1517 Fin de las obras de la Casa de las conchas, un palacio urbano en Salamanca que fue comenzado en estilo gótico y terminado en plateresco
1529 Fachada de la universidad de Salamanca
1526 Comienzo de las obras del edificio del ayuntamiento de Sevilla, diseñado por Diego de Riaño
1499 Fundación de la universidad de Alcalá o Universidad Complutense
1537 Fachada de la Universidad de Alcalá de Henares
1539 Palacio de Monterrey en Salamanca
La Iglesia y el Monasterio de los Jerónimos, que presenta características
absolutamente renacentistas tanto en la fachada como en su interior.
La Iglesia de San Gil y de Santa Ana,
la
Catedral de Granada.
● El presbiterio tiene forma circular,
● En las naves se observan que los soportes son especialmente originales: Sobre
las columnas clásicas se coloca un trozo de entablamento para que los soportes
sean más altos.
● Las bóvedas son vaídas,
la cúpula que corona el presbiterio es típicamente
renacentista
catedral de malaga
catedral de Guadix.
Catedral de Jaén, que se caracteriza por sus elementos claramente renacentistas
1540 Inicio de las obras de la sacristía de la catedral de Jaén, diseñada por Andrés de Vandelvira
Andrés de Vandelvira (1509-1575)
Sacra Capilla del Salvador en Úbeda (1540-1559)
Los principales ejemplos son:
El Palacio de Carlos V de Granada: Fue construido por Pedro Machuca, arquitecto
1526 Palacio de Carlos V en Granada, diseñado por Pedro Machuca
El Monasterio de San Lorenzo del Escorial: Los arquitectos fueron Juan Bautista
de Toledo y Juan de Herrera y fue mandado construir por Felipe II. Sirve como
palacio, monasterio y panteón real. Actualmente, los frailes jerónimos son los
encargados de custodiar el panteón. La planta tiene forma de parrilla, instrumento que
se usó para martirizar a San Lorenzo, y fue construido para conmemorar la batalla de
San Quintín sobre Francia. Destaca su gran austeridad y la falta de decoración.
1563-1584 Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, diseñado por Juan de Herrera
El Patio de los Reyes da acceso a la basílica de San Lorenzo, puramente
renacentista y totalmente desnuda de decoración.
RETABLO DE San Benito el Real de Valladolid
1532 El sacrifico de Isaac por Alonso Berruguete en el retablo de San Benito el Real
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San Sebastián (1526-1532), obra de Alonso Berruguete. Procede del retablo mayor del monasterio de San Benito el Real de Valladolid.
Además de este retablo, realizó el de la Epifanía, que se encuentra en la iglesia
de Santiago de Valladolid.
Una vez que es un artista consagrado, viaja a Toledo para realizar la sillería
del coro de la catedral.
La sillería es de madera noble no policromada y está decorada
con imágenes que recuerdan las puertas del baptisterio de Florencia. Además de la
sillería, realiza una escultura sobre el coro que representa la Transfiguración o
Resurrección de Cristo.
Finalmente, realizó el Sepulcro del Cardenal Tavera, que
recuerda mucho a la escultura italiana al usarse el mármol.
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● El segundo escultor del Manierismo español es Juan de Juni.
En Valladolid el Entierro de
Cristo.
Otras obras de Juni son el retablo de Santa Maria la
Antigua o la Virgen de las Angustias,
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4.3. Pintura española:
Dentro de este movimiento, sólo vamos a fijarnos en un artista: Doménikos
Theotokopulos, conocido como El Greco.
La obra de La expulsión de los mercaderes del templo, refleja el tema bíblico
El sueño de Felipe II o
Alegoría de la Santa Liga,
El Expolio.
El martirio de San Mauricio
El entierro del Señor de Orgaz
tablas se representan escenas como la Adoración de los pastores,
La adoración de los pastores
el Bautismo de
Cristo o la
La resurrección de Cristo (Retablo de María de Aragón)
son la Visión del Apocalipsis
1610 Visión de San Juan o Apertura del quinto sello del Apocalipsis o Visión del Apocalipsis
Cristo con la cruz a cuestas.
Cristo abrazado a la cruz (El Greco, museo del Prado)
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● Tema mitológico: El Laocoonte,
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El caballero de la mano en el pecho
● Paisajes irreales y tormentosos como las visiones de Toledo.
1596 Vista de Toledo
1614 Vista y plano de Toledo
Arquitectura del Renacimiento italiano
Identifica, analiza y comenta las siguientes
obras arquitectónicas del Renacimiento italiano:
cúpula de Santa María de las Flores e interior de la
iglesia de San Lorenzo, ambas en Florencia y de
Brunelleschi;
Palacio Médici-Riccardi en Florencia,
de Michelozzo;
fachada de Santa María Novella y del
Palacio Rucellai, ambos en Florencia y de Alberti;
templete de San Pietro in Montorio en Roma, de
Bramante;
cúpula y proyecto de planta de San
Pedro del Vaticano, de Miguel Ángel
Il Gesù en
Roma, de Giacomo della Porta y Vignola;
Villa Capra
(Villa Rotonda) en Vicenza, de Palladio.
3.2. Identifica, analiza y comenta las siguientes
esculturas del Renacimiento italiano:
primer panel
de la “Puerta del Paraíso” (de la creación del
mundo a la expulsión del Paraíso), de Ghiberti;
David y Gattamelata, de Donatello,
Piedad del
Vaticano, David, Moisés y Tumbas mediceas, de
Miguel Ángel;
El rapto de las sabinas, de
Giambologna.
3.3.
Pintura del Renacimiento italiano
Identifica, analiza y comenta las siguientes
pinturas del Renacimiento italiano:
El tributo de la
moneda y La Trinidad, de Masaccio;
Anunciación del
Convento de San Marcos en Florencia, de Fra
Angelico;
Madonna del Duque de Urbino, de Piero
della Francesca;
La Virgen de las rocas, La última
cena y La Gioconda, de Leonardo da Vinci;
La
Escuela de Atenas de Rafael;
la bóveda y el Juicio
Final de la Capilla Sixtina, de Miguel Ángel;
La
tempestad, de Giorgione;
Venus de Urbino y Carlos
V en Mühlberg, de Tiziano;
El lavatorio, de Tintoretto
Las bodas de Caná, de Veronés
Arquitectura del Renacimiento español
3.4. Identifica, analiza y comenta las siguientes
obras arquitectónicas del Renacimiento español:
fachada de la Universidad de Salamanca;
Palacio de
Carlos V en la Alhambra de Granada, de Pedro
Machuca;
Monasterio de San Lorenzo de El Escorial,
de Juan de Herrera.
Escultura del Renacimiento español
Sacrificio de Isaac del retablo de San Benito de
Valladolid, de Alonso Berruguete
Santo entierro, de
Juan de Juni
El Greco (1541-1614)
El expolio
La adoración del nombre de Jesús o La alegoría de la Santa Liga
IMÁGENES DEL TEMA
Fase purista
1526 palacio de Carlos V en Granada por Pedro Machuca
monasterio de san Lorenzo del escorial
1557 batalla de San Quintín
El Monasterio de San Lorenzo del Escorial: Los arquitectos fueron Juan Bautista de Toledo y
Juan de Herrera y fue mandado construir por Felipe II. Sirve como palacio,
monasterio y panteón real. La planta tiene forma de parrilla,
instrumento que se usó para martirizar a San Lorenzo, y fue construido para
conmemorar la batalla de San Quintín sobre Francia. Destaca su gran austeridad
y la falta de decoración.
El Patio de los Reyes da acceso a la basílica de San
Lorenzo, puramente renacentista y totalmente desnuda de decoración. La fachada
tiene un frontón, esculturas y arcos de medio punto en la entrada, columnas de
orden toscano y dos torres. Uno de los escasos elementos decorativos es el uso
de bolas en los remates de los tejados del edificio. El altar está muy elevado,
ya que se encuentra sobre el panteón, la
planta de la basílica es de cruz latina, tiene una cúpula sobre pechinas en el
crucero, bóvedas de cañón y un ambiente muy austero.
EL RENACIMIENTO EN ITALIA
Filippo Brunelleschi (1377-1446)
iglesia del Santo Espíritu en Florencia
cúpula de la catedral de Florencia
palacio pitti
Ghiberti (1378-1455)
Puertas del Paraíso del baptisterio de la catedral de Florencia
Donatello (1386-1466)
San Jorge (1417)
San Jorge (1417)
David (1440)
Masaccio (1401-1428)
El tributo (1425)
El tributo (1425)
La Trinidad (1426)
La expulsión de Adán y Eva del Paraíso Original (1424)
La expulsión de Adán y Eva del Paraíso Original (1424)
Leon Battista Alberti (1404-1472)
fachada iglesia Santa María Novella
arco triunfal romano
palacio rucellai
Bramante (1444-1514)
Iglesia de San Pietro in Montorio (1502)
Iglesia de San Pietro in Montorio (1502)
Boceto de la planta de la basílica de San Pedro del Vaticano (1506). El edificio no se terminó hasta 1626
Botticelli (1445-1510)
La primavera (1480)
Tamaño: 2x3'14 metros
Tamaño: 2x3'14 metros
El nacimiento de Venus (1484)
Tamaño: 2'78x1'72 metros
Leonardo da Vinci (1452-1519)
La Virgen de las rocas (1483-1486)
El hombre de Vitruvio (1490)
La Última Cena (1494-1499)
La Gioconda o Mona Lisa (1503-1506)
Estudios sobre el hombro y el cuello (1509)
La Virgen de las rocas (1483-1486)
El hombre de Vitruvio (1490)
La Última Cena (1494-1499)
La Gioconda o Mona Lisa (1503-1506)
Estudios sobre el hombro y el cuello (1509)
Miguel Ángel (1475-1564)
La Piedad (1497-1499)
David (1501-1504)
Tumba de Julio II (1505)
Moisés (1513-1515)
El Juicio Final en la Capilla Sixtina (1537-1541)
Proyecto de Miguel Ángel para la cúpula de San Pedro (1546)
La Piedad (1497-1499)
David (1501-1504)
Tumba de Julio II (1505)
Moisés (1513-1515)
El Juicio Final en la Capilla Sixtina (1537-1541)
Proyecto de Miguel Ángel para la cúpula de San Pedro (1546)
frescos capilla sixtina del vaticano
antiguo testamento creación de adan
Rafael Sanzio (1483-1520)
Los desposorios de la Virgen (1504)
La Virgen del Prado (1505)
La escuela de Atenas (1510)
La Fornarina (1519)
La Fornarina (1519)
Palladio (1508-1580)
Villa Capra(1566)
El gobierno italiano ha decidido representar en su moneda dos imágenes que recuerdan uno de los momentos más glorisosos del pasado italiano: el Renacimiento.
