ARTE
RENACENTISTA
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Estudio de obras de arte
Iglesia de San Lorenzo
1. Ficha técnica
Autor: Filippo Brunelleschi.
Cronología: Hacia 1420.
Localización: Florencia, Italia.
2. Descripción
En esta iglesia, Brunelleschi retoma el
esquema basilical paleocristiano de planta de cruz latina. El conjunto está
regido por una perspectiva elaborada con métodos científicos, percibida al situarnos
en la nave principal.
La planta crece a partir del cuadrado del
crucero, del que derivan todos los demás elementos. La iglesia tiene tres naves
separadas por arcadas de columnas corintias, con cúpula sobre el crucero.
Las naves laterales, iluminadas por óculos,
están cubiertas con bóvedas vaídas y la nave central presenta una techumbre
plana de madera decorada con casetones. La fila de esbeltas columnas corintias
incorpora un elemento de transición entre el friso y la cornisa: se trata de un
entablamento completo (arquitrabe, friso y cornisa) de gran armonía y
proporción, y que aporta altura a la nave.
3. Comentario
La utilización de la perspectiva, la
proporción y la simetría, así como la sucesión de cuadrados o cubos espaciales,
son elementos que el propio autor había incorporado ya en 1419 en otra obra
suya: el hospital de los Inocentes, en Florencia.
Brunelleschi adoptó la misma estructura
proporcionada y simétrica en sus edificios religiosos
de planta centralizada.
Planta d ela iglesia de san lorenzo
Interior d el aiglesia de sn lorenzo
Líneas de perspectiva en el interior de la iglesia de sna lorenzo
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ESTUDIO
DE OBRAS DE ARTE
Cúpula
de Santa María de las Flores
1. Ficha técnica
Autor: Filippo Brunelleschi.
Cronología: Se concluyó en 1436.
Localización: Florencia, Italia.
2. Descripción y análisis
Sobre el tambor octogonal que ya
existía, iluminado por ocho óculos, Brunelleschi levantó hiladas de piedra y
ladrillo mediante el modelo romano del opus
spicatum (ladrillos en forma de espiga), quedando los ladrillos comprimidos
en las esquinas por ocho nervios de mármol que confluían al ascender en la
linterna. De esta manera, obtenía una cúpula exterior apuntada.
Sin embargo, en el interior creó otra
cúpula, esta vez semiesférica uniendo ambas por un sistema de ganchos. El
espacio hueco que quedaba entre las dos permitió contrarrestar el empuje,
aumentar la altura y aligerar el peso de la cúpula semiesférica. Otra novedad
es que construyó la bóveda sin cimbras, tan solo con un andamiaje para que se
pudiera trabajar.
3. Comentario
El cuerpo de la catedral gótica había
sido realizado por Arnolfo di Cambio en 1296. El tambor fue levantado a
comienzos del siglo XV y ya solo restaba concluir la construcción de la cúpula.
En 1418 se convocó un concurso para
completar el espacio, y el proyecto de Brunelleschi fue el seleccionado. Éste
se inspiraba en el sistema utilizado en el Panteón de Roma.
Aún hoy está considerada como una de
las obras arquitectónicas más novedosas de la historia de la arquitectura,
tanto por su concepción en forma de doble cúpula como por su construcción sin
cimbras.
7.
Vista de la catedral de Santa Maria de
las Flores y parte de la ciudad de Florencia.
8.
Exterior de la cúpula de Santa Maria de
las Flores.
9.
Estructura interna de la cúpula. DIBUJO
212
Michelozzo
di Bartolomeo (1396-1472)
Este
arquitecto y escultor de Florencia fue aprendiz de Lorenzo Ghiberti en su
juventud y colaboró posteriormente con Donatello en la construcción del púlpito
de la catedral de Prato.
Encontró
en Cosme de Medici, quien fue su principal mecenas, el apoyo para llevar a cabo
la obra que se convirtió en el arquetipo de un palacio florentino: el palacio
Medici-Riccardi.
También
construyó la biblioteca de San Jorge el Mayor, en Venecia, y supervisó los
trabajos para erigir las fortificaciones de la República de Ragusa (actual
Dubrovnik, Croacia).
ESTUDIO
DE OBRAS DE ARTE
Palacio
Medici-Riccardi
1.
Ficha Técnica
Autor:
Michelozzo di Bartolomeo.
Cronología:
1460.
Localización:
Florencia, Italia
2. Descripción
y análisis
La fachada
exterior se articula en tres niveles separados por cornisas que los delimitan:
El
nivel inferior o planta baja está formado por un almohadillado inspirado en las
fortalezas medievales y presenta tres puertas con arcos de medio punto y tres
arcos ciegos que enmarcan las ventanas (el frontón triangular es posterior). Su
aspecto es más tosco que el resto de niveles. Era, a su vez, la zona pública
del palacio, donde se situaban las salas dedicadas a las actividades
económicas.
El
nivel intermedio o primer piso también presenta un almohadillado, pero más
ligero. La sucesión de dobles ventanas con ajimez bajo un arco de medio punto
aligera la fachada.
El
nivel superior o segundo piso no tiene almohadillado y muestra una estructura
similar al nivel intermedio. Tanto el primer como el segundo piso conformaban
las estancias privadas de la familia.
Un
alero voladizo o cornisa de grandes dimensiones apoyado en ménsulas remata este
edificio que no dispone de más elementos decorativos. El efecto que transmite
el palacio en su conjunto es de horizontalidad.
La
planta de este palacio renacentista es central, con un cortile (patio)
como eje en torno al cual se distribuyen las distintas estancias.
3.
