurativas realizadas en bronce que dan la sensación de ser dibujos realizados en el espacio. El profeta es su obra más conocida y en ella vemos unas formas cercanas al cubismo e influenciadas por la obra de Picasso, que crean un interesante juego de luces y sombras. La escultura transmite una gran fuerza interior que representa la fuerza de la palabra y que aproxima la obra al expresionismo.
- Julio González. Su obra también tiene toques cubistas y geométricos, pero el resultado es mucho más abstracto. Una de ellas es Mujer peinándose ante un espejo (1937), en la que usa el hierro como material para su creación.
- Alejandro Archipenko. Autor de obras con aspecto cubista como Mujer andando (1912).
- Por último, el rumano Brancusi es el más abstracto de todos ellos, si bien sus obras son especialmente esbeltas y simbólicas. Pájaro en el espacio (1910) es una alegoría, que representa la tensión ascensional de la vida.
- Henry Moore. Creador de obras de temática muy humanista y de aspecto muy monumental aunque pequeñas. Su obra principal es Grupo familiar (1950).
b) El movimiento mecánico. Éste se puede conseguir a través del aire o de un motor y va a ser una novedad de la escultura del momento. Fue Calder el artista que creó los móviles, obras abstractas realizadas con planchas de metal coloreadas y tubos de alambre muy decorativos. Además de los móviles también realizó una Fuente de Mercurio para la exposición Universal de París del año 1937 en la que el movimiento también está presente.
2. La arquitectura del movimiento moderno. Racionalismo: Le Corbusier. Organicismo: Frank Lloyd Wright.
Durante el primer tercio del siglo XX se desarrollaron dos estilos arquitectónicos diferentes: el racionalismo y el organicismo. Pasada esta etapa se fusionan elementos de ambos dando lugar al llamado Estilo Internacional.
a) El racionalismo o funcionalismo. Se trata de una corriente arquitectónica caracterizada por la funcionalidad de los edificios, el uso de modernas técnicas y de materiales de construcción (hierro, hormigón armado, desaparición de la pared en beneficio del cristal o planchas metálicas) y el final de la decoración y de los adornos historicistas, dando lugar a volúmenes geométricos elementales como el cubo, el cilindro, el cono y la esfera. Sin duda alguna, el estilo es heredero de la arquitectura del hierro y cristal del siglo XIX y de la Escuela de Chicago de Louis Sullivan.
La Bauhaus. Fue una escuela de arquitectura y diseño que surgió en Alemania en la época de entreguerras (1919-1939) y que fue cerrada en 1933 cuando los nazis llegaron al poder. Su creador fue Walter Gropius y desarrolló una gran labor didáctica con sus alumnos. En la obra de Gropius destaca la construcción de viviendas muy funcionales realizadas con las características anteriormente descritas, edificios de oficinas o el propio edificio de la Bauhaus. El camino trazado por esta escuela se extendió por Europa, destacando arquitectos como Van der Rohe y Le Corbusier.
Le Corbusier (1887-1965). Suizo de nacimiento, fue un estudioso de la arquitectura y del urbanismo. En su obra teórica El Modulor (1948) , recoge sus ideas de arquitectura y sus cánones y medidas perfectas para construir armónicamente en la ciudad. Como urbanista diseñó el plano radial, mientras que como arquitecto sus principios son:
La casa o el edificio queda libre y aislado del suelo gracias al empleo de pilotes o pilares que soportan el edificio, resguardándolo de la humedad y la oscuridad. Las terrazas se aprovechan como jardín, solarium, piscina o pistas deportivas. Las ventanas ganan espacio y se harán alargadas al desaparecer el muro, ganando en luminosidad, por lo que la fachada puede tener un diseño muy libre. El interior de los pisos se puede distribuir de forma independiente y libre, al no existir los muros de carga. Sus obras principales son la Villa Saboye , donde el funcionalismo y la geometría son evidentes, así como las características señaladas, o la Unidad de Habitación o Unité d’habitation de Marsella, edificio que dispone de equipamientos comerciales, deportivos, sanitarios o educativos en su interior. Pasada su etapa racionalista, en los años cincuenta Le Corbusier usa lenguajes más poéticos y expresivos, abandonando el geometrismo, un claro ejemplo es la iglesia de Ronchamp . Estaríamos ante una arquitectura internacional en la que la línea curva gana terreno y se usa como material un cemento muy rugoso.