La moneda italiana de un euro sigue un dibujo elaborado por Leonardo da Vinci (1452-1519) en 1485, donde se representa el hombre vitrubiano, es decir el ser humano con medidas perfectas.
La moneda italiana de diez céntimos de euro sigue un cuadro de Sandro Botticelli (1445-1510): El nacimiento de Venus.
El cuadro fue pintado por Botticelli en 1486, a la edad de 41 años. El cuadro muestra el nacimiento de la diosa Venus entre la espuma del mar.
EL RENACIMIENTO EN EL NORTE DE EUROPA
Jan van Eyck (1390-1441)
La adoración del Cordero Místico (1432),
retablo o políptico, formado por doce tablas. Tamaño 3'5 x 2'2 metros
El matrimonio Arnolfini (1434)
Tamaño 0'82x0'60
Rogier van der Weyden (1400-1464)
El Descendimiento de la Cruz (1435)
El Bosco (1450-1516)
El jardín de las delicias (1500)
Tamaño 2'2x3'8 metros
El Descendimiento de la Cruz (1435)
El Bosco (1450-1516)
El jardín de las delicias (1500)
Tamaño 2'2x3'8 metros
Alberto Durero (1471-1539)
Autoretrato (1498)
Liebre joven (1502)
Adán y Eva (1507)
Castillo de Chambord (1519-1539)
diseñado por Domenico da Cortona
1430 Cristo en la cruz flanqueado por la Virgen María y San Juan de Hubert_van_Eyck
1430-1435 La adoración del Cordero Místico por los hermanos van Eyck
1434 detalle de El matrimonio Arnolfini de Jan van Eyck
1434 Giovanni Arnolfini y su esposa por Jan van Eyck
1526 Retrato de Catalina de Bora (esposa de Martín Lutero) a los 27 años por Lucas Cranach el Viejo
1530-1535 Retrato del rey Francisco I de Francia a los 36 años por Jean_Clouet
1540 Venus y Cupido de Lucas Cranach el Joven
EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA
Diego de Riaño
v
gg
Alejo Fernández (1475-1545)
Virgen de los navegantes o de los mareantes (1535)
ff
Pedro Machuca (1490-1550)
El Descendimiento de la Cruz (1547)
g
v
gg
CRONOLOGÍA DEL RENACIMIENTO EN LOS SIGLOS XV Y XVI
El Renacimiento - La época de Miguel Ángel y Leonardo da Vinci (1/2) | Documental DW
1252 Primer uso del florín de oro, moneda de Florencia, que pesaba 3'5 gramos de oro (unos 245 euros al cambio actual)
1314 Palacio de la Señoría (gobierno) de Florencia
1397 Juan de Médici, maestro artesano en dos gremios, funda el Banco de la familia Médici en Florencia
1411-1413 San Marcos de Donatello
1415-1418 San Jorge, esculpido por Donatello
Una leyenda del siglo IX dice que el santo salvo a una doncella de ser devorada por un dragón matándolo. San Jorge es patrón de Cataluña, Inglaterra, Georgia (el país del Cáucaso)...
1420 Inicio de las obras de la cúpula de la catedral de Florencia, diseñada por Brunelleschi
1423-1432 El Descendimiento de la Cruz, pintado por Fra Angélico
1424 Fin de las obras de la puerta norte del baptisterio de la catedral de Florencia, diseñada por Ghiberti
1425 El pago del tributo, pintura de Masaccio
1425-1452 Puerta del Paraíso del baptisterio de la catedral Florencia, diseñada por Ghiberti
Isaac, Jacob y Esaú
En la escena inferior vemos como los judíos derrotan a los filisteos mientras, en primer plano, el pastor judío David le corta al gigante filisteo Goliat la cabeza, tras haberlo matado de una pedrada lanzada con una honda.
Más tarde David se convertiría en rey de Israel, pondría su capital en Jerusalén, compondría muchos de los poemas del Antiguo Testamento y es antepasado directo de Jesús de Nazaret
En la escena inferior vemos a Salomón, rey de Israel, con la reina de Saba, una visitante extranjera. Salomón fue famoso por su sabiduría y por mandar construir el Templo de Jerusalén
1428-1438 Púlpito exterior de la catedral de Prato, realizado por Donatello y Michelozzo
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1428 La Trinidad, pintada por Masaccio En el cuadro, enmarcada por una falsa arquitectura que sugiera profundidad, aparece la Trinidad: Padre, Hijo y Espíritu Santo (la paloma blanca que se ve entre ambos)
A los pies de Jesús, como en todas las crucifixiones, están María, su madre, y Juan, el más joven de sus discípulos, al que reconocemos por no tener barba.
A ambos lados de la escena, arrodillados, están los donantes de la pintura
1433-1439 Cantoría de la catedral de Florencia, obra de Donatello
1434 El banquero Cosme de Médici se convierte en el gobernante de la ciudad italiana de Florencia
1434-1436 Profeta Hababuc de Donatello
1435 La Anunciación de Fra Angélico
1437-1446 La coronación de la Virgen
Los santos son, de izquierda a derecha, Tomás de Aquino, Benito de Nursia, Santo Domingo, San Francisco de Asís (con los estigmas de Jesús), Pedro de Verona y Juan Evangelista
1440 David de Donatello
Aquí el pastor David aparece tras haber decapitado al gigante Goliat, cuya cabeza aparece a sus pies, y es representado como un héroe clásico que recuerda a Perseo, el que había matado a Medusa, la gorgona que tenía serpientes por cabellos
1444 Inicio de las obras del Palacio Medici Riccardi, encargado por Cosme de Medici
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1445-1453 Retrato del condottiero (general) Gattamelata de Donatello
Estatua del emperador romano Marco Aurelio, original (176)
Estatua del emperador romano Marco Aurelio, réplica (176)
1452-1466 La historia de la Veracruz, ciclo de frescos pintados por Piero Della Francesca
El sueño de Constantino
Victoria de Constantino sobre Majencio
1453-1455 Magdalena penitente de Donatello
1459 Academia platónica fundada por Cosme de Médicis en Florencia
1459 La capilla de los Reyes Magos , pintada por Benozzo Gozzoli
En la pintura mural se muestra el viaje de los Reyes Magos a Belén, pero todos los personajes representados son retratos de miembros de la corte de los Médici, tanto miembros de la familia como otros parientes, criados, esclavos...
1469 Boda de Isabel de Castilla y Fernando de Aragón, ambos eran primos y miembros de la dinastía de los Trastámara
1472 Inicio de las obras de la basílica de San Andrés en Mantua, diseñadas por Leon Battista Alberti
1478 Busto de Lorenzo el Magnífico, gobernante de Florencia de la familia Médici, basado en un retrato de cera creado por Andrea del Verrocchio
1478 Retrato de Giuliano de Médici por Sandro Botticelli
Ese mismo año es asesinado en la conspiración de los Pazzi
1480 Estatua del condottiero (general) Colleoni, de Verrocchio
1480 Retrato de Mehmed II el Conquistador a los 38 años por Gentile Bellini
1480 Cristo muerto de Andrea Mantegna
1480 Alegoría de la primavera, pintada por Sandro Botticelli
1483-1486 La Virgen de las rocas, pintada por Leonardo da Vinci
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1484 Autorretrato de Alberto Durero a los trece años
1485 El nacimiento de Venus, pintado por Sandro Botticelli
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1490 El Hombre de Vitruvio o Estudio de las proporciones ideales del cuerpo humano de Leonardo da Vinci
1497 La última cena, pintada por Leonardo da Vinci
1498 La Pietà o la Piedad vaticana, esculpida por Miguel Ángel
1498 Autorretrato de Alberto Durero
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1498 El rey de Francia nombra a César Borgia duque de Valentinois. César era uno de los siete hijos del papa Alejandro VI, aliado de Luis XII de Francia en sus guerras contra los Reyes Católicos.
Las guerras por el dominio de Italia entre la monarquía francesa y la Monarquía Hispánica duraron de 1494 a 1559.
1499 Fundación de la universidad de Alcalá o Universidad Complutense
1502 Templete de San Pietro in Montorio (San Pedro en el monte de oro), diseñado por Bramante
1502 Liebre joven, pintado por Durero
1504 Adoración de los Magos, pintado por Durero
1504 Naturaleza muerta (o bodegón) con perdiz y guanteletes, pintado por Jacopo de'Barbari
1504 David, esculpido por Miguel Ángel
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1506 Inicio de las obras de la basílica renacentista de San Pedro en El Vaticano con diseños de Bramante
1507 Adán y Eva, pintado por Durero
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1508 Miguel Ángel comienza a pintar la bóveda de la Capilla Sixtina por encargo del papa Julio II. Éste ocupó su puesto entre 1503 y 1513, en esos años participó en varias guerras intentando expandir los Estados de la Iglesia y unir toda Italia bajo su gobierno
1509 Enrique VIII de Inglaterra (18 años) se casa con Catalina de Aragón (24 años), hija de los Reyes Católicos y viuda de su hermano mayor
1511 La escuela de Atenas, fresco pintado por Rafael Sanzio
1511 Elogio de la locura (o Elogio de la estupidez) de Erasmo de Rotterdam
1513-1515 Estatua de Moisés por Miguel Ángel, retocada écadas despue´s
1514 Proyecto de Rafael para la basílica de San Pedro en El Vaticano
1515 Moisés, esculpido por Miguel Ángel
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1515 El rinoceronte, dibujado por Durero. Se trata de un rinoceronte indio que el rey de Portugal envió como regalo al papa León X
1515 Inicio de la venta de indulgencias por el papa León X, de la familia Médicis, para pagar las obras de la nueva iglesia de San Pedro del Vaticano en Roma
1516 Carlos de Habsburgo hereda de sus padres y abuelos Castilla, Aragón, Navarra, los territorios en Italia, en África, en América y en el centro de Europa, así como el derecho a ser candidato al trono del Sacro Imperio Romano Germánico
1517 Mausoleo de los Reyes Católicos en la Capilla Real de Granada, pegada a la catedral. Fue esculpido por Domenico Fancelli
1517 Fin de las obras de la Casa de las conchas, un palacio urbano en Salamanca que fue comenzado en estilo gótico y terminado en plateresco
1518 Retrato del papa León X con el cardenal Julio de Medici, pintado por Rafael. El cardenal era primo del papa, que fue quien lo nombró cardenal. Esto es un ejemplo de nepotismo
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1519 Mausoleo de don Felipe y doña Juana en la Capilla Real de Granada, pegada a la catedral. Fue esculpido por Bartolomé Ordóñez. Este sepulcro está colocada al lado de el de los Reyes Católicos, los padres de Juana, conocida como la Loca, y suegros de su marido, Felipe el Hermoso, el cual había fallecido en 1506, tras diez años de matrimonio y seis hijos en común
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1520 Miguel Ángel realiza el diseño de la escalera tripartita de la Biblioteca Laurenciana, encargada por la familia Médicis
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1521-1534 Mausoleo de la familia Medici o tumbas de los Médici
Tumba de Lorenzo, duque de Urbino
El crepúsculo
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La aurora
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Tumba de Giuliano, duque de Nemours
Noche
Día
1521 Retablo mayor de la Capilla Real de Granada. Esculpido por Felipe Bigarny o Felipe de Borgoña, en colaboración con Alonso Berruguete
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1521 abril Derrota de las Comunidades de Castilla en la batalla de Villalar
Al día siguiente son ejecutados los principales jefes del ejército comunero. En recuerdo de esos acontecimientos el Día de Castilla y León coincide con el de la batalla y se celebra en Villalar de los Comuneros
1525 San Jerónimo por Pietro Torrigiano
1527 Saco (saqueo) de Roma
Un ejército mercenario al servicio de Carlos V (14.000 alemanes -la mayoría luteranos-, 6.000 españoles, 3.000 italianos), que llevaba meses sin cobrar, ataca Roma. Cuatro mil habitantes de la ciudad son asesinados y muchos más mueren a causa de la peste que se produce a continuación.