Comentario
La
familia Medici era mecenas de Michelozzo. Este palacio es símbolo, por tanto,
de estos nuevos patrocinadores, de su poder y prestigio.
Asimismo,
se trata de una edificación que aúna todas las características del palacio del
Quattrocento: importancia de la fachada (para simbolizar el poder de la familia
que habitaba en él), organización en torno al patio, sensación de
horizontalidad, utilización de elementos clásicos y sensación de orden y
simetría conseguida por la repetición de elementos y las proporciones entre
estos.
Sin
duda, fue uno de los edificios de mayor influencia en la época, ya que le
sucedieron otras construcciones palaciegas, como el palacio Rucellai.
Página 213
Leon
Battista Alberti (1404-1472)
Alberti
fue el prototipo del perfecto humanista, ya que poseía conocimientos de teatro,
música, derecho, pintura y arquitectura. Gran estudioso de la Antigüedad,
escribió varios tratados de arte.
Entre
sus obras principales se encuentran la iglesia de San Andrés, en Mantua, el
palacio Rucellai y la fachada de la iglesia de Santa María Novella, ambos en Florencia.
ESTUDIO
DE OBRAS DE ARTE
Iglesia
de San Andrés
La
iglesia tiene planta de cruz latina con una sola nave, cúpula en el crucero y
capillas laterales que se abren a la nave.
El
interior se cubre con bóveda de medio cañón, claro reflejo de las
construcciones abovedadas de las termas romanas, y los arcos descansan sobre
gruesos pilares en lugar de columnas.
Posee
una fachada de gran plasticidad. Consta de un gran arco de medio punto
dispuesto sobre pilastras de orden corintio, flanqueado por tres pisos de vanos
enmarcados entre pilastras corintias de orden gigante. Está coronada por un
gran friso y un amplio frontón que recuerda a los grandes templos de la
Antigüedad clásica. El intradós del arco se prolonga hacia el interior en forma
de bóveda de cañón con casetones.
El
templo de San Andrés fue el prototipo en el que se inspiró el Concilio de
Trento y sirvió de modelo, junto con la fachada de Santa María Novella, al
arquitecto Vignola en la iglesia de Il Gesù.
11.
Fachada y planta de la iglesia de San Andrés, Mantua, Italia.
Alberti
realizó el proyecto de esta iglesia por encargo de la familia Gonzaga. Las
obras comenzaron en 1472, el mismo año de la muerte del artista.
12.
Interior de la iglesia de San Andrés, Mantua, Italia.
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ESTUDIO DE OBRAS DE ARTE
Fachada de la basílica de Santa María Novella
1. Ficha
Autor: Leon Battista Alberti.
Cronología: 1470.
Localización: Florencia, Italia.
2. Descripción
La fachada renacentista de mármol blanco y
verde consta de dos niveles separados por un
entablamento.
En el nivel inferior se pueden observar dos
espacios idénticos (uno a cada lado de la puerta) que generan, con sus
elementos decorativos, una alternancia geométrica y simétrica.
En el nivel superior se puede distinguir un
espacio rectangular con pilastras adosadas, en cuyo centro se ubica el rosetón
original de la basílica. Este nivel es rematado con un frontón triangular cuyo
vértice actúa de eje de simetría.
El elemento que servirá de referencia para
otras basílicas renacentistas y barrocas son los grandes aletones en forma de
volutas ubicados en los laterales del nivel superior.
3. Comentario
Alberti fue un gran teórico que dio mucha
importancia a la proporción y la armonía concebidas como relación entre las
partes y el todo, aplicando módulos basados en cálculos matemáticos.
13. Fachada y detalle (arriba) de Santa María Novella.
14. Detalle del cuerpo inferior de la fachada.
215
Palacio
Rucellai
1.
Ficha técnica
Autor:
Leon Battista Alberti.
Cronología:
Hacia 1446.
Localización:
Florencia, Italia.
2.
Descripción
Lo
extraordinario del palacio es su fachada. El paramento de los muros es
almohadillado, de distinto diseño en cada uno de los cuerpos, e incorpora en el
zócalo la imitación de opus reticulatum, haciendo alusión a la
arquitectura romana clásica.
El
ritmo de la fachada se consigue gracias a la superposición de órdenes clásicos:
pilastras toscanas en la planta baja, jónicas en el primer piso y corintias en
el segundo, siguiendo el modelo del Coliseo romano.
3. Comentario
Este
palacio fue encargado por el comerciante Giovanni Rucellai. Representó un gran
avance en la arquitectura civil del momento y puede considerarse, junto con el
palacio Medici-Riccardi, un magnífico ejemplo de la arquitectura urbana y
palaciega florentina.
FOTO Y
DIBUJO BLANCO Y NEGRO
Pagina 216
PAGINA 216
2.2. La escultura. La figura humana como
centro de todo
La abundancia de obras escultóricas clásicas
en Italia y, por tanto, el conocimiento de ellas por parte de los escultores
del momento, hicieron que la transición del Gótico al Renacimiento, en cuanto a
escultura se refiere, no fuera tan brusca como sucedió en la arquitectura. Las
características de la escultura del Quattrocento son:
El naturalismo, que busca la semejanza entre
la obra y el modelo, oponiéndose así al misticismo y simbolismo medievales.
El tema principal es la figura humana, dando
importancia al desnudo y por tanto, al estudio de la anatomía.
La independencia de la escultura con respecto
a la arquitectura, lo que le permite el desarrollo de las figuras de bulto
redondo.
La aplicación de la perspectiva, gracias a la
cual el realismo de las obras es mayor al estar proporcionadas.
La diversificación de los temas
representados: religiosos, paganos, mitológicos, funerarios... y la importancia
que adquiere el retrato, tanto de busto como de cuerpo entero, sedente,
ecuestre...