b) El Organicismo: Frank Lloyd Wright. En los EE.UU., se desarrolló una tendencia arquitectónica que estuvo encabezada por Wright (1867-1959). Fue discípulo de Sullivan (Escuela de Chicago), sintió admiración por la arquitectura tradicional japonesa y su obra se caracteriza por ser funcional, aunque para no ser tan fría, intentó ser respetuoso con el medio ambiente, tener armonía con el paisaje y adaptarse a la personalidad del cliente.
A finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, realizó viviendas residenciales en pleno contacto con la naturaleza, con forma de cruz y con chimenea como la Casa Winslow en Illinois.
Ya en los años treinta realizó su obra más audaz, es la Casa sobre la cascada o Casa Kaufmann . Esta casa se construye en una zona rocosa y destaca por los grandes voladizos de formas muy cúbicas (que pudieron realizarse gracias a los nuevos materiales). Este geometrismo nos demuestra cierta influencia del racionalismo europeo por lo que la obra de Wright no se aparta de la modernidad. Sin embargo, se mantiene la tradición de casa americana aislada en el campo.
Por último, en los años cincuenta abandonó el organicismo y realizó el Museo Guggenheim de Nueva York, con forma de espiral y con una rampa interior que permite la contemplación de las obras en una continuidad permanente. Destaca así mismo la cúpula y el gran hueco central en el que la espectacularidad de la arquitectura internacional es evidente.
3. La pintura. Las vanguardias históricas: Fauvismo, Cubismo, Expresionismo alemán, Dadaísmo y Surrealismo.
Las vanguardias históricas o los “ismos”, son un conjunto de estilos que surgieron entre 1905 y 1925 aproximadamente, y que tuvieron su centro en la ciudad de París, con la excepción del Expresionismo, que tuvo su centro en Alemania. Son un conjunto de pintores europeos y americanos que se burlan de las Academias y de la burguesía que pretendían acaparar la función de mecenas.
Los “ismos” son estilos que demostraron la fascinación por lo nuevo y la investigación, debido a que muchos artistas comenzaron en un estilo y fueron pasando por otras vanguardias ya que la duración de éstas era corta.
a) El fauvismo y Matisse. El fauvismo es una corriente artística que se basa en el uso arbitrario del color. Es la característica principal del estilo y tuvo sus antecedentes en Gauguin y Van Gogh. El movimiento fue fugaz, ya que se desarrolló entre 1905 y 1907, excepto Matisse que lo mantuvo posteriormente. Las primeras obras fauvistas se expusieron en el Salón de Otoño en 1905 causando escándalo por ese color tan exagerado, razón por la cual a las obras se les llamó “fauve”, es decir, fiera. Las características del estilo serían el uso de formas simplificadas, la desaparición de la profundidad y la perspectiva, la importancia de la línea y, por supuesto, el uso de colores vivos y arbitrarios. Un buen ejemplo sería Madame Matisse o La raya verde . Otras obras de Matisse son La odalisca , La habitación roja , La danza , Bodegón sevillano o naturaleza muerta con ostras . En todas ellas vemos influencias de la curva del Modernismo y de una alegría en la que se aprecia una gran fascinación por el mundo árabe y andaluz, debido a los viajes del artista.
b) El expresionismo alemán y Kandinski. Se trata de una corriente artística basada en la expresión de las emociones a partir de la distorsión de los colores y de las formas. Ya en momentos anteriores muchos artistas habían tenido esa necesidad de plasmar su mundo interior, así Goya en sus obras fue un antecedente del estilo. A finales del siglo XIX vemos figuras aisladas de artistas claramente expresionistas, es el caso del noruego Munch y su obra El grito , en la que la distorsión de las formas es una muestra clara de un agitado y angustioso mundo interior.