La Guardia Suiza es aniquilada defendiendo al papa. Por eso todavía hoy sigue siendo la fuerza de defensa de Ciudad del Vaticano.
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1529 Fachada de la universidad de Salamanca
1534 Acta de supremacía. El rey Enrique VIII se convierte en el jefe la Iglesia de Inglaterra
1536 Virgen de los navegantes, pintado por Alejo Fernández
1538 La Venus de Urbino por Tiziano
1546 Miguel Ángel se hace cargo de las obras de la basílica de San Pedro en El Vaticano
1546-1565 Palacio Vázquez de Molina o de las cadenas en Úbeda, diseñado por Andrés de Vandelvira
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1547 El Descendimiento de la Cruz, pintado por Pedro Machuca
1547 El Descendimiento de la Cruz, pintado por Pedro de Campaña (Pieter Kempeneer)
1548 Retrato ecuestre del emperador Carlos V en la batalla de Muhlberg por Tiziano
1549 Inicio de las obras de la parte renacentista de la catedral de Guadix, diseñada por Diego de Siloé
1550 Giorgio Vasari publica Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos. Se trata del primer libro de historia del arte y básicamente son biografías de artistas del Renacimiento italiano
1551 Palacio Vela de los Cobos en Úbeda, proyectado por Andrés de Vandelvira
1554 Autorretrato de Sofonisba Anguissola a los 22 años
1560 Juegos de niños, pintado por Pieter Bruegel el Viejo
1562 Hospital de Santiago en Úbeda, proyectado por Andrés de Vandelvira
1565 Retrato de Felipe II por Sofonisba Anguissola, cuando el rey tenía 38 años
1565 Isabel de Valois sosteniendo un retrato de Felipe II, cuando la reina tenía 20 años
1565 Fin de las obras del remate y cuerpo de campanas de la Giralda de Sevilla, diseñados por Hernán Ruiz el Joven
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1566 Villa La Rotonda o Villa Capra, diseñada por Palladio
1570 El Descendimiento de la Cruz, pintado por Pedro de Campaña (Pieter Kempeneer)
1579 El expolio, pintado por El Greco
1582 Inicio del calendario gregoriano, el calendario que usamos hoy. Para ajustar el antiguo calendario juliano al nuevo calendario gregoriano el jueves 4 de octubre fue seguido por el viernes 15 de octubre. Diez días desaparecieron.
El nuevo calendario, impulsado por el papa, fue admitido inmediatamente en los estados católicos, tardó mucho más en usarse en los estados protestantes, y los rusos nunca lo han usado y continúan con el calendario juliano.
1583 Inicio de las obras de la Lonja de Mercaderes o Archivo General de Indias de Sevilla, diseñado por Juan de Herrera
1586 El entierro del conde de Orgaz, pintado por El Greco
1462 Inicio del gobierno de Iván III el Grande, Gran príncipe de Moscovia (1462-1505)
1478 Fundación del Santo Oficio de la Inquisición
https://profesorjuliodapenalosada.blogspot.com/2017/03/inquisicion.html
1492 enero Conquista de Granada por Isabel de Castilla y Fernando de Aragón
1492 marzo Los Reyes Católicos decretan la expulsión de los judíos de sus reinos a menos que se bauticen como cristianos. Un mínimo de 50.000 judíos abandonan Castilla.
1502 Expulsión del territorio de Granada de los mudéjares que no se bautizan, aparición de los moriscos de Granada
1503 Establecimiento de la Casa de Contratación de Indias en Sevilla por los Reyes Católicos
1504 febrero Conquista del reino de Nápoles por Gonzalo Fernández de Córdoba, el Gran Capitán. El reino de Francia cede el reino de Nápoles a la Corona de Aragón
1509 Comienza el reinado de Enrique VIII de Inglaterra con el matrimonio de éste (18 años) y Catalina de Aragón (24 años), hija de los Reyes Católicos
1516 Carlos de Habsburgo hereda de sus padres y abuelos Castilla, Aragón, Navarra, los territorios en Italia, en África, en América y en el centro de Europa, así como el derecho a ser candidato al trono del Sacro Imperio Romano Germánico
1517 Carlos de Habsburgo, o de Austria, llega a la Península ibérica
1520 Fin de la redacción del Cancionero Musical de Palacio (1505-1520) compuesto por romances
1527 Saco (saqueo) de Roma
Un ejército mercenario al servicio de Carlos V (14.000 alemanes -la mayoría luteranos-, 6.000 españoles, 3.000 italianos), que llevaba meses sin cobrar, ataca Roma. Cuatro mil habitantes de la ciudad son asesinados y muchos más mueren a causa de la peste que se produce a continuación.
La Guardia Suiza es aniquilada defendiendo al papa. Por eso todavía hoy sigue siendo la fuerza de defensa de Ciudad del Vaticano.
1531 Inicio de las obras del Palacio de la Real Chancillería de Granada, el tribunal supremo (de apelación) para las causas (juicios) al sur del río Tajo en el reino de Castilla. Al norte del río funcionaba la Real Chancillería de Valladolid
1535 Carlos I conquista Túnez, ciudad que estaba gobernada por el pirata Barbarroja, aliado del Imperio de los turcos otomanos
1543 Publicación de De Humani Corporis Fabrica Libri Septem (De la estructura del cuerpo humano en siete libros), obra del flamenco Andreas Vesalius, médico en la corte de Carlos V
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1547 abril Batalla de Mühlberg. El emperador Carlos V se enfrenta y vence a los príncipes protestantes alemanes que no aceptaban su autoridad como gobernante cristiano católico
1547 enero Iván IV el Terrible, Gran Príncipe de Moscovia, se nombra a sí mismo zar (César), por tanto sucesor de los emperadores de Roma y de Constantinopla
1548 Retrato de Isabel de Portugal, prima y esposa de Carlos V, fallecida en 1539, pintado por Tiziano
1548 Retrato de Carlos V sentado pintado por Tiziano
Retrato de Carlos V y su esposa Isabel de Portugal pintado por Pedro Pablo Rubens en 1628 a partir de los retratos realizados por Tiziano
1551 Retrato de Felipe II por Tiziano, teniendo el príncipe 24 años y el pintor 61 o 63 años
1559 Felipe II prohíbe a sus súbditos estudiar en cualquier universidad extranjera. Esto, junto con la censura de los libros, hará que la ciencia española quedé desconectada de la que se produce en el resto de Europa
1559 Juana de Austria funda el convento de las Descalzas Reales en Madrid.
Juana era la hija de Carlos I y hermana de Felipe II. Había estado casada con el rey Juan Manuel de Portugal, que era su primo segundo, y fue madre del sucesor de éste, el rey Sebastián I.
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1561 Felipe II establece su corte en Madrid, que se convierte en la capital de su monarquía
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1562 Teresa de Jesús funda el primer convento de las Carmelitas Descalzas
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Debajo tenemos El éxtasis de santa Teresa, escultura terminada por Bernini en 1652
Vi a un ángel cabe mí hacia el lado izquierdo en forma corporal... No era grande, sino pequeño, hermoso mucho, el rostro tan encendido que parecía de los ángeles muy subidos, que parece todos se abrasan... Veíale en las manos un dardo de oro largo, y al fin del hierro me parecía tener un poco de fuego. Este me parecía meter por el corazón algunas veces y que me llegaba a las entrañas: al sacarle me parecía las llevaba consigo, y me dejaba toda abrasada en amor grande de Dios. Era tan grande el dolor que me hacía dar aquellos quejidos, y tan excesiva la suavidad que me pone este grandísimo dolor que no hay desear que se quite, ni se contenta el alma con menos que Dios. No es dolor corporal, sino espiritual, aunque no deja de participar el cuerpo algo, y aun harto. Es un requiebro tan suave que pasa entre el alma y Dios, que suplico yo a su bondad lo dé a gustar a quien pensare que miento... Los días que duraba esto andaba como embobada, no quisiera ver ni hablar, sino abrasarme con mi pena, que para mí era mayor gloria, que cuantas hayan tomado lo criado.
Vida. Capítulo 29.
1563 Inicio de la construcción del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (1563-1584). Encargo de Felipe II para celebrar la victoria de San Quintín, que sucedió el día de San Lorenzo. El edificio se convertirá en el lugar de entierro de todos los reyes de la monarquía hispánica hasta nuestros días (panteón real).
1564 Publicación del Tratado de cirugía de Ambroise Paré. Éste fue un médico que trabajó en los ejércitos franceses que lucharon en Italia y durante las Guerras de religión en su propio país. A través de la experiencia Paré desarrollo nuevos métodos de tratamiento o recuperó otros que se habían olvidado, como la ligadura de arterias en las heridas sustituyendo a la amputación o a la cauterización
1565 Fundación de San Agustín en Florida, la ciudad más antigua levantada por europeos en el actual territorio de los Estados Unidos de América. Los castellanos la construyeron para alejar a los piratas franceses de aquellas costas
1566 Rebelión de los Países Bajos (Flandes) contra su señor natural Felipe II a causa del establecimiento de impuestos sin contar con su opinión y de la persecución contra los calvinistas en esos territorios
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1567 Felipe II envía a Fernando Álvarez de Toledo, III duque de Alba, a reprimir la revuelta de los Países Bajos (Flandes)
1582 María de Austria, hija mayor de Carlos I, hermana de Felipe II y Juana de Austria, entra en el monasterio de las Descalzas Reales tras enviudar de Maximiliano II, su primo, que fue el emperador del Sacro Imperio Romano Germánico. Ambos habían tenido quince hijos, de los cuales sólo siete quedaban vivos en esa fecha.
