ESTUDIO DE OBRAS DE
ARTE
Torre Eiffel
1. Ficha técnica
Autor: Gustave Eiffel.
Cronología: 1889.
Localización: París, Francia.
2. Descripción
La torre alcanza una altura de más de 300 metros y su planta biaxial
tiene 125 metros de lado. En su momento fue el edificio más alto del mundo. Está
construida en hierro, con más de 18.000 piezas prefabricadas.
Aunque pesa más de 10.000 toneladas, da sensación de ligereza, lo que se
logra por la transparencia, que hace imposible distinguir entre el interior y
el exterior, y su afinamiento a medida que se eleva.
Se fija al suelo con cuatro pilares hechos con barras de hierro que se
estrechan hasta unirse en la cúspide rematada con una antena, formando una
esbeltísima pirámide con aristas cóncavas.
Su interior hueco consta de tres niveles o plataformas, dos intermedias y
un mirador superior, a los que se accede por escaleras o mediante los
ascensores.
3. Comentario
Era el gran arco de entrada para la Exposición Universal de 1889. Fue
levantada en dos años. Es la obra más emblemática de la arquitectura del
hierro, pues este material es el protagonista de la construcción.
Desde sus comienzos fue polémica, ya que muchas personas la consideraron
antiestética por carecer de piedra. A pesar de su carácter efímero, no fue demolida
gracias al enorme alcance de su antena, de vital importancia durante la Primera
Guerra Mundial. Hoy es el monumento más visitado del mundo y el símbolo
universal de París.
Montaje de la
torre Eiffel.
1. Parte inferior
(7 de diciembre de 1887).
2. Segunda
plataforma (21 de agosto de 1888).
3. Parte superior
(26 de diciembre de 1888).
23. Casa Batlló, Barcelona. Antoni Gaudí. 1904.
El empresario Josep Batlló encargó a Gaudí la renovación total de un
edificio ya existente. La intervención del arquitecto fue tan radical que lo
convirtió en un edificio nuevo: añadió los balcones de hierro forjado y la
decoración de cerámica de la fachada y la azotea.
La fachada es espectacular: tiene formas óseas y aspecto de esqueleto.
Las columnas del primer piso parecen huesos, y los balcones, fragmentos de
cráneos en los que se observan las aberturas de los ojos y la nariz. Está
decorada con cerámica, piedra y hierro forjado.
El tejado tiene forma ondulada y recuerda el lomo de un dragón; las tejas
que lo recubren simulan sus escamas. Está rematado en una torre con la cruz de
cuatro brazos, típica de Gaudí.
El diseño interior (escaleras, techos, muebles...) está cuidado al
detalle.
24. Sagrada Familia, Barcelona. Antoni Gaudí. Inaugurada en 2010.
En 1883 Gaudí se hizo cargo de esta construcción, que se había comenzado
en estilo neogótico, y modificó completamente el proyecto. La obra continúa
inacabada en la actualidad, se han finalizado las fachadas del Nacimiento y de
la Pasión y siguen en construcción varias torres (de los Evangelistas, de
Jesús).
El edificio se caracteriza por su verticalidad: la torre más elevada debe
alcanzar los 170 metros de altura y está previsto que se finalice en 2026.
Gaudí quería recuperar la espiritualidad de las catedrales medievales.
Por eso, la planta es de cruz latina, tiene cinco naves y cuenta con
deambulatorio. Además, toda la obra tiene un profundo simbolismo religioso: las
12 torres más pequeñas son los apóstoles; las cuatro que siguen en altura, los
evangelistas; la siguiente en elevación, la Virgen María; y la torre más alta
simboliza a Jesucristo. Asimismo, las fachadas se decoran con esculturas que
representan, al este, la infancia de Jesús, y al oeste, la Pasión.
El interior es un bosque de columnas y pilares que, a veces, están
inclinados para contrarrestar las fuerzas verticales del edificio.
5. Del academicismo a la renovación escultórica
En la segunda mitad del
siglo XIX coexistieron diferentes tendencias escultóricas, desde el estilo
romántico de carácter dramático y de exagerados contrastes, que tuvo a François
Rude como su mejor exponente con el relieve La Marsellesa, al estilo neoclásico
severo o al Naturalismo. Fue un periodo de eclecticismo en el que se mezclaron
distintas influencias.
5.1.
Francia
Jean-Baptiste
Carpeaux (1827-1875)
Escultor francés de estilo
romántico que dominó durante el tercer cuarto del siglo XIX. Su exitosa carrera
va unida a la decoración de los principales monumentos públicos del segundo imperio.