Los dos escultores más destacados del
Quattrocento fueron Ghiberti y Donatello. Otros escultores importantes fueron
Jacopo della Quercia, Andrea Verrocchio, Luca della Robbia y Desiderio da
Settignano.
Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
Ghiberti se considera el iniciador del nuevo
estilo. Fue un gran humanista, al igual que otros autores del momento. En su
taller se formaron muchos artistas, por lo que su influencia fue notable.
Realizó sobre todo obras en bronce, tratando
con gran maestría el relieve y, en él, el paisaje y la figura humana, a la que
representaba con todo detalle.
En torno a 1400, el gremio de comerciantes de
Florencia decidió embellecer el baptisterio de la ciudad, sustituyendo las
antiguas puertas de madera por unas nuevas de bronce. Para elegir al artista,
convocaron un concurso que consistía en concebir un relieve en bronce con la
escena del sacrificio de Isaac. Se presentaron, Ghiberti, Brunelleschi y Jacopo
della Quercia. Ghiberti fue el seleccionado. De esta manera el escultor realizó
la puerta norte del baptisterio. En 1425, ante el éxito conseguido, se le
encargó la decoración de la siguiente puerta del baptisterio: la puerta del
Paraíso. Las puertas del baptisterio de Florencia son la obra maestra de
Ghiberti.
ESTUDIO DE OBRAS DE ARTE
Puertas del baptisterio de Florencia
Ghiberti realizó en primer lugar la puerta
norte del baptisterio de San Juan entre 1403 y 1424. A simple vista, la puerta
mantiene recursos góticos al enmarcar las escenas en cuatros lóbulos (en forma
de trébol de cuatro hojas). Sin embargo, vemos en el tratamiento de las figuras
y del paisaje un gran naturalismo, propio del Renacimiento.
Una prueba es la aparición del desnudo en la
escena del sacrificio de Isaac como muestra del interés por la belleza y la
proporción del cuerpo humano. Este relieve recoge el momento en que el ángel,
con sus palabras, detiene a Abraham, que está a punto de matar a su hijo Isaac,
tal como Dios le había ordenado para probar su fe. La composición es muy innovadora:
una diagonal central divide dos escenas, a la derecha, el grupo del sacrificio
y, a la izquierda, dos sirvientes y el asno, ajenos a lo que está sucediendo.
Estas escenas se disponen en distintos planos, lo que aporta perspectiva.
La puerta del Paraíso está compuesta por diez
relieves en bronce dorado que representan historias del Antiguo Testamento.
Como novedad, sustituye los casetones cuadrilobulados por recuadros enmarcados
en finas molduras. En su interior, la perspectiva constituye el eje organizador
de las escenas en una gradación que va desde un bajorrelieve hasta un
altorrelieve, dando la sensación al espectador de imagen exenta. Así, las
figuras del primer plano se ven de mayor tamaño, y las más lejanas, más
pequeñas.
Escenas como la historia de José, donde
introduce elementos arquitectónicos claramente renacentistas, o la creación de
Adán y Eva, el pecado original y la caída de Jericó, en la que el paisaje es el
protagonista junto con los personajes, de gran plasticidad y belleza, muestran
el virtuosismo de la técnica escultórica de Ghiberti.
17. Relieve del sacrificio de Isaac, en la puerta norte del
baptisterio.
Puerta norte del baptisterio de san juan
Puerta del paraíso del baptisterio de san juan
Relieve de la creación de adan y eva
217
18.Puerta norte del baptisterio de San Juan.
19.Puerta del Paraíso del baptisterio de San Juan.
20.Relieve de La creación de Adán y Eva.
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Donatello (1386-1466)
Donatello nació en Florencia y está
considerado el escultor más importante del Quattrocento. Trabajó como ayudante
de broncista en el taller de Ghiberti y también viajó a Roma para formarse. A
partir de este momento desarrolló en Florencia una gran actividad.
Las características de su escultura vienen
determinadas por un gran realismo, el naturalismo y una gran fuerza expresiva y
emocional. Consiguió un perfecto dominio de la anatomía humana que le permitió
representar al ser humano en su belleza y fealdad en todas las etapas de su vida:
niñez, adolescencia, madurez y vejez.
Utiliza el stiacciato (aplastado),
técnica en bajorrelieve en la que los planos de la composición se aplastan unos
contra otros, manteniendo escasos milímetros entre ellos. Esta técnica la podemos
apreciar en uno de los seis relieves en bronce de la pila bautismal de Siena,
el que representa la escena del banquete de Herodes.
Las esculturas más importantes que realizó
son David, la estatua ecuestre de Gattamelata, San Jorge, San Juan Evangelista
y Magdalena penitente.
21. Gattamelata. Donatello. Hacia 1444. Plaza del Santo, Padua,
Italia.
ESTUDIO DE OBRAS DE ARTE
San Jorge
1. Ficha técnica
Autor: Donatello.
Cronología: Hacia 1417.
Localización: Museo Nacional del Bargello,
Florencia, Italia.
2. Descripción y análisis
Escultura exenta realizada en mármol que
representa a un joven caballero, cuyo rostro transmite desafío y seguridad en
sí mismo. Asienta las dos piernas firmemente en la tierra, la mano derecha cae
con el puño cerrado, el rostro está levantado y la mirada se pierde en el infinito.
En este caso, el estudio anatómico se reduce a la cabeza y las manos, ya que el
resto del cuerpo está cubierto con la armadura. El escudo en forma de rombo,
con la cruz de san Jorge, ayuda a dar la sensación de solidez, fuerza y
equilibrio.