1588 La Gran Armada o Armada Invencible fue una flota enviada por Felipe II con la misión de llevar al ejército hispánico, que luchaba en los Países Bajos contra los rebeldes calvinistas, a Inglaterra. El plan era que una vez allí derrocaría a Isabel I o la obligaría a dejar de apoyar a los rebeldes flamencos
La Gran Armada no pudo cumplir su misión de transportar el ejército de Flandes a Inglaterra a causa de los vientos y de las corrientes, y volvió a la península ibérica dando toda la vuelta a las islas británicas, perdiendo gran parte de sus barcos por el camino debido a las tormentas
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Tema 10: Arte Renacentista y Manierista.
1. Introducción.
El Renacimiento es un estilo artístico que nació en Italia en el siglo XV y que
se extendió por el resto de Europa durante el siglo XVI. En el caso italiano
distinguimos dos momentos: el Quattrocento, que corresponde con el siglo XV y
que se desarrolló principalmente en Florencia, y el Cinquecento que corresponde
con el siglo XVI y que tuvo su principal centro artístico en Roma.
Características del Renacimiento:
Se trata de un estilo que intentó recuperar la Antigüedad grecorromana. De
hecho, durante el Renacimiento comenzaron las primeras excavaciones
arqueológicas de la historia. Por ejemplo, a primeros del siglo XVI se encontró el
grupo del Laocoonte y sus hijos, sirviendo como motivos de inspiración a los
escultores del XVI.
De la Antigüedad se recuperan dos aspectos:
❖ En primer lugar, los valores espirituales, es decir, la cultura vuelve a ser
antropocentrista, a diferencia de los siglos medievales donde la cultura era
teocentrista. Por lo tanto, se vuelve la mirada hacia los estudios
humanísticos: la filosofía griega, las lenguas clásicas antiguas, la literatura
grecolatina, la política, el arte y la historia. En este momento se inventa la
imprenta. Todos estos estudios estimulan que las personas se conviertan en
ciudadanos, y que en la pintura y escultura vuelva el estudio del canon
humano, en definitiva, se desarrolle el Humanismo.
❖ En segundo lugar, se recuperan los valores formales, esto significa que a
través del arte antiguo se vuelven a reproducir elementos arquitectónicos y
plásticos de los estilos clásicos. Por esa razón veremos de nuevo la
perspectiva lineal y la proporción correcta y armoniosa de los edificios y
de la figura humana. Ya en el Gótico final (por ejemplo en la obra de
Giotto) vimos avances significativos en estas características, por lo que no
se trata ni mucho menos de una fractura con respecto a los siglos pasados.
En el Renacimiento el mecenazgo artístico se va a extender bastant
bastante,
destacando las figuras de los Médicis en Florencia en el s. XV, y el Papado en
Roma en el s. XVI. Además todas las familias de la nobleza, del clero y de alta
burguesía los van a imitar y, por tanto, los artistas van a tener una consideración
social mucho más alta que en la Edad Media, momento en el que fueron tratados
como artesanos.
2. Quattrocento italiano.
Es el periodo artístico que se desarrolló durante el siglo XV, el principal centro
artístico estuvo en Florencia y la familia que patrocinó ese resurgir cultural
fueron los Médicis.
2.1. Arquitectura: Nuestro estudio se va a centrar en dos artistas principales:
A) Brunelleschi.
La primera obra de Brunelleschi supuso el inicio del estilo renacentista: es la
Cúpula de la catedral de Santa Mª dei Fiore. Para la construcción de esta obra se
convocó un concurso de ideas, algo que va a ser muy típico del momento, este
concurso lo ganó Brunelleschi. Es una cúpula octogonal sobre tambor, el tambor
está decorado con una serie de óculos, exactamente iguales que los que hay en la
nave central del templo, consiguiendo que el conjunto sea uniforme. El material que
emplea es el mármol blanco de las canteras de Carrara, adornado con mármoles
verdes. Lo que es la cúpula propiamente dicha está realizada gracias a dos casquetes,
es decir, hay dos cúpulas: una interior y otra exterior entre las que hay un espacio
vacío, utilizado en nuestros días para acceder a la parte superior de la cúpula. Esta
originalidad consigue que sea ligera. La cúpula se sostiene por los nervios de mármol
blanco y a través de un entramado de madera que se encuentra en el interior. El
exterior está decorado con tejas de color rojo Siena. La cúpula está rematada con una
linterna blanca del mismo color que los nervios. Esta combinación de colores la hace
muy atractiva. Esta obra es la primera gran obra del Renacimiento italiano, porque
recupera un elemento de la Antigüedad: la cúpula, que no se construía desde Santa
Sofía de Constantinopla y el Panteón de Agripa de Roma.
Brunelleschi construyó otros edificios, los más destacados son:
La Basílica de San Lorenzo de Florencia. En ella vemos una clara influencia
de las basílicas romanas y paleocristianas, de hecho, se usan muchos elementos de la
Antigüedad clásica como las columnas de influencia clásica, el entablamento para
que el edificio resulte más elevado y para evitar la desproporción, los arcos de medio
punto, la techumbre plana de madera decorada con casetones y, en la zona del
crucero, se usa la cúpula sobre pechinas. Estos elementos se combinan con
innovaciones renacentistas, como son las cúpulas vaídas que cubren las naves
laterales. En definitiva, el resultado es un templo en el que destaca la proporción y el
equilibrio que dan una enorme armonía visual. La iglesia de San Lorenzo se
construyó para ser el Panteón de la familia de los Médicis y muchos de ellos están
enterrados en la Sacristía.
El Palacio Pitti. Este palacio, propiedad de los Médicis, tiene un aspecto
bastante rústico, ya que cuando se hizo se encontraba en el campo, es por eso que su
fachada está cubierta en su totalidad por un almohadillado. El edificio está dividido
en varios cuerpos separados con balaustradas y es muy horizontal, ya que a
diferencia de los edificios góticos no tiene ninguna una torre, por lo que la
verticalidad desaparece. Por último, la decoración es bastante pobre, limitándose a los
arcos de medio punto que coronan los balcones y ventanas, y los frontones
triangulares que adornan algunas ventanas. Está conectado a la Signoria de la ciudad
a través del corredor vasariano (su arquitecto fue Vasari), espacio que permitía a los
Médicis moverse de un palacio al otro sin tener que pisar la calle.
Otro edificio importante de Brunelleschi, típico del estilo renacentista, es la
capilla Pazzi.
B) Alberti.
Es el perfecto ejemplo de humanista del Renacimiento, ya que cultivó
muchísimos aspectos artísticos. Los más destacados son sus trabajos como arquitecto
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y como tratadista, faceta en la que destacan sus libros sobre arquitectura, siendo de
los primeros artistas que usan planos. Sus edificios más importantes son:
El Palacio Ruccelai. No es un edificio muy ostentoso y se encuentra dividido
en varios pisos. Al igual que el palacio Pitti es muy horizontal, ya que han
desaparecido las torres y los elementos verticales. La decoración es bastante sobria:
usa un almohadillado muy fino, vemos pilastras adosadas de orden toscano en el piso
inferior y de orden corintio en las demás (superposición de órdenes), cada piso está
separado por un arquitrabe o entablamento. Por último, un elemento propio del autor
son las llamadas ventanas albertinas, caracterizadas por tener dos hojas separadas por
una columna, cada hoja está coronada con un arco de medio punto, sobre ellos hay un
óculo y un arco de medio punto mayor que engloba toda la ventana.
El Templo Malatestiano de la ciudad de Rímini. En él vemos una clara
recuperación de la Antigüedad. El templo está sobre un podium y la fachada
recuerda a los antiguos arcos del triunfo. Los elementos decorativos son clásicos:
capiteles compuestos, arcos de medio punto, frontón y óculos. El interior tiene una
sola nave y capillas entre los contrafuertes.
La Fachada de la Iglesia de Santa Mª la Novella, es una iglesia gótica con
fachada renacentista, aunque mantiene el rosetón. La fachada está formada por dos
cuerpos rectangulares. En ellos aparecen elementos clásicos como las columnas, las
pilastras adosadas, los arcos de medio punto y el remate del frontón. Llaman la
atención las dos volutas que sirven para unir los dos cuerpos.
2.2. La escultura del Quattrocento
La escultura del Quattrocento es la síntesis entre la evolución de la escultura
gótica y la recuperación de la Antigüedad, en definitiva, se trata de una búsqueda de
lo natural y del realismo, en los que, se mezclan temas mitológicos y religiosos. Los
principales autores son:
A) Ghiberti:
A través de un concurso se le encargan las Segundas puertas del Baptisterio
de la Catedral de Florencia. Utiliza en ellas un diseño lobular, por lo que las
escenas son pequeñas y mantienen elementos que recuerdan al gótico. Una vez
realizadas estas puertas, se le encargan las terceras, llamadas Puertas del paraíso,
llamadas así por Miguel Ángel. Sus características principales son:
- Tienen un diseño diferente, ya que están divididas en grandes cuadrados de
bronce sobredorado.
- Las fuentes de inspiración son tanto la Antigüedad clásica como la naturaleza.
- La temática es religiosa: se representan escenas del Antiguo Testamento
aunque el aspecto de los personajes es de la época grecolatina.
- A nivel técnico, vemos que se representa tanto la perspectiva lineal, como la
profundidad, usándose fondos paisajísticos y arquitectónicos.
En estas puertas colaboró un artista que estaba empezando, Donatello, que es el
responsable de detalles como el relieve de los árboles, tan delicado que parecen
pinturas. A esta técnica de relieve con un resalte tan leve se le llama schiacciato.
B) Donatello:
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Es el escultor más completo del Quattrocento. Trabajó con todos los materiales
y con diferentes técnicas, fue un escultor muy imaginativo e hizo esculturas de bulto
redondo, ecuestres, tumbas, altares, púlpitos y cantorías, destacando en todas una
gran profundidad psicológica en los personajes.
Evolución escultórica de Donatello:
En la primera fase trabaja en Florencia como discípulo de Ghiberti. Tras su
periodo de formación comienza a realizar esculturas de bulto redondo para decorar
fachadas de edificios. Algunos ejemplos son: el Profeta Habacuc (el Zuccone), que
se encuentra en el campanario de la catedral de Florencia, y San Marcos o San
Jorge, que se encuentran en la fachada de la iglesia de Or San Michelle. Todas ellas
presentan un tratado de paños que recuerdan a la Antigüedad, una pierna adelantada
similar al contraposto clásico y el estudio psicológico del rostro buscando la
naturalidad y el realismo.