Desde 1905 a 1913 existió un grupo de pintores influidos por Munch en la ciudad alemana de Dresde autodenominados “El puente” (Die Brücke). El nombre del grupo pretendía unir el pasado y el futuro del arte alemán, por lo que se inspiró en las vidrieras góticas, así como en las máscaras africanas, en el primitivismo descubierto por artistas como Gauguin y en la obra de Matisse. Uno de sus componentes es Emil Nolde y obras como El limonar , en la que vemos un intento por transmitir la desnudez de las almas en una sociedad hipócrita y puritana.
Entre 1911 y 1914 se formó otro grupo de artistas en la ciudad de Munich alrededor de la figura del ruso Kandinski. El grupo se llamó “El jinete azul” (Der Blaue Reiter), llamado así por una obra del propio Kandinski. Este segundo grupo desarrolló una pintura donde las formas van desapareciendo, si bien el deseo de expresión del interior y la angustia vital se mantiene, por lo que la abstracción va ganando terreno en perjuicio de la figuración. Destacó la figura de Franz Marc, creador de obras como El destino de los animales y El tigre en las que vemos la obsesión del artista por el movimiento y la liberación de la naturaleza.
Por último, Kandinski (1866-1944) es el autor más abstracto de todo el movimiento, ya que en sus obras las figuras terminan alejándose de la realidad y el color termina por adueñarse de los cuadros. La temática no existe y lo que pretende es expresar sus emociones y su mundo interior, para llegar a la sensibilidad del espectador. Algunas obras son Primera acuarela abstracta, El arco negro o Flechas.
c) El cubismo (1907-1917) y Picasso (1881-1973) Es una corriente artística basada en descomponer las imágenes en formas geométricas que reflejan varios puntos de vista o planos de los cuerpos. Pablo Ruiz Picasso fue su creador, aunque dicho artista tuvo una obra muy variada y amplia.
Picasso nació en Málaga en 1881. Se formó en un círculo muy académico, de hecho su padre fue profesor de dibujo en la Real Academia de Bellas Artes de San Telmo. A los catorce años dominaba el dibujo y el color sin ningún problema, como demuestra en obras de su adolescencia como Ciencia y caridad (1897). Posteriormente, establecido ya en Barcelona, tiene sus primeros contactos con el modernismo y con círculos antiacademicistas en la cervecería Els Quatre Gats, lugar que decoró con retratos. De allí viajó a París en 1900, donde se impregnó de la pintura del momento y de las nacientes vanguardias.
Etapa azul (1901-1904). Se desarrolló en París y se caracteriza por la representación de la miseria y el sentimiento patético de la vida (En ese momento se suicidó su amigo Carlos Casagemas). El color es claramente simbolista y pretende crear una atmósfera melancólica, calmada y triste de personajes derrotados como mendigos, ciegos e impedidos. Desde el punto de vista técnico Picasso es un dibujante impecable y sus cuerpos muy estilizados y delgados quebrados por la indefensión que demuestran la admiración que sentía Picasso hacia El Greco. Algunos ejemplos son: El viejo guitarrista ciego (1903), La Vida (1903) o Celestina (1904).
Época rosa (1904-1907). El artista se mantuvo viviendo en la ciudad de París y allí fue combinando su obra con los tonos rosas y formas más redondeadas, sosegadas y delicadas, lo que le da mayor alegría a sus obras. El dibujo sigue siendo muy clásico y en su temática de este período destacó la presencia de escenas circenses (Los saltimbanquis) y de arlequines. Otra obra de este momento es el Retrato de a señora Canals (1905), esposa de un amigo próximo del artista.
En 1906 el artista se interesa por la escultura africana, el arte egipcio, la escultura ibérica y la obra de Cézanne, apareciendo el Retrato de Gertrude Stein (1906), en el cual vemos su incipiente geometrización de las formas humanas.