3. Comentario
La escultura fue realizada para una hornacina
situada en la iglesia de Orsanmichele, en Florencia. La encargó el gremio de
fabricantes de armas de la ciudad.
Pagina 219
ESTUDIO DE OBRAS DE ARTE
David
1. Ficha
técnica
Autor:
Donatello.
Cronología:
Hacia 1440.
Localización:
Museo Nacional del Bargello, Florencia, Italia.
2. Descripción
Escultura
de bulto redondo realizada en bronce. Representa a un joven desnudo, excepto
por unas calzas y un sombrero con guirnaldas, típico de los jóvenes
florentinos. Apoyado sobre su pierna derecha, descansa su pie izquierdo sobre
la cabeza del gigante Goliat, al que acaba de vencer. Acorde con la posición,
gira su cabeza ligeramente a la izquierda, contemplando el resultado de su
victoria. El brazo izquierdo se apoya en su cadera y con la mano derecha sujeta
la espada, postura que nos recuerda notablemente a la curva praxiteliana del
afamado escultor griego. La escultura tiene gran armonía y equilibrio, además
de una belleza casi andrógina, gracias a la sensualidad del joven y a la
expresión de serenidad del rostro.
3. Comentario
Es una
de las esculturas más importantes del Renacimiento temprano. Está considerado
como el primer desnudo tridimensional de tamaño natural desde la Antigüedad.
Fue un
encargo de Cosme de Medici. Por el lugar donde debía ser emplazada (el patio
del palacio Medici-Riccardi), representaría la resistencia militar de Florencia
frente a Milán (el gigante).
23. David. Donatello. A la izquierda línea se reconoce en la figura.
ESTUDIO DE OBRAS DE ARTE
Magdalena penitente
1. Descripción
y análisis
La
talla presenta una composición bastante simétrica, a pesar de que la posición
de la cabeza y de la pierna derecha rompen parte de esa simetría y proporcionan
sensación de movimiento. Donatello consigue representar una imagen demacrada y
deteriorada, a través de los rasgos físicos de Magdalena, dotándola de gran expresividad.
El juego de claroscuros aumenta la tensión dramática de la escena.
2. Comentario
Esta
obra, de las últimas de Donatello, de marcada expresividad y dramatismo, es un
antecedente del Barroco y contrasta con la más clásica de David.
24. Magdalena penitente. Donatello. Hacia 1455. Museo dell’Opera del
Duomo, Florencia, Italia.
Observa esta obra y compárala con Apolo Sauróctono de
Praxíteles. Señala qué características observas en ella inspiradas
en la escultura clásica.
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2.3. La conquista de la tercera dimensión en
la pintura
En la
pintura del Quattrocento encontramos las siguientes características:
El
naturalismo, interesado en captar al ser humano en su ambiente, y la
aproximación al realismo. Estas dos características hacen que exista un gran
interés por el estudio de la anatomía humana.
Mayor
libertad respecto a los rígidos esquemas góticos, sobre todo ornamentales.
El
empleo de las leyes de la perspectiva, tratando de conseguir mayor profundidad
del espacio gracias a la creación de un punto de fuga, hacia el que tienden la
mayoría de las líneas de la composición.
Importancia
del dibujo como delimitador de las formas.
El uso
de luz para definir planos y unificar el ambiente.
Se
siguió utilizando la tabla como soporte y la técnica del temple. Pero en la
segunda mitad del siglo XV, por influencia flamenca, se introduce el óleo sobre
lienzo. Esto permitió conseguir mejores efectos pictóricos y facilitó el
transporte de las obras. La pintura mural al fresco continuó desarrollándose.
La
temática siguió siendo religiosa en los frescos de los templos, pero
encontramos también temas mitológicos o alegóricos. Se introdujo el retrato
como consecuencia de la importancia dada al ser humano y del afán de los
burgueses por inmortalizarse a través de las obras pictóricas.
Los
principales pintores del periodo del Quattrocento son Masaccio, Fra Angelico,
Piero della Francesca y Botticelli. No obstante, hubo otros pintores
excelentes, como Andrea Mantegna, Paolo Uccello, Filippo Lippi, Ghirlandaio y
Andrea del Castagno.
Masaccio (1401-1428)
Masaccio
está considerado como el iniciador de la pintura renacentista del Quattrocento.
A pesar de fallecer joven, representa, junto con Brunelleschi y Donatello, la
afirmación del nuevo estilo.
Los
orígenes de su pintura hay que buscarlos directamente en la obra de Giotto,
aunque las figuras de Masaccio son monumentales, robustas, escultóricas, pesadas...,
y consigue sombrearlas e iluminarlas sin dibujar los contornos. Sin embargo, lo
que más caracteriza su obra es el gran dominio del espacio, de la perspectiva y
de la proporción.
Sus
obras más representativas son los frescos de la iglesia de Santa María Novella
y los de la Capilla Brancacci, realizados por encargo de Felice Brancacci.
25. La
Trinidad. Masaccio. Hacia 1426. Iglesia de Santa María Novella, Florencia,
Italia.
En esta
iglesia Masaccio decoró un pequeño espacio junto a un púlpito diseñado por Brunelleschi.
Es una de las primeras pinturas que hacen uso de la perspectiva central para crear
una extensión del espacio real en ella; todas las líneas convergen en un punto
de fuga situado a la altura de los ojos del espectador.
Posee
una composición piramidal enmarcada por la arquitectura brunelleschiana. Se
divide en distintos planos: Dios Padre situado al fondo; Cristo en la cruz, san
Juan y la Virgen en el intradós del primer arco; los donantes, arrodillados en
el escalón exterior, y finalmente el sepulcro, donde pinta un esqueleto.