En la segunda etapa comienza a trabajar con Michelozzo. Donatello comienza
a trabajar diferentes tipologías escultóricas, comienza a realizar tumbas y púlpitos,
como el Púlpito de la catedral del Prato o algunos púlpitos callejeros dedicados a
las Órdenes Mendicantes.
En su tercera etapa, Donatello vuelve a trabajar en solitario y realiza la
Cantoría de la catedral de Florencia. Además de esta obra realiza el David. Se
trata de una escultura realizada en bronce, que retrata un tema del Antiguo
Testamento representado como un tema mitológico, puesto que aparece desnudo.
Recuerda mucho a la Antigüedad griega, con sus mismas características, el estudio
del canon y un toque lírico y poético muy delicado. Sobre su cabeza tiene un
sombrero típico de los campesinos toscanos, lo que le da un toque de realismo al
representarlo como los personajes del momento.
La cuarta etapa: Tras la escultura del David, Donatello se convierte en un
artista muy cotizado. Se traslada a la ciudad de Padua, donde realiza la Escultura del
Condotiero Gattamelata (los condotieros son militares del momento). La obra está
realizada en bronce y recuerda a la de Marco Aurelio de Roma, lo que nos muestra
que los militares empiezan a representarse como los antiguos emperadores romanos,
ya que esa tipología les da un claro símbolo de poder.
Una vez que Donatello realiza esta escultura sufre una crisis religiosa y vuelve
a Florencia. Allí realiza su última gran obra: la Magdalena Penitente, escultura de
bronce y de aspecto inacabado que transmite un gran misticismo y espiritualidad.
2.3. La Pintura del Quattrocento
Los pintores del Renacimiento tratan de encontrar la representación de lo natural,
aunque de una forma idealizada. De hecho, este objetivo nos recuerda bastante a la
cultura griega. Para ello, se desarrollan los estudios sobre la perspectiva, que va a ser
perspectiva lineal, y se estudia el volumen de los cuerpos, la luz y el color. Es decir,
se empieza a iluminar los cuadros con la luz natural o artificial (aparición de velas en
los cuadros), naciendo así el claroscuro. Nuestro estudio se va a centrar en los
siguientes autores:
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A) Fra Angélico: Es un religioso que tiene un estilo artístico puente entre las tablas
del gótico del Trecento italiano y el nuevo estilo renacentista. De hecho, la técnica
que emplea es la pintura al temple sobre tabla, que es la misma que se había
empleado en el Trecento de Siena. Fundamentalmente realiza temas religiosos, y
en ellos destaca la minuciosidad en la ejecución de las obras. También es muy
típico el uso de fondos arquitectónicos góticos, que les sirven al autor para
desarrollar la perspectiva lineal. Sus obras principales son:
La Coronación de la Virgen: Tema religioso en el que aparece la Virgen
coronada por Cristo rodeada por muchos personajes de la época (religiosos y de la
burguesía), que son los donantes.
La Anunciación: Obra religiosa muy del gusto del momento en el que vemos
a los personajes principales (la Virgen y el ángel) enmarcados en un fondo
arquitectónico gótico y renacentista. Vemos un banco en diagonal que le sirve al
autor para desarrollar la perspectiva lineal. Otros detalles son la presencia de un rayo
de luz y de un fondo paisajístico muy minucioso en el que se encuentran los
personajes de Adán y Eva en el momento en el que son expulsados del paraíso (por lo
tanto en el cuadro se representa el pecado original y el momento en el que Dios es
concebido para salvarnos de él). El haz de luz es muy artificial por ser el primero que
introduce la luz natural en un cuadro, la minuciosidad del paisaje recuerda a las tablas
góticas flamencas.
El Descendimiento de la Cruz: De nuevo se trata de una temática religiosa
enmarcada en un fondo paisajístico y arquitectónico muy minucioso. Vemos el
detallismo, la representación de personajes de la época y la utilización de la
perspectiva lineal.
B) Masaccio: Es un pintor en el que lo más destacado es el estudio del volumen,
del color y de la perspectiva lineal. Sus obras principales son:
El Tributo de la Moneda: Se trata de un mural al fresco en el que aparecen
tres escenas. En el centro está Cristo indicando a Pedro donde puede encontrar el
dinero para tributarlo a los romanos. En un extremo vemos a San Pedro cogiendo el
dinero del interior de un pez. Y en el otro extremo aparece pagando a los romanos. Se
observa que el aspecto de los personajes es clásico, ya que van vestidos como en la
Antigüedad grecorromana. El fondo es paisajístico. Destaca en Masaccio la riqueza
de los colores y del volumen de los cuerpos.
La Trinidad: Pintura mural al fresco cuyo tema central es la representación
delas tres personas de Dios (Dios padre, Hijo y Espíritu Santo). A los pies de la cruz
se encuentran la Virgen y San Juan y, por último, aparecen los donantes. El fondo
que se ha usado es arquitectura fingida, típicamente clásica, con un gran arco de
medio punto que sirve como arco de triunfo, las columnas de orden jónico, pilastras
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corintias y dos medallones. En el fondo se observa también una bóveda de cañón con
casetones.
C) Piero della Francesca: Este autor es similar a Masaccio, ya que es un artista
preocupado por la representación del volumen, la luz y la perspectiva lineal. La
técnica que utiliza es pintura mural al fresco. Su mejor ejemplo es el conjunto de
pinturas sobre la Historia de la Veracruz, siendo algunas de ellas El sueño de
Constantino o La batalla de Constantino, donde el movimiento está muy bien
representado gracias a las lanzas y a la representación de los caballos en escorzo.
En ellos se puede observar el volumen y el claroscuro. Utiliza un ligero fondo
paisajístico.
D) Andrea Mantegna: Su obra principal, El Cristo muerto o yacente, es un tema
religioso que destaca por su dramatismo, y por el estudio del volumen. En la obra
también aparece la perspectiva lineal, por la que se observa una clara profundidad
en la obra. Para terminar la descripción, vemos que las mujeres que acompañan a
Cristo son mayores, por lo que muestra un gran naturalismo y realismo,
representando incluso las arrugas de la cara.
E) Sandro Botticelli: Es el pintor más joven del Quattrocento, siendo contemporáneo
del Cinquecento. Destaca por el uso de la línea ondulada y sensual y por la
preeminencia del dibujo. A nivel temático destacan los cuadros mitológicos,
aunque esconden alegorías relacionadas con la filosofía y la religión. Sus obras
principales son:
El Nacimiento de Venus: Es una obra realizada al temple sobre lienzo. Se
trata de una composición triangular en cuyo centro se observa a la diosa Venus sobre
una concha, que está siendo traída a la orilla por los soplos de Céfiro y la ninfa
Cloris. Alrededor de la diosa se observan flores, ya que Venus nace durante la
primavera. Junto a ella se encuentra la imagen de la Primavera, recogiendo a la diosa.
Por último, cabe señalar que esta obra en apariencia de carácter mitológico, esconde
una alegoría relacionada con la fecundidad, la belleza y el amor platónico.
La Primavera: Este cuadro realizado el temple sobre tabla de aspecto
mitológico, también esconde una alegoría, en concreto del amor espiritual y del amor
carnal. En un extremo vemos a Céfiro, que está tomando a la ninfa Cloris, y de esta
unión (amor carnal) surge la primavera. Este personaje es el que da nombre al cuadro,
pero no se encuentra en el centro. En ese lugar está la figura de Venus, diosa del
amor. Sobre Venus se encuentra Cupido que envía sus flechas a una de las Tres
Gracias, Castitas (la virgen), que aparece mirando a Mercurio (amor platónico).
Mercurio aparece mirando hacia los dioses.
Por la disposición de los personajes, se trata de una composición en la que el
amor carnal va desde el cielo a la tierra, mientras que el amor platónico va desde la
tierra hacia el cielo.
3. El Cinquecento
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En el Cinquecento el centro de producción artístico se traslada a Roma, donde
los Papas se convierten en los principales mecenas y se corresponde con el siglo
XVI, sobre todo, con las primeras décadas, ya que a partir de ahí empieza una fase
que llamamos Manierismo.
En las primeras décadas, el Papa Julio II decide relanzar el papel político y
cultural de los Estados Pontificios, conquistando territorios, promocionando las obras
de arte y construyendo la moderna Basílica de San Pedro del Vaticano. Otro Papa
importante es León X, que impulsó el desarrollo de la arqueología, rescatando
algunas piezas como la Domus Aúrea y el Laocoonte y sus hijos. En 1527 se produjo
el saqueo de Roma por los ejércitos de Carlos V y, seguidamente, se desarrolló la
Reforma protestante, comenzando a nivel artístico el periodo del Manierismo.
3.1. Arquitectura.
❖ Bramante:
Es el primer gran arquitecto del Cinquecento. Su primera obra importante es el
Templete de San Pietro in Montorio. La obra estuvo costeada por los Reyes
Católicos y se construyó en el lugar donde fue martirizado San Pedro. El templete
tiene forma circular, está coronado por una cúpula pequeña con una linterna, es de
orden toscano, el friso está dividido en triglifos y metopas y sobre él se encuentra la
cornisa. Aparece un elemento nuevo típico del Renacimiento: la balaustrada.
En segundo lugar, el Papado le encargó la construcción de la nueva Basílica en
San Pedro del Vaticano. Bramante diseñó el nuevo templo con una planta de cruz
griega inscrita en un cuadrado, tomando como modelo la basílica de Santa Sofía de
Constantinopla. En el centro de esta planta diseñó una cúpula que recordaba a Santa
Sofía. Bramante comenzó la obra pero murió con la obra recién iniciada.
A su muerte se le encargó la obra a Rafael. Éste cambió el proyecto por un
edificio de planta de cruz latina. Prácticamente no llevó nada a cabo porque murió y
se encargó la obra a Sangallo que recupera el proyecto de Bramante, pero también
murió de forma temprana y las obras pasaron a Miguel Ángel.
❖ Miguel Ángel:
Es uno de los grandes genios del Renacimiento italiano, que como otros
artistas, fue escultor, arquitecto y pintor, aunque se le reconoce más como escultor.
Miguel Ángel es el que recoge el proyecto de la Basílica de San Pedro y
manteniendo básicamente el proyecto de Bramante, planta de cruz griega inscrita en
un cuadrado, añade las siguientes modificaciones:
- Sólo le va a colocar un pórtico principal, que se encontrara frente al altar mayor.
- La cúpula va a ser una cúpula nervada sobre tambor, muy esbelta y con una linterna,
que recuerda a la de Florencia más que a Santa Sofía. Dicha cúpula va a suponer un
símbolo del poder del Papado.
Las obras no terminaron con Miguel Ángel. A su muerte, los Papas ordenaron
que la Basílica tuviese forma de cruz latina, siguiendo la tradición romana, dicha obra
junto a la fachada, la realizó en el siglo XVII Carlo Maderno. Finalmente, Bernini,
ya bajo el estilo Barroco, contruyó la plaza de San Pedro y elementos decorativos
interiores como el Baldaquino.