El Cubismo analítico (1907-1911). En 1907, con una clara influencia del arte ibérico, de las máscaras africanas y de Cézanne, aparecen Las señoritas de la calle Avinyó . En ellas aparece definitivamente el cubismo, es decir, la geometrización de las formas, la presentación de varios puntos de vista de un mismo cuerpo y el fin de la perspectiva. Esta obra que representa a las chicas de un burdel, fue una auténtica revolución estilística Picasso mantuvo en los años siguientes, creándose el estilo cubista. Además del cuerpo humano, Picasso experimentó con otras formas, como vemos en sus paisajes de Horta de Ebro.
El Cubismo sintético (1912-1916). Tras la aparición del cubismo, Picasso ensaya y experimenta avanzando hacia la geometrización y abandonando definitivamente la relación de la obra con la naturaleza. De hecho, en ocasiones incorporará el collage para no alejarse del todo de la realidad.
La etapa clásica (1918-1924). Tras la Primera Guerra Mundial, Picasso viajó a Italia y se inspiró en la Antigüedad y en el Renacimiento, apareciendo de nuevo la figuración con unas formas muy voluminosas y escultóricas de clara huella mediterránea (Dos mujeres corriendo por la playa , 1922). Además tuvo contactos con ballets rusos que inspirarán claramente su temática, de hecho contrae matrimonio con una mujer que trabajaba en ellos (Olga Koklova). Sin embargo, nunca abandonó el Cubismo que siguió apareciendo de forma esporádica, como en la obra de Los tres músicos (1921).
La etapa de la Depresión y la Segunda Guerra Mundial (1929-1945). A partir de 1929 la situación política de Europa es cada vez más convulsa. La crisis económica del 29, el auge de los fascismos, la Guerra Civil española y la Segunda Guerra Mundial, provocan que el artista se vea atormentado en su interior y en su obra aparezca todo ese dolor. En Mujer sentada a orillas del mar comienza a intuirse esa preocupación y será el Guernica la obra cumbre del momento.
En esta obra se refleja el compromiso del pintor con la II República española, de hecho la obra fue el símbolo del pabellón español de la Exposición Internacional de París de 1937. En el lienzo vemos una representación del horror que supone la guerra, titulándose así por los bombardeos que sufrió la ciudad de Guernica a manos de la aviación alemana durante la Guerra Civil. En el cuadro vuelve a aparecer el cubismo pero sin abandonar del todo la figuración. Los símbolos son desgarradores y abundantes: las mujeres y el niño son las víctimas de la guerra, el guerrero caído son los soldados muertos, la mujer con la lámpara simboliza la esperanza. Por último, el caballo y el toro son de difícil interpretación, ya que ni siquiera Picasso quiso dar pistas sobre ellos. Pueden representar la inocencia el caballo que huye despavorido y la brutalidad del toro y lo contrario, al ser el toro el símbolo del pueblo español que asiste heroicamente a su muerte. En definitiva, el cuadro es un grito desgarrado de horror, de protesta ante la guerra, que desde el punto de vista estilístico posee un dinamismo desesperado.
La mujer que llora (1937) es otra obra representativa del momento en el que las guerras sacudieron su conciencia, o Cráneo de buey (1942), en el que vemos la representación de la muerte, la soledad y la desesperanza.
La etapa final (1945-1973). Tras la Segunda Guerra Mundial, Picasso se estableció en la ciudad mediterránea francesa de Antibes, por lo que su obra se vuelve de nuevo alegre, sin angulosidades ni deformaciones, como en La alegría de vivir (1946). Las palomas y las escenas con el mar de fondo son abundantes, así como las tauromaquias (que nos recuerdan la obra de Goya, ya que Picasso fue un gran apasionado de los toros), como la serie de aguatintas4 de 1959, las escenas con desnudos femeninos o la cerámica pintada. El artista murió en 1973 convertido en un auténtico genio viviente, mientras que su amplia y variada obra lo convierte en uno de los grandes artistas universales.