Masaccio
se permite hacer de una ilusión una realidad al introducir la perspectiva en
los elementos arquitectónicos pintados (pilastras, bóveda de cañón...), lo que
se conoce como trampantojo.
Pagina 221
ESTUDIO DE
OBRAS DE ARTE
26. El tributo de la moneda. Masaccio. Hacia 1425. Fresco de la
capilla Brancacci en la iglesia de Santa María del Carmen, Florencia.
27. la expulsión de Adán y Eva del paraíso. Otro detalle de las
pinturas de esta capilla.
Frescos de
la capilla Brancacci
La decoración de la capilla recoge momentos
de la vida de San Pedro. Entre ellos destaca el episodio del tributo de la
moneda, en el que se reproduce una escena narrativa, dividida en tres
secuencias. En el centro aparece Cristo rodeado de sus discípulos y el
recaudador que exige con la mano extendida el tributo para el templo. Jesús le
dice a Pedro que coja un pez y que dentro de su boca hallara la moneda que
necesita. Al fondo, la izquierda, se ve como el apóstol la extrae, y en la
escena de la derecha, entrega la moneda al funcionario.
La composición consigue establecer entre los
personajes una perfecta
comunicación (composición en círculo, que da
equilibrio y estabilidad a la escena). También muestra su dominio de la
perspectiva lineal, con visión monofocal, puesto que el punto de fuga coincide
con la cabeza de Cristo. La luz procede de un foco situado a la derecha y contribuye
a dar verosimilitud a la escena.
El tema se ha interpretado con una alusión al
nuevo sistema recaudatorio impuesto en la época, ante la necesidad de la Iglesia
de obtener recursos económicos.
Otro fresco de esta misma capilla es el que
representa la expulsión de Adán y Eva del Paraíso. Se trata de una escena
dramática como excelente estudio del desnudo y de la expresión de los rostros.
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Fra
Angelico (1395/1400-1455)
Fra
Angelico combinó la vida de fraile en el convento de San Marcos, en Florencia,
junto con la de pintor en otras ciudades como Roma, donde intervino en la decoración
del Vaticano.
Su obra
muestra una ambivalencia estilística. Por un lado, mantiene aún la tradición
gótica, que se aprecia en sus fondos dorados y azules, y en sus sutiles y
delicados personajes. Fra Angelico estudió las obras de Masaccio e introdujo en
sus composiciones la perspectiva y los elementos arquitectónicos. Todo ello nos
da la idea de un artista que supo captar las corrientes antiguas y nuevas para
adaptarlas a su lenguaje personal. Su obra más representativa es La
Anunciación.
ESTUDIO
DE OBRAS DE ARTE
La
Anunciación
1.
Ficha técnica
Autor:
Fra Angelico.
Cronología:
1426.
Localización:
Museo Nacional del Prado, Madrid.
Técnica:
Temple sobre tabla.
2.
Descripción
Fra
Angelico presenta a los personajes principales enmarcados en un pórtico
renacentista (influencia de Brunelleschi). Al fondo, una puerta abierta nos
muestra la estancia. En un segundo plano, a la izquierda, podemos ver la escena
de la expulsión de Adán y Eva del paraíso.
Aunque
en la perspectiva pueda recordar a Masaccio, la delicadeza de los personajes,
sobre todo el encuentro de la Virgen con el arcángel, y la paz que emana de la
escena son reminiscencias del estilo gótico.
3.
Comentario
En esta
obra, Fra Angelico pone de manifiesto la influencia del pasado medieval y los
tímidos avances del nuevo estilo. El canon estilizado de sus figuras, las
esbeltas y finas columnas del pórtico y los tonos dorados revelan pervivencias
góticas.
28. La Anunciación. Arriba: detalle de la expulsión del paraíso.
Abajo: detalle de La Visitación, escena de la predela situada bajo esta obra.
Pagina 223
Piero della Francesca (1415/1420-1492)
Estuvo
alejado de Florencia, la capital del arte de aquella época, por lo que desarrolló
un estilo muy personal. Trabajó para los Malatesta en Rímini y los duques de
Urbino.
Las
formas geométricas y la solemnidad de sus escenas daban un tono majestuoso a
sus pinturas, sin dejar de lado las composiciones en perspectiva. La preocupación
por iluminar las escenas es constante: utiliza una iluminación diáfana, con
luces y sombras que definen las figuras. Del contacto con los pintores
venecianos durante su estancia en Ferrara y en Urbino, tomó el tratamiento de
sus fondos paisajísticos.
Algunas
de sus obras más destacadas son el díptico con los retratos de los duques de
Urbino y la Madonna del duque de Urbino.
29. Díptico de los duques de Urbino. Piero della Francesca. Hacia
1475. Galería de los Uffizi, Florencia, Italia.
Obra compuesta de dos tablas pintadas al óleo. Son retratos de
perfil que muestran a Federico de Montefeltro, duque de Urbino, y su esposa
Battista Sforza.
ESTUDIO DE OBRAS DE ARTE
Madonna del duque de Urbino
1. Ficha
técnica
Autor:
Piero della Francesca.
Cronología:
1474.
Localización:
Pinacoteca de Brera, Milán, Italia.
Técnica:
Óleo sobre tabla.
2. Descripción
En el
centro de la obra está la Madonna o Virgen sentada en el trono con el Niño. A
la izquierda del cuadro aparecen san Juan Bautista, san Bernardino y san
Jerónimo; a la derecha están san Francisco, san Pedro Mártir y san Juan
Evangelista. Las figuras de la Virgen con el Niño y los santos están en un
interior clásico, bajo una bóveda casetonada. El duque aparece representado en
el mismo plano que la Virgen y los santos, en un espacio real y humanizado,
construido según las leyes de la perspectiva.