Otras obras destacadas de Miguel Ángel son:
La tumba de los Médicis que se encuentra en la Sacristía Nueva de la iglesia
de San Lorenzo de Florencia.
La escalera de la Biblioteca Laurenciana. En ella el Renacimiento puro ha
desaparecido, iniciándose el estilo manierista. El Manierismo va a ser un estilo que
se desarrolló en el segundo tercio del siglo XVI y que se caracteriza por la ruptura del
equilibrio, de la proporción y de la serenidad. Miguel Ángel fue el creador de este
estilo y será seguido por muchos artistas que van a continuarlo.
❖ Andrea Palladio:
Es un arquitecto que centra su labor en la región de Venecia. Allí construye sus
principales edificios:
La Villa Capra, conocida como la Rotonda, es un edificio cuadrado con cuatro
pórticos de entrada de orden jónico que recuerdan al Panteón de Agripa. Cada uno
está presidido por una escalinata y en el centro del edificio existe una cúpula. Este
modelo de vivienda va a ser para gente poderosa y se puso de moda en la Italia del
momento. Otros elementos clásicos son el frontón triangular y el podium. Por último,
hay que decir que este modelo de villa se exportó a Gran Bretaña en el s. XVIII
(época neoclásica), y desde allí pasó a EEUU, donde las grandes mansiones siguen
este ejemplo.
El teatro olímpico de Vicenza, es un edificio a la forma romana, aunque está
cubierto por un techo en el que hay dibujado un falso cielo. Utiliza elementos
arquitectónicos clásicos como columnas corintias, frontones triangulares y curvos y
esculturas inspiradas en la Antigüedad.
La Iglesia de San Giorgio de Venecia. En ella destaca la cúpula que corona el
crucero y el uso en la fachada del orden gigante, es decir, columnas que son mayores
a la altura de un piso. Esta novedad está rompiendo el clasicismo, el equilibrio y la
proporción, por lo que el edificio tiene claros toques manieristas. La fachada está
rematada con un doble frontón, uno roto y otro que corona el edificio, por lo que este
aspecto también rompe con el equilibrio clásico. Palladio introduce el tramo rítmico,
que consiste en combinar en un mismo edificio el arco y el arquitrabe. Estas mismas
características se aprecian en la basílica de Vicenza.
3.2. La Escultura.
En el Cinquecento italiano destaca la figura de Miguel Ángel. Se trata de un
artista muy completo, pero él es sobre todo escultor, de hecho, en todas sus obras
veremos un toque muy escultórico. En Florencia desarrolla su etapa de aprendizaje,
su maestro fue Donatello, del cual aprenderá muchas técnicas.
Una de las obras del periodo florentino es La Virgen de la Escalera, escultura
en relieve en la que se ve la influencia de los efectos pictóricos de Donatello
claramente. En ella aparecen diferentes planos de profundidad.
Tras su aprendizaje, Miguel Ángel se va a Roma y recibe el encargo de realizar
una escultura para el Vaticano, La Piedad. Es una escultura realizada en mármol de
Carrara claramente renacentista. Se trata de una composición triangular, serena y
equilibrada en la que el rostro de la Virgen es el rostro de una niña. Por esta razón,
Miguel ángel fue criticado, a lo cual él mismo sentenció que lo realizó así porque el
amor maternal es siempre joven. Esta obra tiene la serenidad propia del clasicismo
más pleno.
Poco después vuelve a su ciudad y realiza El David. Es una inmensa escultura
que se realizó con un inmenso bloque de mármol de Carrara. La escultura retrata un
tema religioso, pero tratado como una escultura inspirada en la Antigüedad griega. Es
un desnudo que representa una alegoría del buen gobierno y la razón (de ahí la actitud
reflexiva de la obra), por eso se colocó delante del palacio de la Signoria.
Actualmente el original está en la Academia de Bellas Artes de Florencia. A nivel
técnico vemos el estudio anatómico de un adolescente, características que recuerdan
al mundo griego antiguo. Hay dos cuestiones que han creado polémica: la expresión
serena del rostro y cierta desproporción en las manos. Esto nos indica que en algunos
detalles de la obra vemos cierto Manierismo.
Seguidamente, Miguel Ángel recibe el encargo de hacer la tumba del papa
Julio II. Se concibió como un conjunto inmenso que no llegó a terminarse porque el
Papa murió.
La pieza más importante de este sepulcro es el Moisés. Se le representa en un
momento de tensión, ya que ve como su pueblo está adorando un becerro de oro,
mientras él ha recibido de Dios las tablas de la ley. Se observa un gran movimiento
en el tratamiento de la barba y la musculatura se encuentra en tensión. Esta obra es
manierista porque rompe con el equilibrio y la serenidad del Renacimiento. A esta
tensión que aparece en las obras de Miguel Ángel se le llama Terribilitá.
Otras esculturas de este proyecto son las de los Esclavos, en ellos vemos unas
formas inacabadas que son como brochazos de una materia que no ha terminado de
formarse. Cabe recordar que Donatello en su Magdalena Penitente, ya plasmó esta
idea. Posteriormente, en el XIX, el Impresionismo y Rodin ahondarán en esta idea.
Miguel Ángel hizo una tumba completa, las tumbas de los Médicis, que se
encuentran en la iglesia de San Lorenzo de Florencia. Una de ellas es la de Giuliano,
que representa la vida activa. Bajo su escultura se encuentran las alegorías de la
noche y del día, en las que se observa la nombrada terribilitá. El otro sepulcro es el de
Lorenzo, que representa la vida contemplativa, por eso la escultura esta en un
momento de reflexión. Junto a esta escultura se encuentran las alegorías de la aurora
y del crepúsculo. En definitiva, en la obra se han usado esas alegorías para retratar la
psicología de los personajes representados.
Por último, realizó las piedades Rondanini y Palestrina. Son esculturas muy
manieristas, con formas alargadas, en las que se ha perdido la terribilitá y la plenitud
clásica. Al igual que en los Esclavos, son esculturas de aspecto inacabado, si bien
transmiten un sentimiento pleno.
3.3. La Pintura.
❖ Leonardo da Vinci:
Al igual que muchos artistas del Renacimiento, cultivó muchas artes, siendo la
pintura la más destacada. Leonardo era florentino y empezó trabajando en el taller de
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Verrocchio. Una de sus obras de formación firmada por el Verrocchio pero en la que
colaboró Leonardo, fue El Bautismo de Cristo. En ella vemos la estela del
Quattrocento y la línea curva creada por Botticelli. También se mantiene la
perspectiva lineal y el fondo paisajístico.
Otra obra similar es La Anunciación. Es una obra que mantiene la perspectiva
lineal y el fondo paisajístico y arquitectónico.
Esta etapa de aprendizaje finaliza con La Virgen de las Rocas. Es una obra
religiosa que se encuentra en el Museo del Louvre de París, realizada al óleo sobre
lienzo, técnica que se va a generalizar en adelante y que consigue una obra con
colores más difuminados. La composición tiene forma triangular o piramidal, muy
típica del Renacimiento, que crea sensación de serenidad. Se representa a la Virgen
con su hijo, San Juanito y en ángel Uriel. Estos personajes están relacionados con
gestos: el ángel señala al niño Jesús, los niños se bendicen mutuamente y la Virgen
tiene una mano sobre su hijo y la otra protegiendo al otro. Leonardo crea el sfumato,
una pintura muy difuminada sin contornos previos que da lugar al claroscuro y a una
gran dulzura de formas. El estudio anatómico es muy meticuloso, centrándose
incluso en la piel, las venas y las manos. Por último, en el fondo se aprecia un
espacio rocoso con apariencia irreal. Existe una segunda versión del tema que se
encuentra en la National Gallery de Londres de la que se duda su autenticidad y que
está realizada al óleo sobre tabla.
Otra obra muy conocida es La Última Cena. Es una pintura mural sobre yeso
en la que se combina la pintura al temple y al óleo para pintar de una forma más
pausada. Esa es una de las razones por la que el estado de conservación de la obra es
malo. Se representa el momento en el que Cristo anuncia que uno de los apóstoles lo
va a entregar, agrupándose los apóstoles de tres en tres, por lo que se mantiene el
equilibrio. Delante de ellos se coloca la mesa y detrás un fondo paisajístico y
arquitectónico muy renacentista.
Después de esta obra realiza Santa Ana, la Virgen y el Niño, donde representa
un tema religioso que simboliza las tres generaciones de la familia.
Por último, Leonardo realiza al óleo sobre tabla de álamo el retrato de La
Monna Lisa o la Gioconda. Se representa a una mujer de identidad desconocida, si
bien lo más probable es que se trate de la esposa de Francesco del Giocondo (Lisa
Gherardini). Las características técnicas son las típicas de Leonardo: el sfumato y el
claroscuro que usa Leonardo para hacer la cara y el tratamiento de las manos y de la
piel en general. Uno de los aspectos más conocidos de la obra es la llamada sonrisa
enigmática, es decir, la expresión de la mujer de la cual no podemos concluir si
parece sonreír o si es una sonrisa llena de amargura El fondo es muy irreal y
fantástico.
❖ Rafael Sanzio:
Es uno de los grandes pintores del Cinquecento a pesar de que murió joven. Su
prematura y llamativa muerte provocó que su obra sea corta. Como todos los artistas
el Renacimiento cultivó muchas facetas, siendo la principal la de pintor. Nació y se
formó en la ciudad de Urbino, aunque sus primeras obras de importancia se
realizaron en Florencia donde recibió las influencias de Leonardo y Miguel Ángel.
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En Florencia realiza varias pinturas de Madonnas, que son obras religiosas de
la Virgen que aparece representada con el Niño Jesús. Una de ellas es la Madonna
del Gran Duque. En ella se observan influencias de Leonardo como la pintura
difuminada (sfumato) y el claroscuro. Se trata de un tema muy dulce y tierno,
donde la composición tiene forma triangular o piramidal. Otra Madonna es la Virgen
del Jilguero, acompañada por el niño y San Juanito. Las características son muy
parecidas a la anterior, con la ya comentada influencia leonardesca.
Tras estas obras, Rafael viaja a Roma y trabaja al servicio de los Papas. Realiza
retratos de los papas Julio II y León X y de otros personajes del Vaticano como El
Cardenal. Es un retrato de medio cuerpo sobre un fondo neutro de un cardenal de la
corte papal de Julio II en el que destaca el estudio de las texturas, de las telas y el
claroscuro presente en todo el rostro. Además estudió la profundidad psicológica
del personaje, captando la astucia en la mirada del retratado.