Gran admirador del trabajo de Miguel Ángel, demostró su talento en obras de
suave modelado y gran dinamismo. Renovó la escultura al rechazar el clasicismo
vigente.
En 1863 el arquitecto
Charles Garnier le encargó la alegoría de La danza para la fachada de la
nueva Ópera de París, su obra más conocida. El conjunto se basa en un esquema
circular de cinco jóvenes desnudas con rostros y miradas alegres que bailan alrededor
de un genio alado que parece salirse del relieve.
Auguste
Rodin (1840-1917)
Escultor francés y figura
fundamental del arte del siglo XIX. Rodin liberó a la escultura del
convencional academicismo y la dotó de expresión interior. Creó un estilo de
gran plasticidad, como en El pensador, donde la acción de pensar se
refleja en los músculos de la figura.
Rodin reflejó con toda su
fuerza introspectiva y con un modelado de formas suaves y simplificadas todas
las pasiones humanas, la belleza, el erotismo, el pesimismo, el horror, el
amor, el intelecto. Así, en El beso transmite una intensa sensualidad, y
una profunda desmoralización en el grupo de Los burgueses de Calais, que
representa a un grupo de ciudadanos abatidos por su derrota ante los ingleses.
Muchas de sus obras dan
aspecto de inacabadas. Algunas personas expertas destacan que, de esta forma,
Rodin lograba incorporar juegos de luces a sus esculturas, por lo que lo
catalogan de impresionista. Para otras, lo que Rodin buscaba era que el público
completara la escultura y, por ello, enlazan al artista con el Simbolismo.
25. La danza. Jean-Baptiste
Carpeaux. 1869. Museo de Orsay, París, Francia.
26. El beso.
Auguste Rodin. 1898. Museo Rodin, París, Francia.
27. Los burgueses
de Calais. Auguste Rodin. 1895. Museo Rodin, París, Francia.
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ESTUDIO DE OBRAS DE ARTE
Sakountala
1. Descripción
Representa un drama
legendario hindú narrado por el poeta Kalidasa. Durante una cacería, el rey
Dushyanta y la joven Sakountala se encuentran inesperadamente y se enamoran.
Pero el rey tiene que partir, así que ofrece a la joven un anillo como prenda
de su amor. Víctimas de un encantamiento, a Sakountala le roban el anillo y Dushyanta
olvida a su prometida y la abandona. El hechizo se rompe cuando un pescador le
entrega el anillo que ha descubierto dentro de un pez y el rey recuerda su amor
por Sakountala. La escultura muestra el momento del reencuentro, cuando el
joven arrodillado abraza a Sakountala e implora su perdón. Ella, de pie, se abandona
en los brazos de su amado.
2. Análisis
Es una escultura exenta de
bulto redondo con diversos puntos de vista. Muestra el cuerpo desnudo de cada joven
con un estudio anatómico cuidado. Razón por la que la obra ha sido incluida
dentro de la corriente naturalista. También, por el tema de la pasión amorosa,
la crítica la ha relacionado con el Romanticismo y el Simbolismo.
La tensión interna de la
obra es producida por el movimiento ascendente del joven, que se estira para
alcanzar el cuerpo de la amada, mientras que Sakountala baja la cabeza y se
deja caer sobre Dushyanta.
3. Comentario
En 1888 Claudel expuso la
obra elaborada en yeso en el Salón de los Artistas Franceses con el título Sakountala,
donde obtuvo una mención de honor. Años más tarde, en 1905, expuso
simultáneamente la versión en mármol en el mismo salón y como El abandono en el
Salón de Otoño.
Las diversas adaptaciones de
la obra, elaboradas con distintos materiales, así como los cambios de título, muestran
la trayectoria artística y personal de Claudel a lo largo del tiempo.
IMAGEN 30:
Sakountala. El abandono o Vertumno y Pomona. Camille Claudel. 1905. Museo
Camille Claudel, Nogent-sur-Seine, Francia.
EN PRIMERA PERSONA
Claudel, descomunal talento e incansable trabajo
Camille Claudel nació
escultora. De pequeña ya jugaba a modelar los rostros de sus familiares con
barro y continuó mostrando ese talento a lo largo de su vida. Dejó una obra de
enorme calidad artística, no solo por su destreza técnica sino por su capacidad
para esculpir las emociones.
Mientras trabajaba en su
taller de París en la obra Sakountala, escribió a finales del año 1886 en una
carta:
«Ahora estoy trabajando en
mis dos figuras grandes más que de tamaño natural y tengo dos modelos al día:
una mujer por la mañana, un hombre por la tarde. Puedes creer que estoy
fatigada: trabajo regularmente 12 horas al día, de 7 de la mañana a 7 de la
noche. Cuando regreso, es imposible sostenerme sobre mis piernas y me acuesto
enseguida».