3. Análisis
Destaca
la composición simétrica y el hieratismo en los rostros de los personajes. Los colores
son vivos y brillantes. El juego de luces sobre la arquitectura contribuye a
crear sensación de profundidad.
4. Comentario
Es una
obra de donante, ya que arrodillado en primer plano está quien encargó la obra,
Federico de Montefeltro, duque de Urbino. La obra está cargada de simbología,
como la concha venera en la bóveda de cuarto de esfera y el huevo colgando de
la misma, que podría hacer alusión al nacimiento.
30. Madonna del duque de Urbino. También llamado Sacra conversación,
Pala de Brera o Virgen con el Niño y los santos
PAGINA 224
Sandro Botticelli (1445-1510)
Botticelli
está considerado el pintor que marca el final del Quattrocento y el inicio del Cinquecento,
tanto por su estilo como por sus temas.
Fue un
gran admirador de la belleza femenina, por ello dotó a sus figuras de
voluptuosidad, con cuerpos sinuosos y un gran dominio del dibujo y la anatomía.
Sus vestidos de finas gasas que dejaban traslucir su anatomía, en sus obras
también tendrán un papel importante, por la calidad del dibujo, de trazos
curvilíneos, y por la sensación de gracia y armonía que transmiten. Fue un
pintor de gran cultura y un gran intelectual. Sus obras se deleitan con temas
mitológicos, siguiendo para ello las narraciones clásicas. También pintó contenidos
alegóricos y religiosos. Entre sus obras más importantes destacan La primavera y
El nacimiento de Venus.
31. La
primavera. Sandro Botticelli. Hacia 1480. Galería de los Uffizi, Florencia.
Representa
un tema alegórico, el amor, con tintes mitológicos. Venus, en el centro,
aparece rodeada de Cupido, Céfiro, las Tres Gracias o Flora, entre otros. Todos
los personajes pueden encuadrarse en un triángulo, cuyos vértice sería Cupido.
ESTUDIO DE OBRAS DE ARTE
El nacimiento de Venus
1. Ficha
técnica
Autor:
Sandro Botticelli.
Cronología:
hacia 1485.
Localización:
Galería de los Uffizi, Florencia, Italia.
Técnica:
Temple sobre lienzo.
2. Descripción
El tema
es mitológico, inspirado en la Venus clásica. Nos muestra el momento en que una
pareja de dioses del viento (Céfiro y Áurea) en vuelo empujan a Venus, representada
desnuda sobre una concha. En la orilla, espera la Hora de la Primavera para
vestirla con un manto de flores. El mar de fondo y la costa, salpicada de olas
y flores, aluden a los orígenes de la diosa.
3. Análisis
De
estructura piramidal, el personaje central es el que capta toda la atención y
hacia él convergen el resto de las figuras, situadas en lugares contrapuestos,
proporcionando equilibrio. Los
personajes son ligeros, esbeltos, sinuosos y sensuales, dando sensación de
ingravidez. Todo ello, junto con la riquísima gama cromática, hace de esta obra
una de las más bellas del Quattrocento.
32. El nacimiento de Venus. Sandro Botticelli.
Página 226
ESTUDIO
DE OBRAS DE ARTE
Templete
de San Pietro in Montorio
1.
Ficha técnica
Autor:
Donato Bramante.
Cronología:
1502.
Localización:
Roma, Italia.
2.Descripción
y análisis
Es un
templo de planta circular (clara alusión a los tholoi griegos),
períptero (consta de dieciséis columnas toscanas) y de reducidas dimensiones.
Se alza sobre un basamento escalonado y sostiene un friso con triglifos y
metopas, y una pequeña balaustrada. Esta parte del templete es de clara
influencia clásica.
El
templo se cubre con una cúpula semiesférica con linterna, que se eleva sobre un
tambor con nichos y hornacinas.
Bramante
adoptó el círculo como elemento organizador. Se inspiró en las concepciones
neoplatónicas para las que la esfera era la forma más perfecta y, por tanto, la
que correspondía a Dios. A través de la estructura circular estableció una
serie de proporciones; por ejemplo, la altura del tambor es igual al radio de
la cúpula.
El
edificio, monumental a pesar de sus pequeñas dimensiones (la cella interior
tiene solo 4,5 metros de diámetro), está inscrito en un claustro rectangular
actualmente, si bien Bramante había proyectado un patio circular que potenciara
su forma circular.
3.Comentario
El
templo fue construido en el lugar donde, según la tradición, murió crucificado
el apóstol san Pedro, y se hizo por encargo de los Reyes Católicos.
Se
trata de un edificio de formas elegantes y perfectas que marca la arquitectura
erigida durante el Cinquecento, clásica y nueva a la vez.
Imágenes del exterior, del interior y del plano
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ESTUDIO DE OBRAS DE ARTE
Villa Capra
1. Ficha
técnica
Autor:
Andrea di Pietro, Palladio.
Cronología:
La construcción se inició en 1566.
Localización:
Vicenza, Italia.
2. Descripción
El
edificio tiene planta cuadrangular con cúpula central. La estructura de las
estancias es completamente simétrica. En cada lado del cuadrado se abre una
fachada precedida por un peristilo jónico y elevado por escalinatas enmarcadas
por dos estatuas. Las cuatro fachadas son idénticas. Los cuatro pórticos
columnados sostienen sendos frontones triangulares que recuerdan a los templos
romanos. El edificio se eleva sobre un podio para permitir ver el paisaje.