Además de retratos, realiza grandes pinturas al fresco en la Cámara de la
Signatura de los palacios vaticanos. Allí, hay varias pinturas al fresco como La
Escuela de Atenas. En ella vemos que ha desaparecido la influencia leonardesca y
gana la manierista de Miguel Ángel. Vemos una pintura más compleja, con más
personajes y fondos arquitectónicos clásicos. El tema representado es la disputa entre
Aristóteles y Platón, es decir, entre el mundo de la ideas de Platón (por eso él aparece
señalando al cielo) y el materialismo de Aristóteles (que señala a la tierra). La escena
se enmarca y se adapta a un gran conjunto arquitectónico.
Otra de sus obras es El Incendio del Borgo donde se aprecia y destaca el
estudio de la musculatura, lo que nos refleja la importancia del cuerpo y del estudio
anatómico, por eso decimos que se empieza a perder la influencia de Leonardo y
crece la manierista de Miguel Ángel (la terribilitá). Por último, La disputa del Santo
Sacramento tiene características similares y representa un tema religioso en el cual
se glorifica la Eucaristía.
Además de trabajar para el Papado, también realiza pinturas al fresco en la
Villa Farnesina. Son pinturas mitológicas de gran fuerza física como El triunfo de
Galatea.
❖ Miguel Ángel:
Es un artista florentino, que como hemos visto anteriormente, cultivó muchas
facetas artísticas, destacando sobre todo en la escultura. Por esa razón, en su pintura
es importante el estudio anatómico y la fuerza escultórica de sus personajes.
Su primera pintura realizada en Florencia es el Tondo Doni, es una obra
circular donde aparecen representados la Sagrada Familia, es decir, la Virgen, San
José y el Niño. La composición es muy original, ofreciendo unas posturas muy
forzadas en las que el equilibrio, la proporción y la serenidad han desaparecido, por
lo que el Manierismo propio de Miguel Ángel se muestra de forma clara. En
segundo lugar, destaca el aspecto escultórico de los cuerpos y, por último, vemos un
fondo con figuras mitológicas desnudas. Hay que señalar que poco antes se había
descubierto el conjunto del Laooconte y sus hijos, por lo que la fuerza de esa obra
influye en Miguel Ángel.
Tras esta obra, realiza unas pinturas sobre cartones para tapices, entre las
que destaca La batalla de Cascina, donde es evidente el estudio anatómico y la
terribilitá típica de Miguel Ángel. Eran obras preparatorias para un trabajo que,
finalmente, no se realizó. Posteriormente, viaja a Roma y entra al servicio de los
Papas, donde realizó las pinturas de la Capilla Sixtina.
La Capilla Sixtina es una sala adosada a la basílica de San Pedro del
Vaticano, en la que se realiza actos como la elección de los Papas. Miguel Ángel se
encarga de la decoración de dos espacios:
Las bóvedas: En ellas representa el ciclo de la creación del mundo desde la
creación hasta la expulsión del paraíso. A los lados de las pinturas principales se
encuentran, entre otras, imágenes de los profetas del Antiguo Testamento, de las
sibilas de la mitología griega y, en los lunetos laterales, los antepasados de Cristo. La
escena más conocida es La Creación de Adán. Se observa la cuadratura, que
consiste en la creación de una arquitectura fingida que sirve para enmarcar las
imágenes, así como el estudio anatómico de los personajes (son unos cuerpos muy
escultóricos en los que es más importante el dibujo que el color). En su pintura se
mantiene, al igual que en su escultura, la tensión muscular o terribilità.
En la zona del altar mayor existe un grandísimo mural al fresco donde se
representa El Juicio Final. En él vemos a Cristo en el centro con una gran tensión
condenando a los pecadores. Las características manieristas de movimiento y tensión
son claras y se encuentran en toda la obra. Cristo está rodeado por santos y mártires,
destacando algunos como San Pedro y las llaves del paraíso y San Lorenzo o San
Bartolomé portando los símbolos de su martirio. En la parte inferior vemos a los
condenados al infierno sobre barcas, por lo que se combina la escena bíblica con la
mitología griega y su barca de Caronte. Destaca el estudio anatómico de los desnudos
o los colores tan vivos e intensos. Posteriormente, se cubrieron todos los desnudos
con paños, aunque después se restauraron algunas imágenes quitándoles los añadidos.
Aparte de esta obra, Miguel Ángel realizó con características similares la
Capilla Paolina.
3.4. La Pintura Veneciana.
Se realiza en el siglo XVI, por lo que coincide con el Cinquecento y se centra
en la ciudad de Venecia y su región.
Las características de estas obras son:
- Se trata de obras de gran formato donde vemos composiciones complejas en las
que aparecen muchos personajes.
- Los colores suelen ser cálidos y sugerentes (destaca el rojo y el dorado).
- Aparecen ricas telas y ambientes refinados que muestran la riqueza de Venecia.
- El clasicismo ha desaparecido y se utiliza la diagonal y el escorzo.
- Los temas representados son muy variados: temas mitológicos, desnudos o
retratos. Suelen ser ambientes muy liberales, ya que en esta ciudad la Iglesia no
tuvo gran peso.
- Todos estos cuadros eran encargos para la nobleza y la rica burguesía local.
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Algunos pintores son Veronés y Tintoretto, aunque de todos los pintores de la
escuela veneciana, el más conocido es Tiziano. Se formó en el taller de Giorgione y
realizó varios tipos de temas:
- Obras religiosas. Fueron muy pocas, un ejemplo es La Asunción de la Virgen.
- Retratos. El más conocido fue El retrato del emperador Carlos V. Es un retrato
ecuestre del emperador para el cual trabajó, en esta obra se le representa en la
batalla de Mülberg como un militar que recuerda a los Condotieros.
- La temática mitológica. Es la más cultivada y en ella abundan los desnudos
femeninos. La Venus de Urbino es un tema mitológico en el que aparece la diosa
del amor, con un aspecto muy atrevido en su pose. Aparecen texturas
especialmente ricas, como si fuera una cortesana. En el fondo aparecen varias
mujeres representadas en su vida cotidiana, como si fueran sirvientes. Esta obra
fue el modelo más remoto de las pinturas de desnudos femeninos posteriores.
Otras obras mitológicas son Flora, Dánae o La bacanal, representadas con la
sensualidad apropiada a la estética veneciana.
4. El Renacimiento en España.
El Renacimiento en España se desarrolló durante el siglo XVI. Su origen hay
que situarlo en las relaciones que existieron en ese momento entre España e Italia,
de hecho, muchos artistas españoles viajaron a Italia para su formación y volvieron
a España con ese aprendizaje. Del mismo modo, muchos artistas italianos vivieron a
España para trabajar al servicio de la Corona.
4.1. Arquitectura española:
Podemos dividir el estilo en los siguientes periodos:
❖ El Plateresco:
Se caracteriza por la superposición de fachadas decoradas con motivos
renacentistas sobre edificios góticos. Esta decoración se asemeja a la labor de los
plateros u orfebres, de ahí procede el nombre del estilo. La decoración se basa en
escudos heráldicos, grutescos (pequeña decoración menuda y vegetal), veneras,
medallones, animales fantásticos, etc. Los edificios donde aparecen pueden ser
iglesias, catedrales, palacios o edificios civiles, como universidades o ayuntamientos.
Los principales ejemplos son:
- Casa de las Conchas: Es un palacio nobiliario con un patio en el que se
combina lo gótico con lo renacentista. En la fachada se observan los detalles
platerescos (las conchas y un escudo heráldico).
- Fachada de la Universidad de Salamanca: La fachada se ejecuta como un
retablo o un estandarte dividido en cuerpos con una gran riqueza decorativa.
Los remates son pináculos góticos por lo que no vemos una clara ruptura
entre los dos periodos.
- Ayuntamiento de Sevilla: Es una obra de Diego de Riaño que tiene una
fachada plateresca y otra absolutamente renacentista. En la fachada
plateresca aparece el escudo heráldico de la ciudad, decoración de grutescos
y pilastras adosadas. Es un ejemplo de transición a la siguiente fase, ya que
los elementos renacentistas comienzan a pasar al interior del edificio.
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- Fachada de la Universidad de Alcalá de Henares: Obra de Rodrigo Gil
de Hontañón. Es otro edificio de transición al Renacimiento pleno, ya que
se observa que la decoración va decayendo, mientras que los elementos
arquitectónicos empiezan a ser típicamente renacentistas. Se incorpora el
frontón, la superposición de órdenes y los arcos de medio punto, aunque
quedan elementos góticos, como los pináculos.
- Palacio de Monterrey: Se trata de una construcción civil que presenta
decoración plateresca como el escudo heráldico en el chaflán.
❖ La Fase Romanista:
La llamamos romanista debido a que se incorporan las características típicas
del Renacimiento italiano en la totalidad del edificio.
El primer artista de este momento es Diego de Siloé. Este arquitecto tras su
aprendizaje en Italia, regresa a Granada y realiza dos iglesias:
La Iglesia y el Monasterio de los Jerónimos, que presenta características
absolutamente renacentistas tanto en la fachada como en su interior.
La Iglesia de San Gil y de Santa Ana, que presenta una fachada renacentista
con toques mudéjares (estilo muy apreciado en Andalucía) y un interior donde se
mezclan también ambos estilos.
Tras la construcción de estas iglesias, recibe el encargo de construir la
Catedral de Granada. Las obras comenzaron sobre unos planos que existían desde
la época gótica, por lo que la planta es de salón, con una cabecera muy desarrollada,
cinco naves y doble girola. A esta catedral de trazado gótico, Siloé le da un sello
personal en su construcción típicamente renacentista:
● El presbiterio tiene forma circular, ya que el artista lo proyectó para albergar el
sepulcro de Carlos I. Él encargó que tuviese esa forma porque recordaba al
Santo Sepulcro de Jerusalén.
● En las naves se observan que los soportes son especialmente originales: Sobre
las columnas clásicas se coloca un trozo de entablamento para que los soportes
sean más altos.
● Las bóvedas son vaídas, la cúpula que corona el presbiterio es típicamente
renacentista y no tiene coro en el centro de la nave principal. Por último, el
material usado es piedra blanca.
Una vez que concluye, le encargan la Catedral de Málaga y la de Guadix. En
ambas se mantiene el modelo granadino con modificaciones: uso de bóvedas vaídas
ricamente decoradas, tres naves, una girola, presbiterio semicircular y uso de los
entablamentos sobre las columnas. La Catedral malagueña recibe el nombre de Santa
María de la Encarnación, y fue construida entre el siglo XVI (su cabecera) y el siglo
XVIII (el resto), aunque quedó inconclusa.