IMAGEN 31: Camille
Claudel trabajando en Sakountala en su taller.
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La Libertad guiando al pueblo
TAL VEZ FALTA LA FICHA TÉCNICA
1. Descripción
Pintura al óleo sobre lienzo
en la que la figura central es una alegoría de la libertad, representada por
una mujer que lleva un fusil en una mano y la bandera de Francia en la otra.
Ella es la que encabeza el levantamiento. Aparece como una figura clásica y va
tocada con el gorro frigio, que simboliza la libertad, pues lo recibía la
esclavitud liberada.
La acompañan personas de
todo tipo: jóvenes y adultos, burgueses y obreros, soldados; todos luchan
contra la tiranía de Carlos X. A la derecha de la mujer, el burgués con un arma
entre las manos es un autorretrato del propio Delacroix.
La composición tiene forma
de pirámide, cuyo vértice es la bandera francesa y la base son los cuerpos de
los muertos en la lucha.
Todos los detalles están
pensados para transmitir dinamismo y movimiento: los gestos son dramáticos,
predominan las formas onduladas, hay constantes juegos de luces y sombras...
Las figuras, en su carrera, se abalanzan sobre el público, que puede sentirse
parte de los rebeldes.
2. Comentario
Representa el levantamiento
del 27 de julio de 1830 en París contra el rey Carlos X, que había suprimido el
Parlamento y restringido la libertad de prensa.
Puede que sea el primer
cuadro político de la pintura contemporánea, pues es una defensa de la libertad
y de la nación. De hecho, la obra se ha convertido en un icono de la libertad
del pueblo.
PIES DE IMAGEN:
34. La balsa de la Medusa.
Théodore Géricault. 1819. Museo del Louvre, París,
Francia.
35. La Libertad guiando al
pueblo. Eugène Delacroix. 1830. Museo del Louvre, París, Francia.
ESTUDIO DE LAS DIAGONALES Y
TRIANGULOS EN AMBOS CUADROS LAS LINEAS DE FUGA
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6.2. La
pintura realista
El movimiento realista nació
en Francia hacia 1840, en oposición a los excesos del Romanticismo, y ante los
cambios sufridos en Europa por la Revolución industrial, el consiguiente
capitalismo y la explotación obrera. Se fundamenta en la representación
objetiva de la realidad, sin idealismos, con fuerte crítica social. Los temas
populares ocupan un lugar destacado por su autenticidad, al igual que los
pintados al aire libre, aunque técnicamente esta pintura apenas aporta
novedades. El Realismo se sirve de la fotografía para captar las apariencias de
la realidad.
6.2.1. La
Escuela de Barbizon
Fue un grupo de artistas en
contra del academicismo y el estilo romántico que se instalaron en esa
población boscosa, cercana a Fontainebleau, en busca de la naturaleza,
convertida ahora en la gran protagonista de sus cuadros. La pintura de paisaje
al aire libre, sin artificios, será un precedente del Impresionismo.
J. B.
Camille Corot (1796-1875)
Paisajista francés que se
inició en el Neoclasicismo, y más tarde se dedicó a estudios directamente del
natural. De este contacto con el paisaje al aire libre nacen sus innovaciones
técnicas, basadas en las gradaciones de tonos según la luz y la distancia. El
uso de una luz suave, gris y difusa fue seguido por pintores jóvenes que le
vieron como el precursor de un nuevo lenguaje pictórico. En su obra recoge escenas
de gran lirismo y sencillez clásica, ya reales o, en su última época, oníricas,
teniendo como protagonista a la luz y captando la atmósfera a través de manchas
de color empastadas.
Gustave
Courbet (1819-1877)
Máximo representante del
Realismo, fue un personaje revolucionario y provocador. La temática de su obra
gira en torno a la vida de la gente común, clase obrera y campesinado, con un
carácter político y social. Aporta sin artificios una nueva visión más realista
sobre lo cotidiano, como si fuera una crónica visual. Su obra es sobria, con
predominio de tonos oscuros sin grandes contrastes, con extensas pinceladas y
gruesos empastes, de gran influencia en los impresionistas.
Destacan lienzos como El
taller, Los picapedreros, El estudio del pintor y El entierro
en Ornans.