d) El dadaísmo y Duchamp. Se trata de una corriente creativa absolutamente antisocial y contraria a la belleza establecida por la burguesía en los siglos anteriores. Surgió en 1916, durante la Primera Guerra Mundial, en Suiza. Este país fue neutral, por lo que recogió exiliados de muchos países europeos, entre los cuales el más destacado es Marcel Duchamp, desencantados por la situación de destrucción que se vivía Europa. El nombre de la corriente artística fue escogido al azar, ya que abrieron el diccionario y surgió la palabra infantil “dadá”, que no significa nada. El desencanto que se vivía en el momento, debido a la guerra, provoca que los dadaístas pretendieran escandalizar a la burguesía con sus obras y tuvieran un afán destructivo con respecto al arte académico. Por esa razón hacen cuadros con basuras o cogen objetos de la vida cotidiana y les dan categoría de obra de arte burlándose de los entendidos en la materia (son los llamados ready-made). Algunas creaciones de Duchamp son: Rueda de bicicleta o La fuente (que son dos ready-made), La Gioconda con bigotes o La novia desnudada por sus solteros, incluso. Finalizada la guerra este movimiento tan iconoclasta se extingue.
e) El surrealismo y Dalí (1904-1989) Es una corriente artística que pretende plasmar en pintura el subconsciente y los sueños sin que aparezcan represiones morales o sociales que surgió en torno al año 1924 y duró hasta 19395. Esta fascinación por el subconsciente demuestra que los estudios psicoanalíticos de Freud estaban muy relacionados con el movimiento que además de cultivar la pintura, también se expresó en la literatura, el cine o la fotografía.
El Surrealismo tiene precedentes históricos como la obra de El Bosco o de Goya, viéndose en ellos, al igual que en los pintores surrealistas del siglo XX recursos similares como seres fantásticos, ideas incongruentes, escenas caóticas, imágenes sexuales y eróticas excéntricas, etc.
Salvador Dalí (1904-1989) es uno de los artistas surrealistas más destacados. Nacido en Figueras (Gerona) se educó en los cánones de la pintura academicista. De hecho vemos en Muchacha en la ventana (1925) un dibujo muy correcto y una composición impecable, si bien la bahía de Port Lligat aparece diferente y más grande de lo que realmente es. Dalí viaja a Madrid y se aloja en la Residencia de Estudiantes con otros intelectuales del momento, siendo muy amigo de Lorca y Buñuel, con los que comparte preocupaciones artísticas, si bien cada uno en su rama, perteneciendo a los grupos surrealistas del momento.
En las obras de Dalí destacan las siguientes características:
Una factura impecable y muy precisa con unos colores muy vivos, destacando un azul vivísimo.
Temas ligados con frustraciones sexuales, deseos, miedo al sexo contrario, la castración, la impotencia, la muerte y la putrefacción. Por esa razón aparecen relojes blandos y hormigas devoradoras, como símbolo del paso del tiempo y del derrumbamiento de la juventud.
En cuanto a su forma de trabajo, se desarrolla a través de lo que él llamó el método paranoico-crítico que consistía en no sólo representar los sueños, sino también las confusas imágenes de la mente, es decir, intentar sacar las ideas del subconsciente.
Algunas obras surrealistas que se encuentran dentro de esta línea son: El gran masturbador (1929), La persistencia de la memoria (1931), también llamada Los relojes blandos, Construcción blanda con judías hervidas (1931), conocido como Premonición de la Guerra Civil (1936), Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar (1944).
Tras la Guerra Civil el pintor se quedó en España, en lugar de ir al exilio como la mayoría de los intelectuales. En ese momento su pintura se vuelve muy neobarroca, como en el Cristo de San Juan de la Cruz (1951), en el que vemos un fuerte escorzo y un destacado claroscuro, o en la pintura histórica de El sueño de Cristóbal Colón (1959).
Además realizó pinturas sobre su musa Gala, que mantienen claramente la línea surrealista, colaboraciones con la prensa o con directores de cine como Luis Buñuel o Hitchcock, que lo hicieron muy popular en los EEUU, o creaciones que se anticiparon a corrientes de Arte Pop de los años 60 como el Retrato de Mae West, obra que posteriormente fue reproducida en el Museo Dalí de Figueras como un apartamento surrealista.