El segundo artista es Andrés de Vandelvira. Sus principales obras son: la
Catedral de Jaén, que se caracteriza por sus elementos claramente renacentistas
tanto en la fachada (órdenes clásicos, hornacinas, arcos de medio punto, frontones
triangulares, balaustrada), como en el interior (cúpula sobre tambor y pechinas y uso
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del entablamento sobre las columnas). Otra obra suya es Iglesia del Salvador de
Úbeda, planificada por Siloé pero construida por Vandelvira.
❖ La Fase Purista:
En este momento, la decoración ha desaparecido y ha dado lugar a unas
construcciones muy austeras. Los edificios de esta fase son palacios dedicados a los
reyes españoles de la dinastía de los Austrias.
Los principales ejemplos son:
El Palacio de Carlos V de Granada: Fue construido por Pedro Machuca, arquitecto
que se había formado en Italia. Tiene planta cuadrada y en su centro un enorme patio
circular porticado en torno al cual se encuentra las dependencias. La fachada está
formada por dos pisos y en ella vemos elementos renacentistas como el
almohadillado, óculos, columnas jónicas y corintias, frontones y arcos de medio
punto. El patio es muy austero, en los pórticos se usa la superposición de órdenes
toscano y jónico.
El Monasterio de San Lorenzo del Escorial: Los arquitectos fueron Juan Bautista
de Toledo y Juan de Herrera y fue mandado construir por Felipe II. Sirve como
palacio, monasterio y panteón real. Actualmente, los frailes jerónimos son los
encargados de custodiar el panteón. La planta tiene forma de parrilla, instrumento que
se usó para martirizar a San Lorenzo, y fue construido para conmemorar la batalla de
San Quintín sobre Francia. Destaca su gran austeridad y la falta de decoración.
El Patio de los Reyes da acceso a la basílica de San Lorenzo, puramente
renacentista y totalmente desnuda de decoración. La fachada tiene un frontón,
esculturas y arcos de medio punto en la entrada, columnas de orden toscano y dos
torres. Uno de los escasos elementos decorativos es el uso de bolas en los remates de
los tejados del edificio. El altar está muy elevado, ya que se encuentra sobre el
panteón, la planta de la basílica es de cruz latina, tiene una cúpula sobre pechinas en
el crucero, bóvedas de cañón y un ambiente muy austero.
4.2. Escultura española:
La escultura española es muy manierista, lo que quiere decir que se representa
mucho el movimiento, la expresión y los sentimientos. Se realiza fundamentalmente
imaginería, es decir, esculturas que sirven para establecer comunicación con la
divinidad y para reverenciar esas imágenes.
Las características esenciales son:
❖ El expresionismo o exageración de las formas y el dolor.
❖ El uso del mármol, la piedra y la madera policromada.
❖ La utilización de técnicas como el encarnado y el estofado.
❖ Los tipos de escultura que se realizan van a ser retablos escultóricos,
sillerías de coros y pasos procesionales.
Los principales escultores del momento fueron:
● Alonso Berruguete. Es un artista español que empezó a formarse en
Italia. Allí aprendió todas las artes y cuando volvió a España hizo varias pinturas para
el rey Carlos I. Sus obras no gustaron y derivó su labor artística hacia la escultura.
Formó un taller en Valladolid que se ocupó fundamentalmente de construir
retablos. El más importante fue el de San Benito el Real de Valladolid. Algunos
temas representados en él son el sacrificio de Isaac, donde representa a Abraham en
el momento de ejecutar la acción. Esta obra es claramente manierista tanto en la
expresión de dolor, como en el manierismo del canon, ya que el alargamiento de las
figuras rompe con el equilibrio y la proporción clásica renacentista. Otra imagen del
retablo es la de San Sebastián, en la que también se observa el alargamiento del
canon para adaptarse al marco.
Además de este retablo, realizó el de la Epifanía, que se encuentra en la iglesia
de Santiago de Valladolid. En esta obra se observa la técnica del estofado y las
características que hemos citado.
Una vez que es un artista consagrado, viaja a Toledo para realizar la sillería
del coro de la catedral. La sillería es de madera noble no policromada y está decorada
con imágenes que recuerdan las puertas del baptisterio de Florencia. Además de la
sillería, realiza una escultura sobre el coro que representa la Transfiguración o
Resurrección de Cristo. Finalmente, realizó el Sepulcro del Cardenal Tavera, que
recuerda mucho a la escultura italiana al usarse el mármol.
● El segundo escultor del Manierismo español es Juan de Juni. Nació en
Borgoña, se formó en Italia y terminó afincándose en España, concretamente en
Valladolid. Por lo tanto, tiene influencias de la escultura de Borgoña, la formación
clásica italiana y la religiosidad de Castilla.
En Valladolid vive al principio a la sombra de Berruguete, hasta que éste se fue
a Toledo, y aprovechando ese vacío, recibe su primera gran obra: el Entierro de
Cristo. Es un grupo escultórico realizado para una capilla funeraria. Es una obra muy
expresiva, Cristo aparece rodeado de las tres Marías y los Santos Varones,
destacando mucho el plegado de paños, que es muy movido y anguloso. El material
usado es la madera policromada. Otras obras de Juni son el retablo de Santa Maria la
Antigua o la Virgen de las Angustias, que va a servir de modelo para la Piedad de
Gregorio Fernández, escultor del Barroco castellano.
4.3. Pintura española:
Dentro de este movimiento, sólo vamos a fijarnos en un artista: Doménikos
Theotokopulos, conocido como El Greco. Es un pintor nacido y formado en Creta,
lugar del cual siempre va a mantener una ligera influencia de los iconos bizantinos.
Después de esta formación se trasladó a Italia, donde aprendió de manos de Tiziano y
Tintoretto en Venecia y de Miguel Ángel en Roma.
La obra de La expulsión de los mercaderes del templo, refleja el tema bíblico
donde Cristo expulsa del templo de Jerusalén a los mercaderes. Se observa la
influencia de Tiziano en la riqueza de colores y la composición compleja, así como
la influencia de Miguel Ángel en el fondo arquitectónico. Sin embargo, el estilo del
Greco es muy personal, ya que el canon de sus figuras es muy alargado y manierista,
mientras que los cuerpos presentan unos volúmenes muy planos.
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Cuando se trasladó a España, realizó una obra para el rey Felipe II que estaba
centrado en la construcción y decoración de El Escorial: El sueño de Felipe II o
Alegoría de la Santa Liga, donde vemos un estilo muy personal que no gustó al rey.
En el cuadro vemos un rompimiento de gloria y dos escenas, una terrenal y otra
celestial, predominando el manierismo y el desorden en la composición. Se
representa el momento de la batalla de Lepanto con el rey junto a sus aliados dando
gracias a Dios por la victoria. En el plano celestial aparece el anagrama de Cristo.
Mientras elabora este cuadro para Felipe II, realizó El Expolio. Es una escena
de la pasión de Cristo en el momento en que los soldados echan a suerte su túnica,
que se encuentra en la Sacristía de la Catedral de Toledo. En el centro, aparece la
figura de Cristo con los ojos vidriosos y una fuerte plasmación de los sentimientos.
Su figura tiene forma ovalada y unos colores cálidos y ricos, que recuerdan la pintura
de Tiziano. Está rodeado por dos tipos de personajes: las tres Marías vestidas de
hebreas en una esquina, formando una composición compleja que rompe con el
Renacimiento, y un grupo de militares en los que predomina el color grisáceo y
metálico de las armaduras. En todos estos personajes retrató a los toledanos del siglo
XVI, cuestión que lo hizo muy popular en la ciudad. El contraste de colores entre el
rojo y el resto es evidente y el manierismo de la composición propia del artista.
Tras este cuadro, realizó otra obra para intentar entrar en el círculo de los
pintores de Felipe II: El Martirio de San Mauricio y la Legión Tebana, que se
encuentra en el Monasterio del Escorial. Es una escena compleja que de nuevo no
gustó al rey. La escena del martirio la coloca en una esquina, de forma que parece un
tema secundario, mientras que en la escena central se están repartiendo sus
pertenencias. El cromatismo es muy rico y el canon de las figuras es muy alargado y
estilizado. Se observa un rompimiento de Gloria sobre el cual vemos unos ángeles
que portan el emblema del martirio, la palma, y el símbolo de la santidad, la corona.
El Greco vio que su estilo no tenía cabida en la corte real, por lo que se refugió
en Toledo, donde desarrolló el resto de su obra. Allí realizó El entierro del Señor de
Orgaz. Es un lienzo muy grande que se encuentra en la Iglesia de Santo Tomé de
Toledo, cuya parte superior es redondeada ya que simboliza el cielo. Se representan
dos escenas separadas por un rompimiento de gloria:
La terrenal representa un milagro que ocurrió en el siglo XIV en Toledo.
Durante el entierro del señor de Orgaz aparecieron San Agustín y San Esteban y
subieron el cuerpo al cielo. Están rodeados por un grupo de personas que retratan de
forma realista a los personajes ilustres del Toledo del siglo XVI, unos vestidos como
caballeros con la cruz de Santiago en el pecho y otros vestidos de religiosos. El hijo
del Greco señala el tema principal mirando al espectador.
En la parte superior, se encuentra el mundo celestial mucho más irreal, sobre el
rompimiento de gloria. En él vemos a un ángel que une los dos espacios, ya que es el
encargado de conducir el alma del difunto, y, sobre ellos, en la escena celestial se
observa a Jesús, la Virgen, San Juan Bautista y San Pedro con las llaves del paraíso.
Hay una gran riqueza en los colores, destacando el dorado, los metálicos y el negro.
La pincelada del Greco comienza a ser cada vez más suelta y el manierismo del
canon y de la composición es evidente.
Tras este cuadro el resto de su producción se desarrolló en Toledo, destacando tres
tipos de temas:
● Temas religiosos: Se trata de obras realizadas con una pincelada suelta, los
colores se van apagando, los cuerpos son muy alargados y manieristas, los
sentimientos son exaltados y se mantienen los rompimientos de gloria. Destaca El
retablo de doña María de Aragón, llamado así por ser esta señora la mecenas de un
colegio de la orden agustina que fue desamortizado en el siglo XIX. En algunas de sus
tablas se representan escenas como la Adoración de los pastores, el Bautismo de
Cristo o la Resurrección. Otras obras religiosas son la Visión del Apocalipsis (obra
donde destacan las representaciones de desnudos y la pincelada suelta, siendo un claro
precedente del Expresionismo del siglo XX) o Cristo con la cruz a cuestas.
● Tema mitológico: El Laocoonte, a pesar de la temática el resultado no
recuerda al mundo clásico. El fondo representa la ciudad de Toledo, con fondos
tormentosos y pincelada suelta.
● Retratos como el del Caballero con la mano en el pecho.
● Paisajes irreales y tormentosos como las visiones de Toledo.
Paco Pareja
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