Jean-François
Millet (1814-1875)
Pintor realista francés,
excelente retratista y dibujante, y uno de los primeros en integrar la temática
campesina en el género del paisaje. Su amor a la naturaleza le sirvió para
plasmar las rutinas laborales del campesinado francés y la dureza de sus tareas
reflejadas con serenidad en una atmósfera de espiritualidad. El campesinado
está representado con nobleza y dignidad, como personas que con su trabajo
contribuyen a mejorar la sociedad. Entre sus obras destaca El ángelus.
40. La catedral de
Chartres. Camille Corot. 1830. Museo del Louvre, París, Francia.
Óleo sobre lienzo
en el que la materia casi se diluye en contacto con la atmósfera. Los perfiles
de la catedral desaparecen por efecto de la luz y la lejanía. Los sillares de
piedra blanca del primer término relucen bajo el sol y se transforman en
manchas de pintura.
El entierro en Ornans
1. Ficha técnica
Autor: Gustave Courbet.
Cronología: 1850.
Localización: Museo de Orsay, París, Francia.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
2. Descripción
Es una instantánea de las costumbres del mundo rural.
Courbet plasma con realismo diferentes personajes de la burguesía rural
francesa. El cuadro es de enormes dimensiones; por ello, el tamaño real de las
figuras da una mayor sensación de que estamos ante personas de carne y hueso.
3. Análisis
El color negro de los trajes de la mayoría de las
personas asistentes domina el cuadro. Solo destacan algunos detalles de color:
el blanco del perro y de algunas vestiduras, y el rojo de los maceros. Los
personajes se representan sin idealización: sus rostros carecen de belleza, las
ropas son vulgares... Algunas personas del pueblo le sirvieron de modelo. Ese
realismo se percibe también en las actitudes: no son solemnes, e incluso muchos
personajes muestran falta de atención. El entierro es, para gran parte del
grupo, una rutina más.
La cruz domina la composición, destaca sobre la
horizontalidad del paisaje, y las figuras se disponen sin orden ni jerarquía.
4. Comentario
Este fue el primer lienzo monumental que realizó el
artista. Para él constituyó una especie de manifiesto de lo que debía ser la
pintura. El cuadro no transmite ningún juicio moral, no defiende ninguna idea o
posición.
El tema que representa el cuadro está basado en hechos
reales, un entierro en la provincia natal del pintor, Ornans. Courbet se limita
a trasladar al lienzo la realidad tal cual es; actúa como un cronista de un
acontecimiento, aunque sea trivial. Esto no quiere decir que no fuera un
artista comprometido; al contrario, el realismo era una forma de manifestar su
repulsa a las injusticias de su tiempo.
Es muy probable que se inspirara en los retratos en
grupo de la pintura holandesa y española del Barroco por el uso de los negros.
El cuadro no gustó en su momento, pues se consideró que era desagradable y que
el tema, un vulgar entierro, no resultaba adecuado para una pintura, y menos
para una de esas dimensiones.
ESTUDIO
DE OBRAS DE ARTE
El
ángelus
1. Ficha
técnica
Autor: Jean-François Millet.
Cronología: 1859.
Localización: Museo de Orsay, París, Francia.
Técnica: Óleo sobre lienzo.
2. Descripción
y análisis
La pareja protagonista está sola, en primer plano.
Destaca de pie, parada en medio de un inmenso paisaje llano, por lo que
adquiere gran monumentalidad. Los rostros casi no se ven, no son figuras
concretas, sino representaciones estereotipadas del campesinado. Las actitudes,
de recogimiento, transmiten dignidad y un profundo sentimiento. Junto a la
pareja, hay una cesta con patatas, una horquilla y una carretilla, que han
dejado en el suelo para rezar. Estas herramientas de trabajo, así como las
vestimentas de las figuras y el paisaje, se plasman de forma realista.
3. Comentario
Millet fue el primer pintor que se interesó por
representar el mundo campesino.
El tema de esta obra, a pesar del título, no es
exactamente religioso, se trata de una pareja dedicada a la agricultura que
interrumpe sus labores para rezar el ángelus. Millet, que no era practicante,
no pretendía exaltar el hecho del rezo. Su único interés se centra en captar un
momento cotidiano y rutinario de la vida campesina, que él recordaba de su
infancia.
El éxito de esta obra ha sido muy notable a lo largo
de la historia, de forma que otros pintores, por ejemplo, Dalí, la han recreado
y versionado.
«El ángelus es un cuadro que he realizado pensando en
cómo, trabajando antaño en el campo, a mi abuelo no se le escapaba, cuando oía
tocar la campana, hacer que nos detuviéramos en nuestra labor para rezar el
ángelus para estos pobres muertos».
Jean-François Millet
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