Otro artista catalán del Surrealismo fue Joan Miró. Su obra es muy alegre y humorística, plena de colores muy vivos y mediterráneos muy decorativos y con toques claros de primitivismo. Su obra es también surrealista, aunque, a diferencia de Dalí, es abstracta. Un ejemplo de su obra es el Carnaval de Arlequín.
La abstracción y Pollock (1912-1956) Tras la Segunda Guerra Mundial la situación de Europa es de absoluto desastre material. Por esta razón muchos artistas se desplazaron a EEUU, de forma que Nueva York se convirtió en un centro artístico de primer orden en el que el peso de la tradición era mínimo.
Allí se siguió la obra del expresionismo abstracto de Kandinski con una gran admiración, de forma que la abstracción tuvo un gran desarrollo. De todos los artistas el más representativo fue Jackson Pollock (1912-1956). Él comenzó en el surrealismo para terminar en la abstracción.
En su obra destaca el gran formato de los cuadros, el hecho de que la pintura lo inunda todo, el uso de otros materiales que se mezclan con la pintura como arena, yeso, etc., así como su método de creación conocido como Dripping o pintura de acción, que consiste en hacer chorrear la pintura por la superficie del lienzo mezclándose con otros trazos de aspecto violento. Todas estas características provocan que la pintura abstracta sea muy decorativa.
ACTUALIZADO EL 26 DE ABRIL DE 2022 Lista de las obras de arte PINTURA La alegría de vivir, de Matisse Picasso Las señoritas de la calle Avinyó Retrato de Ambroise Vollard Naturaleza muerta con silla de rejilla de caña Guernica La ciudad que emerge, de Boccioni El grito, de Munch Escenas callejeras en Berlín, de Kirchner Kandinski Lírica Sobre blanco II Cuadrado negro, de Malevich Composición II, de Mondrian L.H.O.O.Q., de Duchamp El elefante de las Célebes, de Ernst La llave de los campos, de Magritte Miró El carnaval de Arlequín Mujeres y pájaros a la luz de la luna Dalí El juego lúgubre La persistencia de la memoria ESCULTURA El profeta, de Gargallo Formas únicas de continuidad en el espacio, de Boccioni Fuente, de Duchamp Mujer peinándose ante un espejo, de Julio González Mademoiselle Pogany I, de Brancusi Langosta, nasa y cola de pez, de Calder Figura reclinada, de Henry Moore. ARQUITECTURA Edificio de la Bauhaus en Dessau (Alemania), de Gropius Pabellón de Alemania en Barcelona, de Mies van der Rohe Villa Savoye en Poissy (Francia), de Le Corbusier Casa Kaufmann (Casa de la cascada), de Frank Lloyd Wright
1El naturalismo en el arte es la representación de objetos realistas en un ambiente natural.
2La figuración consiste en utilizar las figuras o formas de la naturaleza como motivos del arte. En el arte un motivo es un modelo a partir del cual se reproducen otros objetos.
3La separación, desde principios del siglo XX, entre el arte y la representación de la naturaleza no fue algo general. Siguieron existiendo pintores realistas que trabajaban siguiendo las directrices de las academias y que tenían clientela tanto privada como de instituciones. Sin embargo los creadores de las vanguardias consideraron que el desarrollo tecnológico de la fotografía, que permitía captar la imagen cada vez mejor, y la reproducción masiva de las obras de arte a través de los medios de comunicación de masas, hacían que el verdadero artista debiera buscar la representación de la realidad oculta tras las formas.
4 El aguatinta es una técnica de grabado con la que se consiguen efectos pictóricos y mancha prescindiendo del entrecruzamiento de líneas.
5Con el inicio de la Segunda Guerra Mundial gran parte de los artistas vanguardistas emigraran a Estados Unidos, que tras el conflicto se convertirá en el principal centro de producción de arte a nivel mundial, concentrándose los autores en la ciudad de Nueva York.
- Buñuel Un perro andaluz
- Psicosis
- the man in the high castle
- germania
- albert Speer
- goebbels
- Leni riefenstal
- la niña de tus ojos
- lola la piconera
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