En su
interior el espacio central lo ocupa la gran sala circular, cubierta por la
cúpula, a partir de la cual se organizan las estancias. En los ángulos se dispusieron
los dormitorios y, al estar elevado sobre un basamento, se aprovechó el sótano
para la cocina.
3. Comentario
En el
Renacimiento los nobles retomaron la costumbre de construir casas de campo,
como habían hecho los nobles romanos. Palladio se inspiró en las villas
romanas, pero adaptando los elementos clásicos a los principios renacentistas
de simplicidad y proporción geométrica.
Así,
creó un modelo (estilo palladiano) que tuvo gran influencia posterior en la
arquitectura inglesa del siglo XVII y, sobre todo, en Estados Unidos durante el
XIX, donde muchas mansiones del sur siguieron este modelo.
FACHASDAS DE VILLA CAPRA Y PLANO DE VILLA CAPRA
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ESTUDIO
DE OBRAS DE ARTE
Virgen
de las rocas
1.
Ficha técnica
Autor:
Leonardo da Vinci.
Cronología:
Hacia 1494.
Localización:
Museo del Louvre, París, Francia.
Técnica:
Óleo sobre cartón. La obra se trasladó a un lienzo en el año 1841.
2.
Descripción
Es una
escena religiosa en la que aparecen cuatro figuras: la Virgen, san Juan niño,
el Niño Jesús y un ángel.
La
Virgen está en primer plano en el centro, las demás figuras se sitúan en torno
a ella formando una figura piramidal. El Niño Jesús está a la derecha, se
reconoce porque aparece con la mano en actitud de bendecir.
3. Análisis
La
naturaleza se muestra en esta obra como un fenómeno atmosférico que envuelve a
los personajes. El fondo es un paisaje rocoso en el que se aplica la
perspectiva aérea o atmosférica para mostrar sensación de profundidad. Para
ello, Leonardo utiliza tonos azulados y difumina la imagen a medida que se
aleja del ojo del espectador. Aplica la técnica del sfumato. De esta
manera, Da Vinci consigue dos cosas: por un lado, dotar de atmósfera al espacio
representado; por otro, mostrar los distintos planos que forman la composición.
A pesar
de la oscuridad del escenario, con el foco de luz que proyecta desde la
izquierda, consigue crear una escena mística.
4. Comentario
La obra
está cargada de simbolismo, como la cueva que sirve de escenario y que representa
el vientre materno. Resulta un tema misterioso, ya que no se menciona esta escena
en los Evangelios.
Existe
al menos otra versión inacabada de este cuadro en la Galería Nacional de
Londres, que presenta algunas variaciones, como diferentes colores y nuevos
añadidos.
42. Virgen de las rocas. Abajo: esquema de las líneas principales
que se distinguen en la composición de este cuadro.
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ESTUDIO DE OBRAS DE ARTE
Gioconda (o Mona Lisa)
1. Ficha técnica
Autor: Leonardo da Vinci.
Cronología: 1503.
Localización: Museo del Louvre, París, Francia.
Técnica: Óleo sobre tabla.
2. Descripción
La dama retratada aparece sentada en un sillón delante de un paisaje
montañoso. Sigue los modelos del retrato florentino de la época: representación
de medio cuerpo enmarcada por dos columnas, que hoy han desaparecido.
3. Análisis
En el retrato destacan dos focos de atención: el rostro y las manos de
la Gioconda. El paisaje recibe el mismo tratamiento que en la Virgen de
las rocas, resultando casi onírico.
En la figura nada parece temporal. Sus manos, que destacan por su
minucioso modelado, la expresión del rostro, su famosa sonrisa que apenas se
dibuja, la mirada dócil y despectiva a la vez... Todos estos rasgos hacen de
ella una belleza casi intangible.
Leonardo trabaja cuidadosamente los detalles: un fino velo cubre los
cabellos de la dama, el escote del vestido está decorado con bordados y las
mangas brillan con aspecto natural.
4. Comentario
Se desconoce exactamente la identidad de la mujer retratada. Según la
hipótesis más afianzada, se trataría de Lisa Gherardini, la esposa de un rico
comerciante llamado Francesco del Giocondo, de ahí su apodo. Lisa acababa de
dar a luz a su segundo hijo y era costumbre encargar un retrato para festejar
la ocasión.
Sin embargo, el cuadro nunca llegó a sus manos. Leonardo era muy
inconstante y, probablemente, terminó el cuadro muchos años más tarde, cuando
ya no residía en Florencia.
Técnicamente, en esta obra Da Vinci lleva al extremo más refinado
el sfumato y el tratamiento lumínico a través del claroscuro,
consiguiendo una atmósfera que envuelve a la protagonista en un velo misterioso
y que resalta la expresividad del rostro y las manos.
Este retrato tuvo gran influencia ya en su época; por ejemplo, Rafael
visitó el taller de Leonardo durante su elaboración y adoptó este formato en
sus retratos posteriores. Así, la Gioconda se convirtió en un modelo a seguir.
Se han hecho incontables versiones de la misma.
Mona Lisa. Una de las numerosas copias que se conservan de esta
obra, posiblemente realizada en el taller de Leonardo da Vinci. 1507-1516.
Museo Nacional del Prado, Madrid.
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La última cena
Esta
pintura mural representa el momento en que Cristo anuncia la traición a la que
se verá sometido por uno de sus apóstoles. La angustia y el estupor se reflejan
en los gestos de todos ellos, reunidos en grupos de tres en torno a la figura
central, que contrastan con la serenidad del rostro de Jesús. Por su parte,
Judas Iscariote permanece impasible, apoyado sobre la mesa, y lleva en su mano
la bolsa con las monedas que los sacerdotes judíos le pagaron por entregar a
Cristo.
La luz
es suave y clara, y nace de dos ángulos distintos. La que procede de la izquierda
se refleja en el muro derecho y en los personajes; y la que penetra desde el
fondo, por los tres ventanales fingidos, lleva la mirada al infinito.
El uso
de la perspectiva es excelente, coincidiendo el punto de fuga con la cabeza de
Cristo y con la ventana central del fondo. El conjunto se enmarca en el muro
del refectorio de un convento.
Detalles
de las líneas que marcan la composición del cuadro y grupos de apóstoles:
1.
Bartolomé, Santiago el Menor y Andrés
2.
Simón Pedro, Judas Iscariote y Juan
3.
Tomás, Santiago el Mayor y Felipe
4.
Mateo, Judas Tadeo y Simón el Zelote
45. La última cena. Leonardo da Vinci. 1498. Refectorio del convento
de Santa Maria delle Grazie, Milán, Italia.
Pagina 232
Rafael (1483-1520)
Rafael
Sanzio nació en Urbino y desde muy joven comenzó a trabajar en el taller del pintor
Perugino. En 1504 viajó a Florencia, donde aprendió de los maestros Leonardo y Miguel
Ángel. En esta primera época creó obras tan reconocidas como la Madonna del jilguero
o Los desposorios de la Virgen.
Su fama
llegó a Roma, y en 1508 el papa Julio II lo llamó para participar en la
decoración de las estancias del Vaticano. Las obras eran tan extensas que
obligaron a Rafael a contratar ayudantes.
La
primera dependencia en la que trabajó fue la de la Signatura. En los muros
desarrolló todo un programa humanista pintando La disputa del Sacramento, La
escuela de Atenas, Las Virtudes y El Parnaso. La labor artística de la primera
estancia duró desde 1509 hasta 1511. En la sala Heliodoro realizó, entre 1511 y
1514, La liberación de san Pedro, La misa de Bolsena y El encuentro de León I
con Atila. Las dos últimas dependencias que pintó fueron la sala del Incendio
de Borgo y la sala de Constantino.
En Roma
también trabajó como arquitecto en las obras de la basílica de San Pedro sustituyendo
a Bramante.
ESTUDIO DE OBRAS DE ARTE
La escuela de Atenas
En el
centro de la escena están Platón y Aristóteles. Ambos dialogan mientras caminan
a través de un espacio arquitectónico que recuerda a la obra de Bramante. El
primero señala hacia el cielo, fuente suprema del mundo de las ideas, y lleva
bajo el brazo el Timeo (el diálogo escrito por él). Aristóteles señala
con su brazo la tierra, origen de las ciencias naturales, y sostiene su libro Ética.
Quizás quiso representar la unión de las dos doctrinas filosóficas: idealismo y
realismo. Hacia estos dos personajes convergen las líneas de la composición del
fresco.
Alrededor
de Platón y Aristóteles se disponen por grupos otros sabios y filósofos de la Antigüedad.
Algunos de ellos aparecen retratados con los rostros de personajes del momento:
Platón (Leonardo da Vinci), Heráclito (Miguel Ángel) y Arquímedes (Bramante),
entre otros. Rafael se autorretrata junto a la pilastra del extremo derecho mirando
al espectador. Vestida toda de blanco está Hipatia de Alejandría, destacada matemática
y astrónoma, y la única mujer que aparece en el cuadro.
Esta
pintura al fresco es una alegoría de la filosofía; representa la rama que se
ocupa de las ciencias terrenales. Por tanto, una lectura temática sería que
razón y fe no tienen que estar enfrentadas, uniendo el clasicismo grecorromano
con la tradición cristiana.
En el
fondo arquitectónico utilizado queda patente el homenaje a la arquitectura de
la Antigüedad. Aunque también se piensa que quiso reproducir la basílica de San
Pedro del Vaticano, que estaba todavía en construcción.
47. La escuela de Atenas. Rafael Sanzio. 1511. Estancia de la
Signatura del Palacio Vaticano, Ciudad del Vaticano.
Pagina 235
ESTUDIO DE OBRAS DE ARTE
Cúpula de San Pedro
1. Ficha técnica
Autor: Miguel Ángel.
Cronología: Iniciada en 1590. Cuando falleció
Miguel Ángel, los trabajos de la cúpula los retomó Giacomo Della Porta, quien
la terminó.
Localización: Ciudad del Vaticano.
2. Descripción
La cúpula de la basílica de San Pedro del
Vaticano se levanta sobre un enorme tambor con monumentales columnas pareadas,
en el que se alternan ventanales con frontones curvos y triangulares. Según su
diseño, la cúpula debía ser de medio punto en su interior, apoyada sobre cuatro
enormes pilares unidos por arcos con pechinas en sus esquinas.
Tiene doble casquete, al igual que hiciera
Brunelleschi en la cúpula de Santa María de las Flores, en Florencia.
Las proporciones de la cúpula son enormes,
132 metros de altura desde el suelo y 42 metros de diámetro. En el exterior es
levemente apuntada y nervada, y se remata por una linterna.
3. Comentario
La cúpula se levanta sobre la tumba de San
Pedro, situada en el altar mayor de la basílica, representando así su papel
como continuador del apóstol y, por tanto, como cabeza visible de la Iglesia
católica.
Además, sirvió de modelo para obras
posteriores como la cúpula de San Pablo en Londres o la de los Inválidos en
París.
Imágenes
Exterior de la cúpula d ela bsilica de san pedro del vaticano
Interior de la cúpula de san pedro del vaticano
Dibujo de sección de la basílica en el que se aprecia la estructura
de la cúpula
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